Kinote.info

«Тарковский: Последнее кино»

Fri, 03 Sep 2010 16:04:00 +0400

С 15 сентября по 17 октября в «Галерее на Солянке» будет проходить выставка «Тарковский: Последнее кино», посвященная 25-летию фильма «Жертвоприношение».

«Готланд. Перед съемками» (с) Layla Alexander-Garrett

В рамках выставки будут представлены:

более 50 уникальных кадров, сделанных переводчицей Андрея Тарковского Лейлой Александер-Гарретт во время съемок фильма «Жертвоприношение» в Швеции;
оригинал сценария фильма «Жертвоприношение» на русском, английском и шведском;
behind the scenes (в том числе шведский документальный фильм «Режиссер Тарковский»);
ежедневные показы фильма и встречи с героями;
живопись Андрея Тарковского из личного архива Марины Тарковской.

Мировая премьера «Жертвоприношения» состоялась в Стокгольме 9 мая 1986 года. Всего за две недели до этого аварийные системы по всей Швеции среагировали а радиоактивный выброс Чернобыльской АЭС. Картину, в которой главный герой должен принести жертву, чтобы остановить запущенные ядерные ракеты и предотвратить гибель человечества, многие посчитали пророческой. В еще более мистический контекст «Жертвоприношение» поместило убийство «шведского голубя мира», политика Улофа Пальме, которое произошло на том же месте, где Тарковский снимал один из эпизодов.

«Жертвоприношение», совместный проект шведских, британских и французских продюсеров — последний фильм Тарковского и первый, созданный им уже в подлинной эмиграции, с ощущением безвозвратно перейденной черты. Предыдущую картину, «Ностальгию» (1983), он снимал в Италии еще как командировочный, который не торопится возвращаться домой. Но в декабре 1984 года Тарковский заявил французской прессе, о своем решении остаться на Западе. Еще через год, во время монтажа «Жертвоприношения» ему был поставлен смертельный диагноз.

Работа над фильмом, который очевидно осознавался им как последний, стала для Тарковского еще уникальным опытом соприкосновения с режиссерской вселенной другого гениального режиссера XX века — Ингмана Бергмана, постоянный оператор которого Свен Нюквист стал и оператором «Жертвоприношения».

Участие картины в конкурсе Каннского фестиваля от Швеции и присужденный Тарковскому гран-при замалчивалось советской прессой. Но уже спустя полгода премьера «Жертвоприношения» и ретроспектива режиссера с огромными аншлагами прошла в Центральном доме кино — он не дожил до этого три месяца.

Создатель «Иванова детства», «Андрея Рублева», «Соляриса», «Зеркала», «Сталкера», «Ностальгии», «Жертвоприношения», Андрей Тарковский и сегодня остается самым известным русским режиссером. Его влияние на умы современных кинохудожников в России и за ее невозможно переоценить — с годами оно только усиливается.

Цвета ранней французской фотографии

Mon, 30 Aug 2010 16:26:00 +0400

РОСФОТО и Фонд Клементин (Париж) в рамках официальной программы мероприятий Года Франции-России представляют выставку французской фотографии середины XIX века. Выставка фотографий французского Фонда Клементин в РОСФОТО представит российскому зрителю сорок оригинальных отпечатков середины XIX века, выполненных классиками фотографии: Шарлем Нэгром (Charles Nègre), Анри Ле Секом (Henri Le Secq), Шарлем Марвилем (Charles Marville), Эдуаром Бальдю (Édouard Baldus), Феликсом Надаром (Félix Nadar), Эженом Диздери (Eugène Disdéri), Этьеном Каржа (Étienne Carjat), Пьером Пети (Pierre Petit) и другими известными мастерами.

Эдуар Бальдю «Пон-дю-Гар» (1850-ые)

Отпечатки на бумаге, в середине XIX века сменившие серебряные пластины дагерротипов, вплотную приблизили фотографию к графическому искусству. Серые, коричневые, бордовые и другие оттенки фотографий на солёной и альбуминовой бумаге напоминали изображения, выполненные в благородных техниках карандаша, угля и сангины. В это время монохромные фотографические отпечатки на бумаге становятся для художников новым источником изучения натуры и совершенствования рисунка. Тем не менее, немногие были готовы публично признать фотографию, хотя и использовали для создания картин фотографические этюды (натюрморты, снимки обнаженной натуры, элементов пейзажа, архитектурных деталей). Среди известных живописцев Франции только Эжен Делакруа, ставший в 1851 году одним из учредителей Гелиографического общества, открыто поддержал молодое искусство.

Благодаря Фонду Клементин, мы имеем редкую возможность увидеть не просто уникальные снимки (среди них — автотопортрет Э. Делакруа, портрет Э. Золя, фотоколлаж Э. Диздери, вместивший 321 персонажа на отпечатке размером 6×10 см., бумажные негативы Э. Бальдю и Ф. Петье-Гроффе), но, одновременно, бесценные источники по истории фотографии.

Выставка «Цвета ранней французской фотографии» — это еще и материал для историософских размышлений, требующий медленного и вдумчивого всматривания, контекстуального прочтения каждой фотографии.

Важной частью выставочной программы станет семинар (также подготовленный совместно с Фондом Клементин), посвященный истории ранней французской фотографии. Он пройдет в РОСФОТО в середине октября при участии ведущих французских специалистов.

Во Франции открылась выставка литографий Дэвида Линча

Sat, 14 Aug 2010 00:37:00 +0400

В музее французского города Гравлин открылась выставка литографий кинорежиссера Дэвида Линча (David Lynch), сообщает ArtInfo. Серия работ Suite de Paris была создана Линчем во Франции.

Дэвид Линч за работой в своей студии

Ранее кинорежиссер пробовал себя в рисунке, живописи маслом и акварелью, фотографии и звуковых инсталляциях. Линч проявил интерес к искусству еще в юном возрасте, когда посещал курсы в Академии изящных искусств в Пенсильвании. «Перед тем как начать снимать фильмы, я хотел стать художником. Я был помешан на живописи, на изображении», — говорится в тексте Линча, которым сопровождается выставка.

Интерес к литографии у создателя «Твин Пикса» появился в 2007 году, когда директор Фонда Картье провел для него экскурсию по парижской студии литографии Idem, где работали Анри Матисс, Пабло Пикассо и Хуан Миро. С той поры Линч создал около 100 литографий; в 2008 году прошла его первая выставка.

На выставке в Гравелине представлены 62 литографии режиссера, она продлится до 17 октября. Также в музее Musee du Dessin et de l’Estampe Originale будут показывать ранние короткометражки Линча.

Хармс глазами молодых художников

Thu, 12 Aug 2010 09:28:00 +0400

В 2010 году исполнится 105 лет со дня рождения одного из самых харизматичных и ярких поэтов ХХ века — Даниила Хармса. Но до сих пор, несмотря на признание и возвращение в литературу этого имени, не было издано ни одного полного собрания сочинений поэта. Книжный магазин «Москва» и издательство «Азбука» решили восполнить этот пробел.

Даниил Хармс

Более того, был объявлен конкурс среди молодых художников на лучшее оформление трехтомника Даниила Хармса. Работы молодых художников будет оценивать компетентное жюри, в которое вошли руководитель Федерального агентства по печати и массовым коммуникациям М. В. Сеславинский; генеральный директор книжного магазина «Москва» М. Н. Каменева; известный советский и российский художник-мультипликатор, режиссер анимационного кино Ю. Б. Норштейн; арт-директор издательства «Азбука» В. В. Пожидаев; руководитель мастерской «Дизайн уникальных изданий», профессор В. Е. Валериус; заслуженный художник Российской Федерации, профессор А. Б. Коноплев; продюсер, художник, директор московской Галереи на Солянке Ф. П. Павлов-Андреевич; доктор филологических наук, профессор кафедры русской литературы Российского государственного педагогического университета, специалист по Хармсу А. А. Кобринский.

Победитель конкурса получит право оформить юбилейный трехтомник Даниила Хармса и гонорар в размере 30 000 руб. Второе место — денежная премия от магазина «Москва» 15 000 рублей. Кроме этого, в блоге книжного магазина «Москва» будет проходить независимое голосование, по результатам которого лучшая работа получит приз зрительских симпатий — «Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства» Сергея Власова в 10 томах. Лучшие работы будут представлены на 12−й Международной ярмарке интеллектуальной литературы Non/fiction с 1 по 5 декабря 2010 года, где и пройдет награждение победителей.

Сроки проведения и условия конкурса на www.moscowbooks.ru

Блог книжного магазина «Москва» http://moscowbooks.livejournal.com/

Норман Роквелл — «мастер капреализма»

Tue, 10 Aug 2010 13:26:00 +0400

В Вашингтоне, в Музее американского искусства, входящем в Смитсонианский институт, открыта выставка художника Нормана Роквелла (Norman Rockwell), которая продлится до 2 января 2011 года.

Норман Роквелл

На выставке, вызвавшей большой зрительский интерес, представлены работы Нормана Роквелла из коллекций знаменитых американских кинорежиссеров Стивена Спилберга и Джорджа Лукаса. Два выдающихся творца «фабрики грез» на протяжении многих лет скупали и коллекционировали работы художника почти как киноплакаты.

Автор «Списка Шиндлера» Стивен Спилберг признавался, что картина Роквелла из его коллекции «Мальчик на вышке для прыжков воду» (1947) представляла собой воплощение каждого фильма, за который ему пришлось браться. «Я чувствовал себя, как этот мальчик на вышке, наверное, в течение 12 лет, прежде чем взялся за «Список Шиндлера». Каждый из нас на новом этапе своей жизни оказывается лежащим вот на такой доске на вышке прежде, чем сможет сделать свой выбор», — говорит режиссер.

Чтобы понять причину неожиданного успеха экспозиции «Повествование: Норман Роквелл из коллекции Джорджа Лукаса и Стивена Спилберга», следует рассмотреть жизнь и творчество художника, которого мало знают в России, а порой и путают с известным в Советском Союзе американским художником-коммунистом Роквеллом Кентом. Впрочем, их путают и в Америке.

Норман Роквелл родился в 1894 году в Нью-Йорке и после возвращения с Первой мировой войны начал заниматься изобразительным искусством вплоть до конца своих дней в 1978 году. С 1920-х годов до 1960-х, за долгие 47 лет, Роквелл создал более 300 обложек в уже несуществующем, но когда-то массовом и популярном журнале «Сатердей Ивнинг пост» (Saturday Evening Post). Как написано на стенах выставочных залов, своими работами Н.Роквелл показал американцам «блеск Голливуда во время трудных лет Великой Депрессии, подпитывал нашу гордость и патриотизм во время Второй мировой войны и помог приспособиться к общественным переменам послевоенного восстановления».

Нормана Роквелла часто называют самым любимым американским художником. «Роквелл — предельно доступный реалист, чей изобразительный язык прямолинеен и показывает людям мир не таким, каков он есть, а каким его хотелось бы видеть, — говорит известный американский социальный психолог и переводчик Линн Виссон. — Во времена моего детства он был на всех рекламах, открытках, обложках, но потом канул в никуда. Сейчас, когда США переживают экономический спад, нелегкие времена, людям снова понадобились положительные, немного приукрашенные образы Нормана Роквелла».

Фрагмент картины «Отъезд и возвращение» (1947)

В книге отзывов о выставке можно прочитать такую запись: «Завтра я отправляюсь в Ирак и счастлив, что сегодня увидел замечательную коллекцию, собранную Спилбергом и Лукасом». Считается, что для некоторых сцен в фильме Спилберга «Восходящее солнце» вдохновением послужили картинки Роквелла. Представленная на выставке картина «Отъезд и возвращение» (1947) из коллекции Джорджа Лукаса напоминает кадр из американского кино, где присутствует большой автомобиль с багажником на крыше, папа с сигаретой в зубах, дети, жующие жвачку, бабушка, собака и мальчишки. Мир Норманна Роквелла предельно кинематографичен — это идеальный и старомодный мир, где поношенные ботинки никому не мешают, как в романах Чарльза Диккенса и Марка Твена, а дети умиляют даже своими выпавшими зубами.

Визитная карточка выставки — «Киностарлетка и репортеры» (1936). Ее считали портретом актрисы Джин Харлоу, но более вероятно, что изображена дочь другого художника, делавшего обложки в «Сатердей ивнинг пост», Марди Хофф. Ей очень хотелось «попасть в кино». В день, когда ее лицо оказалось на обложке, три кинокомпании сделали ей предложение, а через две недели она уже была в Калифорнии и подписывала контракт с компанией «ХХ век Фокс».

Н.Роквелл еще и плакатист, призывающий американцев помогать солдатам на фронте. Он иллюстрирует те ценности, ради которых идет война с Гитлером. Это право жить без страха, право высказывать мнение, отличающееся от мнения других, и «Право на молитву» (1943). На этой картине у склонившихся в молитве людей тщательно, до гипертрофированности прорисованы все черточки лиц, подчеркнута каждая морщина на руке, обручальное кольцо на усталой руке и каждый выбившийся седой локон, ресницы и зрачки в воздетых к небу глазах. Фотореализм? Да. Творчество Н.Роквелла можно определить этим словом. Но есть в нем еще и идейное содержание. Американский оптимизм и идеализм, свобода верить в любого бога, право на равенство всех людей перед законом и право на инакомыслие, патриотизм и трудолюбие — вот какие идеи иллюстрирует Роквелл. Пожилой папа и мама в белом переднике, ставящие на семейный стол жирную индейку в день Благодарения, — живое воплощение американской мечты (1943), ради которой солдаты погибают на фронте. Пулемет на военном плакате «Нужно дать им всего вдоволь и вовремя» (1943) нарисован так реалистично, что кажется зритель чувствует исходящий от него запах машинного масла, а от пулеметчика в каске — запах пота. «Обратно в гражданскую одежду» (1945) изображает военного летчика, вернувшегося с войны и выросшего из коротких гражданских брюк. В военных образах Роквелла иногда проглядывает суровая плакатность советского художника Бориса Пророкова, но оптимизма у Роквелла, несомненно, больше.

Некоторые находят в картинах Роквелла черты, свойственные советскому соцреализму, только с поправкой на капиталистическую действительность. Например, одна из размещенных на выставке работ с веселой собачкой на переднем плане, очень напоминает картину народного художника СССР Федора Решетникова «Опять двойка». Хотя работа американского художника называется «Счастливого Рождества, бабушка! У нас новый «Плимут» (1950).

Фрагмент картины «С днем рождения, мисс Джоунс» (1956)

Есть здесь и жанровые сцены, заставляющие вспомнить «Письмо с фронта» Лактионова и даже «Незабываемую встречу» Ефанова. Только в отличие от советских художников, Роквелл не скрывал, что работает по фотографиям и поставил производство своих произведений на массовый поток. В то время, как классики соцреализма выдавали свою работу на произведения искусства. Иногда творчество Роквелла можно сравнить с иллюстрациями к детским книжкам поэтессы Агнии Барто или с картинками питерского художника Алексея Пахомова, рисовавшего детей блокадного Ленинграда и сделавшего иллюстрации к «Рассказу о неизвестном герое» Маршака.

«Если угодно, это американский аналог советских фильмов «Кубанские казаки» и «Свинарка и пастух», поэтому он так нравится деятелям Голливуда», — говорит российская посетительница выставки Таня.

В экспозиции музея Смитсониан «Тройной автопортрет» (1960) Роквелла — самая знаменитая вещь, ставшая символом американского искусства и репродуцированная во многих изданиях. Ныне картина находится в коллекции Стивена Спилберга. Эта работа, как никакое другое живописное произведение ХХ века, отражает не то, что раздвоение, а «растроение» личности художника, пытающегося справиться с неразрешимыми задачами, которые ставит перед ним время. Как у любого художественного открытия, у «Тройного портрета» глубокий смысл, заставляющий задуматься о смысле художественного творчества, о многослойности творческого «Я» художника.

Все три жены Нормана Роквелла были учительницами, и школьная тема ему была очень близка (говорят, что первым, кто заметил его дар рисовальщика, была именно первая учительница). В экспозиции есть картина «С днем рождения, мисс Джоунс» (1956), которая изображает нескладную училку, в умилении застывшую перед своим классом. На столе у нее лежат скромные подарочки — цветочки, яблочки.

Публике очень нравится картина Роквелла «Первый раз в салоне красоты» (1972) — почти, как в СССР «В первый раз в первый класс». Рыжая девчонка, обалдевшая от своего взрослого положения в парикмахерском кресле, держит в руках портрет Жаклин Кеннеди — культовой красавицы Америки 1960-х годов. Склонившаяся над ней парикмахерша с наманикюренными ногтями и в туфлях-лодочках словно сошла с рекламы американской косметики в старом журнале «Лайф».

Фрагмент картины «Первый раз в салоне красоты» (1972)

Нельзя не упомянуть, что серьезные искусствоведы считали произведения Нормана Роквелла не имеющими никакого отношения к искусству и воплощением «американской пошлости и мещанства». В частности, об этом писал Владимир Набоков, который считал, что «Дали, на самом деле, брат-близнец Нормана Роквелла, украденный в детстве цыганами».

Как бы то ни было, своими работами Норман Роквелл создал иллюстрированную историю Америки ХХ века в те времена, когда средства кино и телевидения еще не позволяли запечатлеть ее в цвете, раскрашенную и приукрашенную. И в наши дни мы можем судить о той Америке по чуть слащавым, немного наивным образам этого очень запоминающегося графика.

Дом, который всегда с тобой

Fri, 06 Aug 2010 17:18:00 +0400

Одно из главных художественных событий этого лондонского лета — выставка «Дом сюрреализма» в культурном центре «Барбикан». Организаторы демонстрируют теснейшую связь между сюрреализмом, архитектурой XX века и психоанализом. Наглядные примеры сопровождаются лекциями кураторов, которые пытаются объяснить недосказанное объектами искусства.

Выставка «Дом сюрреализма», как следует из названия, посвящена зданиям, помещениям и, более общо, пространствам. Арт-галерея центра «Барбикан» превращена молодыми архитекторами в лабиринт комнат, блуждания по которому вызывают ощущения самые что ни на есть сюрреалистические. Дело не только в том, что зрителя окружают работы Сальвадора Дали, Марселя Дюшана, Альберто Джакометти, Рене Магритта и других мастеров представленного тут жанра. Если их убрать, само пространство галереи останется в качестве центрального элемента экспозиции.

Необычные архитектурные формы — одна из тем, заинтересовавших сюрреалистов в 20-30-е годы прошлого века; она по-прежнему актуальна для современных представителей этого течения. Из них на выставке представлены, в частности, Ребекка Хорн, Эдвард Кинхольц и Рем Коолхаас.

«Дом сюрреализма» стоит не только на экспозиции как таковой, но и на устраиваемых в галерее дискуссиях, где можно услышать различные мнения о современном искусстве. На одной из таких встреч выступила куратор выставки Алона Пардо:

«В качестве фокуса нашей выставки мы решили взять дом — дом как архитектурное сооружение и одновременно архитектурный проект. Здесь, как видите, имеются четыре стены, крыша, двери, окна — все элементы, которые ассоциируются у человека с домом. А кроме того, важной частью является порог — тот, что ведет из реальности в область фантастического, воображаемого, подсознательного; иными словами — в пространство сюрреализма.

Дом может представляться нам лабиринтом. Фрейд говорил о доме как о ключевом понятии в интерпретации сновидений. К тому же дом нередко сравнивают с телом; каждый из нас — дом, где обитает наш разум, наш дух. При этом известно, что на фоне сюрреалистического пространства дом-тело воспринимается всегда как нечто разъединенное, разбитое на части».

Куратор не случайно вспомнила Фрейда — как известно, отец психоанализа был фигурой, вдохновлявшей многих сюрреалистов. В 1921 году юный Андре Бретон посетил Фрейда в Вене, а в Лондоне с ним встречался Сальвадор Дали. Правда, доктор Фрейд не отвечал художникам взаимностью, считая их странноватыми, малопонятными фантазерами.

Зигмунд Фрейд играет в «Доме сюрреализма» роль привидения, чьи следы заметны во всех комнатах: от кресла, сидя в котором, психоаналитик принимал пациентов, до черной двери с глазком — рисунка Роберта Лонго, взявшего за основу фотографии венской квартиры Фрейда.

«Согласно Фрейду, как я уже упоминала, дом является важнейшим ключом к пониманию мира подсознательного. Он говорит о том, что это — его любимый способ представления организма как единого целого. Одним словом, в глазах Фрейда тело есть дом. Посетив нашу выставку, вы заметите еще вот какую вещь. С самого начала сюрреализм был диаметральной противоположностью модернизма. Наша же выставка предлагает другой взгляд — весьма радикальный. Мы поставили себе целью интерпретировать взаимоотношения между этими течениями по-новому. Сюрреализм не противостоит модернизму — скорее выполняет функцию некой динамичной силы, бросающей ему вызов изнутри. Если принять эту точку зрения, то переплетения сюрреализма и архитектуры становятся особенно интересны.

Создавая экспозицию, мы старались охватить широкий круг работ, художников. Выставка, помимо прочего, представляет собой карту эпохи, предшествовавшей возникновению сюрреализма. Тут использованы образы, которые в свое время интересовали самих сюрреалистов», — говорит куратор выставки Алона Пардо.

Среди архитектурных излишеств, наводняющих «Дом сюрреализма», — дверь с окошками, вместо стекла затянутыми черной кожей, и дверной звонок в форме женской груди. Это работы Марселя Дюшана, которого кураторы называют своим главным архитектором и «сообщником сюрреалистов». Они и фильм Бастера Китона, в котором здание рушится вокруг наблюдателя, задают тон выставки. Один из залов — своего рода прихожая, ведущая в отгороженный занавесом «Домашний театр», — пуст, если не считать инсталляции, свисающей с потолка. Старинный рояль с вываливающимися из нутра потрохами издает звуки, которые тянет назвать потусторонними. Перед зрителем — точнее, над ним — «Концерт в честь анархии» Ребекки Хорн. Работа Луизы Буржуа «Выхода нет, 1989» изображает лестницу в никуда, под которой имеется потайной лаз и подвешены два резиновых сердца. О роли разных жанров в «Доме сюрреализма» рассказывает Алона Пардо:

«Экспозиция включает в себя весь спектр художественных форм, которые можно назвать ключевыми для языка сюрреализма. Наиболее часто встречающиеся среди них — живопись, фотография и, кроме того, кино. Вы увидите множество фильмов, разбросанных по залам выставки. На заре сюрреализма кинематограф пользовался популярностью как новый вид искусства. В те времена строились кинотеатры, которые у сюрреалистов получили название электрических дворцов. Художники проводили там огромное количество времени. Причем их интересовал не просто линейный нарратив фильма, но сама атмосфера погружения, характеризующая кино. Эти темные залы в сочетании со светлыми пространствами обволакивали человека, заставляли его задуматься... Кино было сродни порогу, за которым раскинулся новый мир».

«Дом сюрреализма» — место, беспокоящее воображение каждого, кто его посетил, наводящее на странные мысли, которые, возможно, никогда не выплыли бы из подсознания сами по себе. По словам устроителей выставки, «это жилище включает в себя все то, чего нет в рациональном, функционально построенном доме модернизма». Не исключено, что представители модернизма, посетив «Дом» соперников, принялись готовить свой арт-ответ.

Чтобы дать сюрреалистам достойный отпор, в качестве теоретической базы уместно взять труды философа де Селби. Последний, если верить его создателю Флэнну О’Брайену, был мастер порассуждать на тему о домах. По воспоминаниям О’Брайена, «череда домов представляется ему чередой неизбежных зол».

«92 чемодана Леонардо» Питера Гринуэя

Fri, 30 Jul 2010 16:46:00 +0400

В Локарно (Швейцария) проходит выставка инсталляций Питера Гринуэя «92 чемодана Леонардо». Ровно 92 чемодана, наполненные яблоками, шампиньонами, яйцами, старыми письмами и даже водой, разместились на трех этажах галереи «Ривеллино» (Rivellino). Изначально здание культурного комплекса Rivellino служило крепостью, которая была построена в начале 16 века по проекту Леонардо да Винчи — видимо, этот исторический факт и есть единственное объяснение тому, что делает имя титана Возрождения в названии выставки Гринуэя.

Питер Гринуэй

Если верить изысканной легенде, озвученной самим маэстро, то все 92 чемодана принадлежали Тульсу Люперу — вымышленному персонажу, созданному самим режиссером и являющимся сквозным героем многих его фильмов, прежде всего, поздней эпопеи Гринуэя «Чемоданы Тульса Люпера». Согласно мифу, свой первый чемодан — с углем — Люпер собрал в сарае, будучи десятилетним ребенком. Однако по другой, куда более правдоподобной версии, над которой в узких кругах иронизировать как будто неприлично, старые, изрядно потрепанные чемоданы Гринуэй собирал на свалках и чердаках своих знакомых.

92 — число, обладающее для Гринуэя каким-то тайным магическим смыслом. Достаточно вспомнить, что из 92 новелл состояла его ранняя кинокартина «Падение», населенная 92 жертвами, которые разговаривают на 92 языках; или что в эпопее «Чемоданы Тульса Люпера» насчитывается именно 92 чемодана, заняты 92 актера, происходит ровно 92 события, а сам проект от самого же создателя получил альтернативное название — «персональная история урана» — элемента с атомным номером 92 в периодической системе. Кроме того, сам Тульс Люпер, который всю жизнь провел в неволе, успел побывать в 92 тюрьмах.

На выставке в Локарно представлены не только арт-объекты в виде чемоданов, но и рисунки Люпера, подборка фотографий, иллюстрирующих «Эпоху урана», а также ретроспектива фильмов Гринуэя. Среди занимательных предметов, что наполняют чемоданы экспозиции, помимо уже перечисленных, стоит упомянуть саранчу, швейные иголки, вишню, пепел, обои с засохшей кровью, зубоврачебный инвентарь, битое стекло, розы, золотые слитки, копченую селедку, теннисные мячики, апельсиновую кожуру и даже кровь. Чемодан № 1 наполнен, разумеется, углем. Полный список чемоданов можно посмотреть на сайте Rivellino.

Сама же выставка является частью масштабного мультимедийного проекта, который по первоначальной задумке должен был состоять из трех полнометражных фильмов, 16-серийного телесериала и 92 DVD, а также массы сайтов, компакт-дисков и множества книг. Исполнить замысел пока удалось лишь частично, однако аудиовизуальная выставка, запланированная на три года (с 2008 по 2011), с успехом путешествует по миру, уже побывав в Бельгии, Великобритании, Нидерландах и Бразилии. В Локарно выставка продлится до зимы.

Несмотря на восторженный хор примерной швейцарской критики, все чаще в арт-среде можно услышать мнение о том, что маэстро Гринуэй развлекается модным эпатажем, предлагая узкой тусовке европейских буржуа откровенную профанацию искусства. Вопрос, учитывая многогранность и неоднозначность личности самого Питера Гринуэя, сложный. Пока же довольные посетители швейцарской выставки с удовольствием полощут руки в чемодане с водой под пытливым взглядом кураторов.

Сейчас организаторы совместно с Питером Гринуэем готовят к выпуску каталог проекта «Чемоданы Тульса Люпера». По всей вероятности, он будет состоять аккурат из 92 страниц.

«Политическое и туристическое видео» в галерее Марата Гельмана

Wed, 28 Jul 2010 14:26:00 +0400

С 7 по 31 августа в галерее Марата Гельмана художники Александр Шабуров и Вячеслав Мизин («Синие носы») показывают программу фильмов, снятых за последний год. Данная выставка предваряет видеоретроспективу «Синих носов», которая пройдет на Винзаводе в сентябре. На ней будет представлено все видео, снятое «Синими носами» за прошедшее десятилетие – от их первых опытов до работ учеников.

Александр Шабуров и Вячеслав Мизин («Синие носы»)

Авторы рассказывают, что «видеоарт» им пришлось изобретать заново: «До этого видеоискусство было длинным, нудным и неинтересным даже специалистам (с чем посетители клуба «Синефантом» хорошо знакомы). Мы недолго думали, в какую сторону его перенаправить. Соревноваться с голливудскими боевиками по числу спецэффектов сочли бессмысленным. И изобрели способ производства «видеарта» почти без монтажа. А порой даже без видеокамеры («Устное кино»). Свой метод делать «видео на коленке» преподавали в разных институциях и институтах. В российской глубинке (в Новосибирске, Новокузнецке, Кемерово и др. городах) и за рубежом (в Швейцарии, Франции и Норвегии). Таким же макаром снимали милицейские сериалы, а также рекламу, заказанную водкой «Абсолют», сумками «Шанель» и заводом «Сваровски». Опирались на интернет-фольклор – ролики, размещаемые на «Ютубе» и «Рамблер-видео».

Урал в стиле Энди Уорхола

Tue, 27 Jul 2010 08:47:00 +0400

Работники заводов и фабрик Екатеринбурга готовятся к художественному нашествию. В сентябре сразу несколько машиностроительных и металлургических предприятий станут площадками для актуального искусства. А основные арт-действия развернутся в здании старейшей типографии региона «Уральский рабочий». В рамках 1-й Уральской индустриальной биеннале современного искусства около сорока известных художников создадут внутри промышленных помещений необычные арт-объекты. Причем делать они это будут на расстояние.

Только недавно за здание типографии «Уральский рабочий» велись имущественные бои. Теперь фабрика постройки 1931 года считается объектом культурного наследия. И актуальное искусство уже готовится пустить свои корни в стенах типографии. Здесь откроется выставка «Ударники мобильных образов». Ее готовит интернациональная группа кураторов – Екатерина Деготь (Москва), Космина Костинаса (Амстердам – Утрехт) и Давида Риффа (Берлин – Москва). Этим людям предстоит организовать больше сорока художников и кинематографистов разных стран. Из отечественных звезд – Илья и Эмилия Кабаковы. Причем, творить художники будут на расстояние, поскольку живут в Америке. Как? С помощью Интернета и других современных технологий. Они будут передавать инструкции команде волонтеров, которые и воспроизведут задумку авторов. Какую? Это пока секрет, но тема должна быть под стать первой индустриальной биеннале – о рабочей России.

«В советское время самыми уважаемыми людьми, за труд которых хорошо платили, были рабочие – металлурги, ткачи, – говорит другой участник индустриальной биеннале, участник группы «Синие носы» Александр Шабуров. – А сейчас кто? Шоумены и олигархи – герои нашего времени. У меня каждый третий знакомый дома (Саша родился под Екатеринбургом, а потом переехал в город учиться – прим.) – рабочий. Как они живут сейчас? Что у них в холодильнике? Об этом будет наш фильм».

Еще до официального старта биеннале «Синие носы» собираются показать рабочим разных заводов Екатеринбурга два забытых фильма – «Премия» Сергея Микаэняна и «Стачка» Сергея Эйзенштейна. Обе картины, в которых играют звезды советского кинематографа, о рабочих. Почему такое кино не снимают сейчас, задаются вопросом художники. Почему сейчас наши герои не ударники труда, а «гламурные бездельники» или «абрамовичи»? Над этим предстоит поразмыслить всем участникам фестиваля. Символично, что спецпрограмма фестиваля будет проходить, в том числе, на предприятиях, приостановивших свою работу из-за кризиса.

Для публики, особенно рабочих, эта биеннале должна стать знаковой. Во-первых, наконец, на них обратят внимание не потому, что случилась поломка на заводе, или не выдают зарплату который месяц. Наконец, к ним отнесутся с тем же пиететом и уважением, как десятилетия назад. Кураторы биеннале даже решили сделать выставку одного из рабочих Геннадия Власова. В 60-х он не только работал на фабрике, но и в свободное время оригинально расписывал шкафчики товарищей, рисовал картины для родного предприятия, делал стенгазеты. Теперь его творениям, обещают организаторы, присвоят музейный статус.

А для художников первая индустриальная биеннале – шаг к истокам современного искусства. Ведь одна из икон поп-арта Энди Уорхол прославился с помощью и даже благодаря своей «Фабрики». Художник превратил промышленное здание заброшенного предприятия – в дом и место создания искусства. С тех пор индустриальные постройки по всему миру стали превращаться в музеи и галереи. А в современной России лофты стали появляться только после развала Советского Союза. Впереди всех – московский «Винзавод», петербургский Лофт Проект «Этажи» и пермский «Речной вокзал». В сентябре Екатеринбург обещает открыть новую страницу в российском актуальном искусстве.

У «Сладкой жизни» Феллини – юбилей

Mon, 12 Jul 2010 12:52:00 +0400

В Римини, в одном из самых красивых залов городка Кастель Сисмондо (Sismondo), проходит выставка «Дольче Вита», посвященная шедевру Феллини, которому исполняется в этом году полвека (первый кинопоказ «Сладкой жизни» датируется 3 февраля 1960 года) и вызвавшему, без преувеличения, разрушительные последствия как в Италии, так и во всеи мире.

Кадр из фильма «Сладкой жизни»

С помощью специального построенного фотопространства организаторы выставки пытаются показать глубокие последствия этой работы, которая ознаменовала собой поворотный пункт не только в истории кино, но и в нравах общества. Феллини чувствовал напряженность, противоречия, желания и мечты эпохи, которая развивалась вместе с экономикой рынка и резкие, ломанные черты которой он видел в окружающем его воздухе.

В экспозиции около 50 крупноформатных фотографий, сделанных Пьерлуиджи (Praturlon) на съемочной площадке и любезно предоставленных Associazione Culturale Cinemazero di Pordenone.

Не менее важным является раздел, посвященный книге «Сладкая жизнь». Как сообщили кураторы Джузеппе Риччи и Доменико Монетти из архива Риззоли (Rizzoli), в книге подобраны все материалы, сохранившиеся со времен съемки картины. Книга, опубликованная издательством Фонда Феллини совместно с Экспериментальным центром кинематографии (Centro Sperimentale di Cinematografia), является третьей в серии о наследии Федерико Феллини, после «Джульетта и духи» и «8½».

Также на выставке представлены некоторые ценные материалы, хранящиеся в Фонде Феллини – это несколько вариантов сценария, а также ноты, партитуры и записи, отражающие работу Нино Рота в этом шедевре.

В поддержку акции Фондом выпущен видеофильм, в котором есть интервью, сцены из фильма, фотографии и другие исторические документы, фотографии и фрески, которые помнят Виа Венето и женскую магию в этой работе мэтра кино.

Выставка организована Фондом Феллини при содействии отдела культуры муниципалитета Римини, стартовала в четверг, 24 июня, и будет работать ежедневно до 25 июля, с 18 часов до 24 часов, вход свободный.

World Press Photo в Лофт Проекте «Этажи»

Fri, 09 Jul 2010 14:27:00 +0400

200 снимков-победителей самой престижной ежегодной премии в области фотожурналистики представят в Петербурге впервые за четыре года. С 16 июля по 5 августа культурный центр Лофт Проект «Этажи» покажет выставку World Press Photo 2010.

Adam Ferguson, Australia, VII Mentor Program for The New York Times. 1е место в номинации Spot News Singles. Женщину уводят от взрывающегося автомобиля самоубийцы в Кабуле, Афганистан, 15 декабря.

Церемония награждения World Press Photo проходит в ежегодно в Амстердаме, после чего выставка отправляется в тур. В 2010 году ее можно будет увидеть более, чем на сотне площадок по всему миру. Международное независимое жюри, состоящее из профессиональных фотографов, фоторедакторов и фотоэкспертов, оценило более 100 000 работ 5847 фотографов из 128 стран в 10 различных категориях, Жюри традиционно определяет победителей в номинациях: Spot News – Новости с места событий, General News – Общие новости, People in the News – Люди в новостях, Sport Action - Спортивные состязания, Sports Features - Спорт, Contemporary Issues – Актуальные темы, Daily Life – Повседневность, Portraits – Портреты, Arts and Entertainment – Искусство и развлечения, Nature – Природа.

Главный приз конкурса World Press Photo – «Золотой глаз» (Golden Еуе). Присуждается одиночной фотографии, которая иллюстрирует самую актуальную тему, острую ситуацию или наболевшую проблему. Первый, второй и третий призы присуждаются в 10 категориях – как для серий, так и для одиночных снимков.

Самый престижный в мире конкурс фотожурналистики – World Press Photo Awards организован Фондом World Press Photo Foundation, существующим в Нидерландах с 1955 года.

Страшилки феминизма

Fri, 25 Jun 2010 12:48:00 +0400

Из известной немецкой формулы «3K – Kinder, Kueche, Kirche» церковь утратила актуальность с появлением Маркса и Ницше, а кухня – с появлением полуфабрикатов, электроплит и прочих домохозяйских утех. Бременем современной женщины остаются дети, которых, как якобы говорил Хармс, травить жестоко, но что-нибудь ведь надо же с ними делать. Феминистка Аннетт Мессаже нашла управу на детей и тех, кто из них вырастает: она рассказывает своим зрителям страшные-престрашные сказки. Страшилки.

«Линии руки. Соблазн», 1991 год. Смешанная техника

По стенам ее комнат порхают летучие мыши, патлатые ведьмы, зубастые ножницы, крылатые пенисы и прочие создания орально-генитального облика, вырезанные из черно-белых фотографий разных частей человеческого тела, – в этом шабаше есть нечто смутно порнографическое. У нее страсть к расчлененке и трупам, по крайней мере в виде чучел птиц и зверей. Разрезанные на куски тела, мужские и женские: глаза, рты, уши, ладони, стопы и другие органы на снимках, упрятанных в застекленные коробочки наподобие тех, где держат бабочек, и вывешенных поштучно или целыми гроздьями, но непременно связанных в один организм ниточками. В такие же коробки-гробики она складывает детские и девичьи платья – кажется, будто эту коллекцию составил какой-нибудь Синяя Борода. А еще она потрошит плюшевых зверюшек: шкурки розовых зайчиков и желтых медвежат висят этакими охотничьими трофеями. Шьет и вяжет мягкие игрушки сама, но играть в эти тряпочные руки, ноги и члены, свисающие с потолка, как туши на бойне, никому не захочется. Многое из детского мира ее привлекает. Значки – на них все те же, знакомые по «расчлененным» фотографиям волосатые лобки и оскаленные зубы. Цветные карандаши, торчащие во все стороны остро заточенными стрелами. Воздушные шарики – они превращаются в гигантские полиэтиленовые баллоны или шелковые пузыри, которые вдруг сами собой начинают надуваться. Ее инсталляции ловят в паутину шерстяных нитей, в них вечно что-то неожиданно падает или приходит в движение, битые зеркала, сетки, чучела – все как в ночном кошмаре. Кажется, будто мы попали на место преступления, в садомазохистский клуб или туда, где совершался какой-то экзотический колдовской ритуал. В общем, Аннетт Мессаже плохая девчонка. И была таковой все 40 лет своей выставочной жизни.

«Загон для марионетки», 2005 год. Подушки-валики, деревянная кукла-марионетка, ограждение, мотор

В 1966-м ее выгнали из парижской Школы прикладного искусства, потому что она прогуливала. Пропадала в музеях и кино, полагая, что это полезнее занудливых лекций. Много путешествовала: Индия, Цейлон, Непал, Камбоджа, Филиппины, Гонконг, Япония, США. Должно быть, она даже не вспомнила своих профессоров, когда в 2005 году ей вручили «Золотого льва» Венецианской биеннале. Французский павильон с ее инсталляцией Casino – жутковатым и завораживающим этюдом в багровых тонах, тотальной инсталляцией или, вернее, спектаклем с тенями, масками и вздувающимися потоками кровавой ткани – был тогда признан лучшим.

В начале 1970-х она была в рядах самых отчаянных феминисток. Выставляла фотографии женщины с бородой: женское лицо было нарисовано внизу ее собственного живота, а борода была сами догадайтесь чем. Собирала коллекцию поговорок: если бы женщина была по природе добра, у Бога была бы жена, все от Бога, кроме женщины и т. п. Собирала милые девичьи мордашки из глянцевых журналов – к их свежим губкам и щечкам подрисовывала морщины, а к белоснежным улыбкам – щербины. Собирала семейные снимки – малышам на них она вымарывала глазки. Эта серия вызвала бурю негодования: ладно бы высмеивала мужской шовинизм и стандарты навязанной этим шовинизмом красоты, тут же она покусилась на самое святое – на материнство. Шитье, вязание, детские игрушки и домашний уют – 1968 год дал целое поколение художниц, взбунтовавшихся против женского рабства, и бунт был безжалостный и беспощадный. Впрочем, у Аннетт Мессаже имелся еще один личный мотив – муж, Кристиан Болтански.

«История платьев», 1989–1990 годы. Предметы одежды, деревянные рамы

Ей предоставлялся небогатый выбор: быть заботливой женой знаменитого художника, сделаться его ассистенткой или заниматься собственным творчеством, в котором все кому не лень будут искать отражение искусства великого супруга. Так что поначалу она старалась быть так радикально не похожей на него, что походила на всех феминисток сразу. Настоящее свое, явившее глубинные связи с сюрреализмом, пришло чуть позже. Комплексы и подавленные желания были отпущены на свободу. «Быть художником – значит постоянно залечивать свои раны и бередить их вновь и вновь», – объясняла она. Фотография была осмыслена как улика, и между ней и таксидермией обнаружилось сродство: обе оказались способом сохранять память о живом в мертвых оболочках. У Аннетт Мессаже открылся театральный дар почти средневекового, площадного характера – ее инсталляции выглядят дальними родственниками уличного балагана или райка. В конце концов, и бородатых женщин, с которыми она выступала в пору феминистской молодости, показывали в цирке. У нее всегда был дар смешивать высокое и низкое, ученое и дикое: концептуализм и астрологию, фрейдизм и алхимию, искусство душевнобольных и барочную эмблематику. Как гласила поговорка из ее коллекции, женщин учит природа, а мужчин – книги.

Конечно, у нее с Кристианом Болтанским можно найти что-то общее: он в своих инсталляциях-колумбариях, посвященных холокосту, тоже использует старую одежду и фотографии. Но ведь и краски, которыми писали импрессионисты, были одинаковыми, между тем мы с ходу отличим Сислея от Ренуара. Вряд ли нужно доказывать, что Аннетт Мессаже и Кристиан Болтански – это два совершенно разных художника. Он, кстати, «Золотого льва» не получал.

Искусство и ничего

Tue, 15 Jun 2010 11:28:00 +0400

В Музее современного изобразительного искусства (МСИИ) открылась выставка «Из Нью-Йорка с любовью: Йонас Мекас, «Флуксус» и американский киноавангард», организованная вильнюсским Центром визуальных искусств Йонаса Мекаса при поддержке посольств США и Литвы. Выставка освещает историю знаменитого авангардного арт-движения середины ХХ века, рассказывает о его самых выдающихся представителях и представляет разнообразные образцы их творчества – графические работы, кинокадры, документы и видеоинсталляции из архива американского кинематографиста Йонаса Мекаса. Рассказывает Любовь Борщевская.

Йонас Мекас

Изобретателем термина fluxus (с латыни – «течение») был американец литовского происхождения, графический дизайнер и галерист Джордж Мачюнас. Под этой вывеской собрались в 1960-х художники, музыканты и дизайнеры из Европы и Америки, чтобы создать одно из наиболее радикальных экспериментальных движений XX века, пожалуй, второе после дада. Его участники, среди которых были композитор-минималист Джон Кейдж, видеоартист Нам Джун Пайк, художница Йоко Оно и многие другие, менее известные личности, фактически изобрели новое современное искусство, положив начало большому количеству жанров – от перформанса до видеоарта.

«Флуксус» не был ни организацией, ни группой – скорее мировоззрением и образом жизни. Его приверженцы проповедовали идею, что искусство – не отдельные объекты (хотя вот картины все же создавались), а фрагмент жизни, фиксация однажды случившегося. Нам Джун Пайк при помощи магнита вызывал искажения изображения на телеэкране; Бен Паттерсон накидывал на публику огромную ленту бумаги; Джордж Брехт вместо ожидаемого исполнения фортепианной пьесы ставил на рояль букет цветов. Важно было встряхнуть зрителя, обманув его ожидания. Размывание границ жизни и искусства воспринималось в ту пору как проявление безграничной свободы творчества: предлагалось даже заменить устаревшее понятие «искусство» термином «перманентное творчество».

Ветеран «Флуксуса» Йонас Мекас – один из основателей американского независимого кино, автор многих известных арт-фильмов и хрестоматийных видеоинсталляций. Он – один из немногих ныне живущих художников, которые могут похвастаться участием в знаменитом арт-движении 1960-х. Но он не хвастается – Мекасу уже 87, и он просветленно стар. Тем не менее продолжает снимать; даже на открытии выставки в МСИИ он не расставался с камерой. Фильмы Мекаса – чистая импровизация, произвольно смонтированные сырые куски жизни. Он собирает мгновения; фиксирует все значительное или смешное, слова и действия друзей. В результате зритель погружается в то самое «запечатленное время», о котором Андрей Тарковский писал, что оно есть суть кинематографа; ощущает его воздух, густоту, концентрированность.

Веря в то, что искусством могут быть любые проявления жизни, Йонас Мекас сравнивает такие исторические события, как разрушение здания Всемирного торгового центра 11 сентября и падение Берлинской стены, с художественными акциями – перформансом Нам Джун Пайка, в котором он разбивает фортепиано, и огненной скульптурой Даниуса Кестминаса «Последствие». Все это можно увидеть в представленной на выставке полиэкранной видеоинсталляции «Квартет деструкции».

Интересную попытку по-своему осмыслить историю делает и Джордж Мачюнас, чьих творческих следов на выставке особенно много. «Атлас истории России» Мачюнаса – это оригинальная версия истории государства Российского, представленная в лаконичных схемах и картах, а «История миграции искусства» – серия таблиц, рассказывающая о предметах искусства разных этнических регионов древней Евразии, об их сходствах и различиях.

Выставка показывает, как выглядит то самое «все что угодно», которое может стать искусством. Рассматривая экспонаты, испытываешь чувство, будто заглянул в ящик чужого письменного стола. Фотографии, старые концертные программки, разукрашенные фломастерами нотные листы, вырезки из комиксов, впечатления и умозаключения, торопливо записанные на клочках бумаги,– все это говорит о все том же извечном человеческом желании остановить время, о страхе, что оно безвозвратно пройдет, ничего от себя не оставив. «Единственное произведение, существующее вечно, – это смерть», – гласит лозунг Бена Вотье, одного из теоретиков «Флуксуса», чьи многочисленные противоречивые сентенции можно также прочитать на выставке (знаменитые «Искусство бесполезно», «Тотальная поэзия искусства», «Всегда ли новое ново?»). Как утверждал еще один участник движения Ларри Миллер, «Флуксус» создал искусство из ничего. И наоборот». И это, пожалуй, главное, что вообще следует знать о современном искусстве.

«Хинер Салеем. Под крышей Парижа»

Wed, 09 Jun 2010 13:18:00 +0400

15 июня в 19.00 в Галерее искусств Зураба Церетели в рамках проекта «Год Франции в России» открывается выставка «Хинер Салеем. Под крышей Парижа». Выставка организована при поддержке Российской академии художеств и Посольства Франции в России.

Хинер Салеем давно известен кинокритикам как автор фильмов, требующих серьезных рецензий. Его картины – постоянные участники и победители крупнейших кинофестивалей. В этом году французское посольство в РФ выбрало последний фильм Салеема «Под крышами Парижа» для показа в 27 городах России.

У московских зрителей будет возможность увидеть также живописные работы режиссера на выставке в залах Галереи. Экспозиция «Под крышей Парижа» составлена из произведений последних двадцати лет: от пастелей конца 1980-х годов до живописных работ последних месяцев.

16 июня 2010 года в 19.30. в залах выставки состоится просмотр фильма «Под крышами Парижа».

На открытии выставки и на просмотре фильма будут присутствовать сам режиссер и французская кинозвезда, исполнительница главной роли Милен Демонжо, которые представят фильм.

Начиная в Le Monde статью о фильме «Водка Лимон», один из французских критиков написал: «Если бы Марк Шагал снимал кино, он сделал бы этот фильм». Для режиссера Хинера Салеема это сравнение особенно ценно, потому что также серьезно, как режиссером, он ощущает себя художником. Уже сейчас ясно, что выставка станет одним из ярких культурных событий 2010 года.

Хинер Салеем (Hiner Saleem) – режиссер, сценарист, художник. Живет и работает в Париже. Обладатель главного приза Венецианского фестиваля (фильм «Водка-лимон», 2003), Гран-при фестиваля в Локарно, Швейцария («Под крышами Парижа, 2007), Гран-при фестиваля «Зеркало» им. Андрея Тарковского («Под крышами Парижа», 2008). Официальный участник конкурсной программы Каннского («Километр Зеро» 2005) и Берлинского фестивалей (DOL, 2007). Его книга «Ружье моего отца» переведена более чем на 30 языков мира.

Милен Демонжо (Mylene Demongeot) известна российскому зрителю прежде всего, как бесстрашная Элен, подруга героя Жана Марэ в трилогии о Фантомасе и как восхитительная Миледи в итало-французском фильме «Три Мушкетера». Ею сыграны прекрасные роли у всемирно известных режиссеров: Бертрана Блие, Витторио де Сика, Ральфа Томаса. Одной из самых ярких работ стал дуэт с Мишелем Пиколли в фильме Хинера Салеема «Под крышами Парижа». Несколько лет назад она написала свою первую книгу, посвященную истории жизни матери. Тогда еще никто не знал, что мать прекрасной Леди Винтер – русская. Сегодня на ее родине, в Харькове, организован кинофестиваль, который назван по книге Милен «Харьковская сирень». Актриса открывала его первые показы в мае 2009 года.

Уральская школа анимации: мастера и ученики

Fri, 04 Jun 2010 12:22:00 +0400

С 4 по 27 июня в Екатеринбургском музее изобразительных искусств будет представлена выставка «Уральская школа анимации: мастера и ученики».

В.Ольшванг, эскиз к фильму «Спокойной ночи малыши», 2000 (Реж.-пост. Ю.Норштейн), «Пилот», Москва

Уральская анимация – одно из самых ярких явлений новейшего рисованного кино – появилась благодаря удачному стечению обстоятельств. В 1982 году на Свердловскую киностудию пришли молодые и талантливые режиссеры и художники, выпускники отделения анимационного кино Высших курсов сценаристов и режиссеров в Москве, ученики Эдуарда Назарова, Юрия Норштейна, Федора Хитрука. Направленность свердловской мультипликации изменилась. Появились глубокие философские фильмы Владимира Петкевича; мягкие и лиричные ленты Алексея Караева; простые и наивные, основанные на народном искусстве, картины Оксаны Черкасовой; парадоксальные, сатирические работы Сергея Айнутдинова; выполненные в своеобразной, уникальной технике «ожившей живописи», призведения Александра Петрова. Фильмы свердловских аниматоров все чаще стали появляться на экранах крупнейших международных кинофестивалей. В кинематографических кругах заговорили о новой школе - Свердловской анимации.

На выставке, открывающейся в залах музея изобразительных искусств, прославленные мастера представят эскизы к своим анимационным фильмам разных лет. В экспозиции будут показаны и работы следующего поколения аниматоров, которые продолжили и прославили уральскую школу: эскизы А. Харитиди, получившего за фильм «Гагарин» «Золотую пальмовую ветвь» Каннского кинофестиваля, известные работы В. Ольшванга, З.Трофимовой, А. Золотухина.

Уральская школа анимации живет и развивается, известные мастера анимационного кино обучают молодых талантливых людей своему мастерству. На выставке можно будет увидеть лучшие студенческие проекты мультипликационных фильмов двух ведущих школ анимации Екатеринбурга: кафедры графики и анимации Уральской архитектурно – художественной академии и отделения «художник анимационного кино» Екатеринбургского художественного училища им. И. Д. Щадра.

Многие из выпускников этих школ уже стали профессионалами, они придумывают, рисуют и снимают фильмы, которые получают призы на российских и международных фестивалях, продолжая прославлять уральскую школу анимации. С работами Д. Геллера, М. Дворянкина, Т. Мусалямовой, Е. Лапшиной, Е. Лаврентьевой и других авторов также можно будет познакомиться на выставке.

В одном из залов экспозиции на плазменном экране в режиме нон-стоп зрители смогут увидеть лучшие мультипликационные фильмы трех поколений уральской школы анимации.

Выставка Йонаса Мекаса в Киеве

Fri, 04 Jun 2010 11:38:00 +0400

Посольства Америки и Литвы в Украине вместе с Центром визуальных искусств Йонаса Мекаса, Музеем современного изобразительного искусства в Киеве и Национальным союзом кинематографистов Украины объявляют об открытии 8 июня выставки: «Из Нью-Йорка с любовью: Йонас Мекас, «Флуксус» и американский киноавангард».

Йонас Мекас

Эта выставка освещает историю американского киноавангардистского движения, рассказывает о его самых выдающихся представителях и представляет самые разнообразные его образцы, в частности 16-миллиметровые ленты, искусство движения «Флуксус», кинокадры, документы и видеоинсталляции.

Кроме этого, можно будет увидеть новую работу кинематографиста-новатора Йонаса Мекаса и произведения таких культовых деятелей движения «Флуксус» как Джордж Мацюнас, Йоко Оно, Джордж Брехт, Нам Джун Пайк, Бен Вотрие.

Легендарный кинематографист Йонас Мекас продолжает свою новаторскую деятельность – снимает фильмы и видеоинсталляции. Его произведения демонстрировались на Венецианских биеналле и в Центре «P.S.1» MоMA (Музея современного искусства) в Нью-Йорке.

На выставке будет показана мультиэкранная инсталляция Мекаса «Квартет деструкции» и незаконченная серия 16-миллиметровых фильмов «В Нью-Йорк с любовью».

В фильмах Мекаса можно увидеть его известных друзей и людей, с которыми он встречался в своей жизни, в частности Джона Леннона, Йоко Оно, Сальвадора Дали, Джорджа Мацюнаса, Энди Уорхола, Ричарда Серра, Нама Джуна Пайка и Аллена Гинсберга.

Также будет представлена лента «Zefiro Torna: сцены из жизни Джорджа Мацюнаса» (1992), которую Мекас посвятил своему давнему другу и коллеге, художнику направления «Флуксус».

Для показа были отобраны основные произведения из недавно приобретенной Центром коллекции «Флуксуса». Знак «No Smoking» (1963/1973), сделанный по идее Мацюнаса, его совместное произведение с Джорджем Брехтом, использованное компанией «Iced Dice» (1964), и работа Йоко Оно «Do It Yourself» (1966) демонстрируют остроумную природу движения «Флуксус» и способность его представителей творить художественные формы из повседневных объектов и действий.

8 июня в Музее современного изобразительного искусства Украины пройдет пресс-конференция Йонаса Мекаса, после которой состоится торжественное открытие выставки (вход по приглашениям или по аккредитации для СМИ).

Аккредитация на пресс-конференцию для СМИ обязательна: тел.: +38 050 517 00 77; + 38 066 44 99 254 или e-mail: officepressa@gmail.com

World Press Photo 2010

Wed, 02 Jun 2010 11:20:00 +0400

С 11 июня по 11 июля 2010 выставку World Press Photo можно будет увидеть на «Красном Октябре». В эту уникальную путешествующую выставку входит почти 200 работ победителей самого престижного в мире конкурса фотожурналистики World Press Photo, финал которого в 53-й раз прошел в феврале 2010 года в Амстердаме. Выставка отражает самые важные мировые события 2009 года.

Кричащие с крыш в Тегеране, июнь (Пьетро Мастурцо (Pietro Masturzo), Италия)

Каждый год международное независимое жюри, состоящее из профессиональных фотографов и фоторедакторов СМИ, оценивает работы претендентов в 10 различных категориях, представленные фотожурналистами, агентствами, газетами и журналами со всех уголков света. За две недели работы члены жюри отсмотрели рекордное количество фотографий – 101 960. В конкурсе приняло участие 5 847 фотографов, представляющих 128 национальности.

Лауреатом первой премии этого года – «Фотография года» – назван итальянский фотограф Пьетро Мастурцо (Pietro Masturzo). На фотографии запечатлена женщина, выкрикивающая протесты с крыши здания в Тегеране (фотография сделана 24 июня 2009). Победивший снимок – часть серии, освещающей беспорядки, начавшиеся в Иране после спорных президентских выборов. В последующие за выборами дни оппозиция протестовала на улицах, а ночью люди забирались на крыши и балконы и оттуда кричали о своем несогласии с результатами выборов. Целиком эта серия заняла 1-ое место в категории «Люди в новостях».

Председатель жюри Айпери Карабуда Эсер (Ayperi Karabuda Ecer) прокомментировала фотографию: «В этом кадре запечатлено, как что-то начинается – это начало большой истории. Фотография добавляет новости еще одну грань, раскрывает ее в новом ракурсе, этот снимок работает как на визуальном, так и на эмоциональном уровне, и он моментально нашел отклик в моем сердце».

«Один из сложных нюансов фотографирования конфликтных ситуаций заключается в том, что требуется одновременно запечатлеть некий коллективный образ и образ того, какое развитие принимают жизни множества людей, вовлеченных в этот конфликт... В этом снимке выражается следующий шаг вперед, это очень честная и успешная попытка еще больше обогатить наш «словарь» фотографической изобразительности», - объяснил свою позицию другой член жюри, Гай Тиллим (Guy Tillim).

Cреди победителей в этом году – звезды мировой фотографии Саймон Робертс (Simon Roberts), Питер Бялобжески (Peter Bialobrzeski), Юджин Ричардс (Eugene Richards) и JR. Питер Бялобжески и Пьетро Мастурцо прочтут публичные лекции в Москве в дни открытия выставки.

Война – это личное. США (Юджин Ричардс (Eugene Richards), США, Reportage by Getty Images для The Sunday Times Magazine/Paris Match)

Саймон Робертс – автор большого проекта о России и одноименной книги «Родина» (Motherland), а также путешествующей сейчас выставки «Мы – англичане» (We English), проекта созданного при активном участии английских граждан.

Бялобжески является одним из ведущих в Европе фотографов, работающих в направлении «социального пейзажа», профессор фотографии в Университете искусств Бремена, прежде выступавший членом жюри World Press Photo в 2007-м году.

Юджин Ричардс, за свою карьеру успевший побывать членом агентств Magnum и VII, автор культовых серий «Клуб ножа и пистолета: Сцены из неотложки» (The Knife and Gun Club: Scenes from an Emergency Room) о буднях врачей и пациентов скорой помощи, «Правда и грусть кокаина» (Cocaine True, Cocaine Blue) и «Ступая по пеплу» (Stepping through the Ashes).

Французский фотограф, выступающий под творческим псевдонимом JR, известен своими революционными проектами в сфере т.н. public art, художественных акций с использованием фотографий, сделанных в публичном пространстве и при участии граждан. Его самый нашумевший проект «28 мм: Женщины-герои» (28 millimeters: Women Are Heroes) был инсталлирован в трущобах Киберы, фавелах Рио-де-Жанейро, в столицах Либерии и Сьерра-Леоне, а самый первый проект «Портрет поколения» (Portrait of a Generation), созданный при поддержке актера Венсана Касселя, был показан на стенах домов гетто Парижа и его предместий.

Кровавая бойня в столице Мадагаскара, февраль (Вальтер Астрада (Walter Astrada), Аргентина, Agence France-Presse)

Жюри 2010 года

Работа жюри конкурса на две недели собрала вместе 19 фоторедакторов, фотографов и представителей новостных агентств со всего мира.

В 2010 году специализированное жюри отбирало работы в категориях «Спорт», «Природа» и «Портреты». Разделение на специализированные группы жюри было введено в этом году для того, чтобы более четко обозначить категории конкурса и еще выше поднять его стандарты. Богатый опыт, глубокое понимание своей тематики и разносторонние взгляды всех участников жюри позволили сделать процесс отбора максимально эффективным. После первого круга отбора работ в специализированных группах, один представитель от каждой группы переходил в общее жюри конкурса, что позволило соблюсти последовательность суждения.

После того, как все победители были определены, жюри решило удостоить Специального упоминания стоп-кадр, «вырезанный» из короткого видео, опубликованного на YouTube в июне 2009-го, когда шли поствыборные беспорядки в Иране. Этот кадр запечатлел лицо лежащей на земле молодой женщины, застреленной в ходе беспорядков (позже в покойной признают 24-летнюю Неду Агха-Солтан).

Член жюри Дэвид Гриффин (David Griffin) из National Geographic так прокомментировал выбор жюри: «Я доволен, что конкурс World Press Photo предоставляет возможность непрофессиональным снимкам серьезно влиять на визуальную историческую летопись». Специального упоминания могут удостоиться снимки, сделанные непрофессиональными фотографами, и при этом сыгравшие важную роль в новостях по всему миру.

В этом году победителями в 10 номинациях признаны 62 фотографа из 22 стран: Аргентины, Австралии, Бразилии, Канады, Чили, Китая, Эквадора, Франции, Германии, Венгрии, Ирландии, Израиля, Италии, Мали, Мексики, Нидерландов, Палестины, Перу, Сомали, Швеции, Великобритании и США.

Фонд World Press Photo действует с 1955 года, существует под покровительством принца Королевства Нидерландов и предоставляет уникальную площадку для независимой фотожурналистики и свободного обмена информацией. World Press Photo во многом определяет современную ситуацию на рынке фотографии в СМИ, а также на новых, нетрадиционных для фотожурналистики рынках – среди гуманитарных организаций, для рекламы, корпораций и книжных издательств. Международный успех выставочной программы World Press Photo иллюстрирует коммуникативные возможности фотографии, независимо от политических и культурных барьеров. Выставка World Press Photo в этом году будет показана в 100 городах по всему миру – от Голландии до Японии.

Фонд «Объективная реальность» уже четвертый год подряд привозит выставку лауреатов World Press Photo в Россию, сделав это событие ежегодной традицией.

О Фонде «Объективная реальность»

Фонд «Объективная реальность» — российская некоммерческая организация, работающая в сфере развития визуальной коммуникации и поддержки фотографического сообщества с 2001 года. Основная цель Фонда — формирование максимально широкой географической, социальной и профессиональной среды для общественно значимой фотографии и новых медиа. Фонд осуществляет документальные, выставочные и образовательные проекты в России и за рубежом.

12 июня 2010 года в рамках выставки в Москве пройдут лекции победителей конкурса WPP.

Тонино Гуэрра подарит москвичам «Радугу»

Thu, 27 May 2010 16:55:00 +0400

Знаменитый итальянский сценарист, драматург и художник Тонино Гуэрра подарит москвичам «Радугу». Именно такое яркое и летнее название получила экспозиция его работ, которая открывается сегодня в галерее «Дом Нащокина».

Тонино Гуэрра

Выставку, которая посвящена 90-летию Гуэрры, откроет сам мастер. На ней можно увидеть 25 живописных полотен, керамику, знаменитые печи, изразцы которых изготовлены Тонино, необыкновенную мебель, расписанную его кистью, наполненные искрометным юмором рисунки, в том числе нашумевшую «Камасутру». На выставке будут представлены также биографические, фото- и киноматериалы.

Рисовать Гуэрра начал практически с рождения и уже мальчишкой стал зарабатывать этим на хлеб. Однако в связи с работой над сценариями к фильмам он на долгое время забросил живопись. Вновь обратиться к изобразительному искусству его «вынудили» поездки в Россию. Во время визитов на родину жены Лоры он не мог принимать участия в беседах из-за незнания русского языка. Чтобы как-то занять себя, мастер вновь начал рисовать. С тех пор уже более тридцати лет Гуэрра не расстается с кистью и красками.

Иллюстрация из книги Тонино Гуэрры «Мед»

Фантазия Тонино не ограничивается картинами и рисунками. Он делает мозаики и керамические изделия, скатерти и подушки, по его эскизам выполнены предметы мебели. Многие площади, фонтаны, сады и скульптуры, украшающие улицы современной Италии, созданы по проектам мастера.

Живописные произведения Гуэрры часто называют «цветными мыслями поэта». Стоит отметить, что сам мастер не считает себя художником. «Радугу Тонино Гуэрры» можно увидеть до 27 июня.

Модели фотографа Гринберга

Fri, 14 May 2010 12:16:00 +0400

Союз фотохудожников и галерея «ФотоСоюз» представляют выставку одного из самых значительных авторов в истории русской фотографии первой половины ХХ века Александра Гринберга. В экспозиции представлены женские портреты и обнаженная натура, снятые в 20-30-е годы (современная ручная печать с авторских негативов). Выставка приурочена к Ночи музеев и откроется 15 мая в 18 часов.

Вакханалия. Царицыно, Фигурный мост, 1923

Среди русских фотохудожников 20-го века Александр Данилович Гринберг (1885-1979) занимает одно из самых почетных мест. Родившись в конце 19-го века и прожив 94 года, он стал свидетелем и участником революционных событий, гражданской войны, двух мировых войн, сталинских репрессий, идеологических гонений и многого другого, пережитого Россией за это время.

И, может быть, самое удивительное в том, что ни один из этих исторических катаклизмов не отразился на его творчестве. Снимая портреты, пейзажи, этюды, он всегда оставался фотохудожником.

Гринберг в совершенстве овладел техникой благородной печати, позволявшей передавать в портретах оттенки настроения, в пейзажах - мимолетные впечатления от натуры. Современников его работы поражали виртуозностью исполнения. Живописная манера помогала опоэтизировать натуру, пробуждала мечты о прекрасном мире, в который обращала обыденную реальность, а орнаментальность и декоративность заключали фотографические образы в раму Искусства.

Молодой Гринберг стал активным сторонником и пропагандистом масляной обработки отпечатков (бромойль, гуммиарабик, резинотипия). На развитие его творческих принципов повлияла близость к практике кино и работа кинооператором на известных киностудиях.

К середине 30-х годов Гринберг отходит от бромойлей и приходит к выводу: творческое начало может выражать себя и и без сложной обработки снимка. Он формулирует идею «чистой фотографии» (термин принадлежит ему) и вводит понятие в обиход. Идея эта созревала еще раньше, в пору работы над фотографическим воплощением «искусства движения». Перед ним стояла задача - с помощью фотографии создать транскрипцию движения в танце. Интерес к этой проблеме был связан с приездом в СССР знаменитой американской танцовщицы Айседоры Дункан с ее школой свободного танца. Работы фотохудожника демонстрировались на выставках «Искусство движения», всего их было четыре.

Античный мотив. Царицыно, павильон «Восьмигранник», 1920-е годы

Итоги двадцатилетней работы мастера были представлены на знаменитой выставке «Советская фотография за 10 лет» - 51 снимок. Авторитет Александра Гринберга был в то время очень высок - он вместе с известнейшими деятелями искусства входил в жюри выставки. Когда в 1929 году начался разгром старой фотографической школы, в списке тех, чьи произведения получили ярлыки «упадочные», стояло и имя Гринберга. Вывод, естественно, был сделан: эротизм, который питается истоками богатого, пресыщенного безделья, советскому искусству не к лицу. И все-таки Гринберг рискнул еще раз выставить этюды обнаженного тела на выставке 1935 года, на обсуждении которой смельчаки призывали учиться у мастера культуре фотографии. В сущности, за фотографическую культуру он и был арестован (хотя ему инкриминировали распространение порнографии) и осужден Особым совещанием НКВД СССР.

В 1939 году был досрочно освобожден за ударный труд на стройках БАМлага. Работал фотографом в музее бывшей Троице-Сергиевой лавры, преподавал на курсах жен фоторепортеров, в кружке Дворца культуры автозавода имени Сталина, все это время продолжая снимать. (Из статьи Валерия Стигнеева «Гринберг», журнал «Камера обскура», 1997, № 2)

По материалам официального сайта Союза фотохудожников России

Центр Помпиду раздвоился

Thu, 13 May 2010 11:36:00 +0400

Президент Франции Никола Саркози открыл в Меце, столице Лотарингии, филиал парижского Центра Помпиду. Centre Pompidou — Metz стоимостью в €86 млн обещает превратить город в «Бильбао Севера».

Идея клонировать Центр Помпиду в Меце, городе на северо-востоке Франции, знаменитом главным образом готическим собором Сент-Этьен с витражами Марка Шагала, возникла лет десять назад. Национальный центр искусства и культуры, ставший итогом культурной политики президента Жоржа Помпиду и носящий его имя, открылся в 1977 году в Париже — выстроенное для него хайтековское здание Ренцо Пьяно и Ричарда Роджерса само по себе было манифестом модернизации. Но как бы ни опережала свое время эта футуристическая фабрика, а поспеть за ростом коллекции Национального музея современного искусства, количественным и качественным, она все же не смогла. Сейчас в парижском Центре Помпиду около 65 тыс. произведений искусства, выставлено же чуть более тысячи, а многие крупноформатные инсталляции и объекты вообще не могут поместиться в залах.

Конечно, экспансия Центра Помпиду в Мец была вызвана не одной лишь нехваткой жизненного пространства — инициаторы проекта явно рассчитывали на «эффект Бильбао», когда филиал Гуггенхайма работы Фрэнка Гери превратил захолустный город Страны Басков в мировой туристический центр. И архитектурный конкурс, проведенный в 2003 году, предполагал, что здание музейной колонии окажется шедевром, не уступающими зданию метрополии. Теперь можно сказать, что в Меце появилась вторая — после собора Сент-Этьен — архитектурная достопримечательность мирового значения.

Японец Сигеру Бан, победивший в конкурсе тандемом с французом Жаном де Гастином, выстроил огромный музей с одной лишь экспозиционной площадью 5 тыс. кв. м, который тем не менее производит впечатление абсолютной невесомости. Что, впрочем, неудивительно, ведь Сигеру Бан — единственный в мире бумажный архитектор в прямом смысле слова: вот уже четверть века он использует в строительстве легкие и мобильные конструкции из картонных труб. На сей раз он накрыл почти прозрачную, готовую слиться с окружающим парком постройку гигантской китайской шляпой с кружевом деревянных стропил, под волнистыми полями которой, как и в Париже, нашлось место не только для визуального искусства, но и для кино, музыки и современного танца, а также ресторана, кафе и магазинов художественного профиля.

Филиал в Меце не имеет собственной коллекции — здесь будут показывать сменяемые примерно раз в полгода экспозиции из фондов парижского музея. Вот и инаугурационная выставка с хулиганским названием «Шедевры?» предлагает зрителям выборку в семь сотен извлеченных из запасников работ, в том числе Пикассо, Матисса, Шагала, Миро, Кандинского, Джакометти, Поллока, Дюбюффе. Эти полезные ископаемые из недр головного Центра Помпиду могут стать спасением для постиндустриального города, столицы железорудной и угольной Лотарингии: ожидается, что новый музей в регионе, граничащем с Бельгией, Люксембургом, Германией и Швейцарией, будет привлекать до 400 тыс. посетителей ежегодно. Создание Centre Pompidou — Metz вполне отвечает новой политике децентрализации культурных институций Франции: в 2012 году Лувр откроет филиал в Лансе.

«Пространство кино»

Tue, 11 May 2010 11:29:00 +0400

ВТОО «Союз художников России» и Всероссийский государственный институт кинематографии им. С. А. Герасимова представляют выставку «Пространство кино». Выставка доступна 12-26 мая в выставочном зале Союза художников России.

В. Кожин. Эскиз к «Алисе в Стране чудес»

Всероссийский государственный институт киниматографии им. С.А. Герасимова (ВГИК) – старейший вуз в России, готовящий художников кино. Художественный факультет в институте был основан Ф. С. Богородским в 1938 году. С тех пор там ведется обучение по трем основным специальностям: «художник-постановщик», «художник анимационного фильма» и «художник по костюмам». За более чем семьдесят лет факультет воспитал множество блестящих мастеров – художников кино, ТВ, театра и книги, таких как А. Борисов, М. Богданов, С. Алимов, Н. Дзюбенко, М. Курилко-Рюмин, М. Ромадин, Н. Двигубский, А. Петров, В. Левенталь, И. Макаревич, М. Абакумов, Б. Бланк, Ф. Ярбусова, С. Соколов, Л. Платов и др.

Настоящая выставка представляет дипломные и курсовые работы студентов художественного факультета ВГИК за последние 15 лет. Мастерская художников постановщиков фильмов представит работы «Лето Господне» И. Плевиновой, «Чевенгур» Т. Быковой и ряд других эскизов к декорациям. В разное время в мастерской преподавали и продолжают преподавать такие известные кинохудожники, как профессор В. Юшин, профессор А. Борисов, профессор В. Петров, профессор В. Кислых и др. Мастерская художников анимационного фильма под руководством профессора С. Алимова и профессора С. Соколова покажет зрителям эскизы к мультфильмам, среди которых такие запоминающиеся работы, как «Алиса в Стране Чудес» В. Кожина, «Дверь в стене» Е. Милорадова, «Альтист Данилов» Д. Размахова и др. Мастерская художников по костюму (руководители – профессор Л. Нови и профессор О. Кручинина) будет представлена лучшими эскизами и разработками, а также макетами костюмов. Это серии к «Сто лет одиночества» А. Тереховой, «Мертвые души» М. Ананьевой, Л. Конниковой «Дон Кихот» и др.

Всего на выставке будет представлено более 100 работ, демонстрирующих широкий спектр поисков молодых художников. Экспозиция лишний раз подчеркивает, что эскизы декораций и костюмов – это не просто подготовительный и подсобный материал, но и самостоятельные произведения изобразительного искусства.

Выставка открывает зрителям уникальную возможность познакомиться с деятельностью художественного факультета ВГИКа, где уже много лет академические образовательные практики успешно сочетаются с новационными знаниями и технологиями, а традиции русской классической школы уживаются с современными взглядами на искусство и работу художника.

«Новый ритуал в Новой Третьяковке»

Fri, 07 May 2010 16:40:00 +0400

15 мая в в рамках Ночи музеев в здании Третьяковской галереи на Крымском валу будет представлен проект «Новый ритуал в новой Третьяковке», «посвященный исчезающему телу галереи».

Медиаинсталляция «Поющий мертвец»

New ritual art – направление, возникшее в российском андеграунде 90-х как намерение прикоснуться к тайным, имперсональным вибрациям бытия, противопоставить созерцание Иного отрицанию Чужого. Вне зависимости от источника вдохновения – будь то буддийский канон, христианский апокриф или футуристический манифест – new ritual art притягивал и притягивает художников, для которых арт-практика – инициация, перформанс – погружение, арт-объект – канал.

Подлинный ритуал беспричинен, он не является ни инструментом манипуляции, ни объектом дешифровки. Последнее чрезвычайно важно: мы научились распознавать структуру привычки и шоу, но мало кто из нас может (и хочет) использовать ритуал по прямому назначению. А между тем он был и остается мощным рычагом познания, финальные стадии которого именуются по-разному: просветление, откровение, самадхи...

Принято считать, что западной манифестацией истинного ритуала служит апокалипсическая фрустрация, избавляющая человека от диктата времени и пространства, коллективного архетипа и собственного Я. Восток же фокусирует внимание на абсолютной невозмутимости экстатического созерцания Абсолютa, существующего «помимобытия». Оба состояния образуют ритуальную драму, алхимическую реакцию столкновения жизни и смерти в непроницаемом и непостижимом фантастическом поле Иного. Последнее Гейдар Джемаль сравнивал с газом, проникающим везде и не вступающим во взаимодействие ни с чем, с пеплом, присутствующим во всех несожженных вещах, с ветром, дующим перпендикулярно жизни и не поднимающим волн («Ориентация – Север»).

Медиаперформанс «Точка погружения»

Художники new ritual art чувствуют нечто вроде долга, послушания, обязательства перед собственным личным мифом – всякий раз создавать «проективное ритуальное пространство», заключающее в себя художника как «универсальный ритуальный объект» (Святослав Пономарев). «Сильная концепция притягивает к себе все, что нужно... Убери сакральность - и не на что смотреть... Концепция предполагает абсолютно любые, но совершенно необходимые средства» (Ираида Юсупова). «На языке бриттов это означает примерно следующее: «встреча с неким нежданным, но с тем, что я подсознательно давно хотел» (Вилли Мельников). «Ну вот, ноты вроде другие написал, а музыка та же самая получилась» (Владимир Николаев).

Новый ритуал пользуется всем, что лежит под ногами, перетирая в прах археологические слои культур. Но в пародии и трэше сквозит не столько ирония или ностальгия по утопии, сколько тщета любого воплощения как утраты Иного и сильное желание Иное уловить. В этом смысле ритуал не содержит так называемого «месседжа», опрокидывая привычные для ума понятия эксперимента, творчества, искусства. Ритуалу нечего изобретать - он обретает, нечего творить - он рождает, нечего цитировать - он проникает и вовлекает, передавая из рук в руки традицию героического Намерения. Ритуалисты именно практикуют искусство как образ жизни, вид дыхания. Отсюда – излюбленный жанр перформанса, который лишь с виду кажется монологом интраверта.

И действительно: «идейный», ищущий идентификаторов собеседник тут бесполезен и даже враждебен, а по-настоящему необходим тот, кто имеет мужество заглянуть вслед за художником в темную бездну Хаоса и, сделав надчеловеческое усилие, обрести гармонию в неопределенности чистой энергии. Нередко бывает, что приходит зритель один, а уходит он совершенно другим. Это и есть критерий истины: абсолютная герметичность ритуала чревата ядерным взрывом ассоциаций и символов. И чем дальше отстранение, тем сильнее воздействие.

Мощный иммуномодулятор, ритуал оказывает целительное воздействие на тело и дух участников в момент исчезновения границ, их разделяющих.

Международный фестиваль нового ритуального искусства PANDUS обживает исчезающие памятники архитектуры, выбирая для перформансов самые иннервированные их части.

Медиаперформанс «Песни под баян»

«Новый ритуал в Новой Третьяковке» – один из самых интересных проектов: переполненный отверстиями, пронизанный светом индустриальный функционал 60-х, называемый в народе «металлической» аббревиатурой ЦДХ, – наследник конструктивистской «горизонтали» начала ХХ. Это музейное хранилище произведений искусства разрешает художникам делать с собой абсолютно все, и уже в силу одних архитектурных особенностей противостоит как этимологии «здания», так и недавней угрозе «сноса». Угроза только актуализировала проблему использования архитектурного объема, который до сих пор до конца не освоен.

Проект «Новый ритуал в Новой Третьяковке» посвящен активным точкам здания - входам и выходам, лестничным пролетам и впадинам залов как символическим проводникам энергии, освобождающей мозг «пациента» от хитина жизни и страха смерти.

В арт-терапевтической концепции «Ночи музеев-2010» ГТГ опыт new ritual art сопоставим с сеансами первобытной магии, китайской чжень-цзю или пульсовой диагностикой, гиппократовым «наблюдением» или инициационным сном.

Близость Москвы-реки к проективному ритуальному пространству художники считают не менее важным, чем свой прежний опыт участия в выставочных проектах Новой Третьяковки и пополнения ее фондов. «Новый ритуал в Новой Третьяковке» – единственный проект, целиком посвященный зданию как единому мыслящему телу, объединяющему в себе врачевателя и пациента, жреца и жертву, художника и зрителя.

Медиаперформанс «Новая Аэлита»

Проект состоит из двух частей:

«Поющий мертвец». Медиаинсталляция. Фойе 1 этажа. 17.00

Святослав Пономарев при участии А. Генкиной (съемка), А. Долгина (монтаж)

Святослав Пономарев – один из тех, кто еще в начале 90-х годов прошлого столетия инициировал и определил в отечественном contemporary art направление new ritual. С тех пор он понимает искусство как создание «проективного ритуального пространства», включающего в себя «звук, перекрывающий изображение», образ, распадающийся до элементов, архитектуру как исчезающий контекст. В фокусе внимания художника был и остается он сам, его личный миф, впитавший тибетскую традицию бон-по, телесная оболочка, дыхание, жест, голос, инструменты, слух. Свое кредо «Я как универсальный ритуальный объект» Пономарев воплощает в многочисленных перформансах, неотделимых от жизни как арт-практики. Благодаря деятельному созерцанию артисту удается срастить вполне материальный опыт фотографа и музыканта с мистериальной философией Гейдара Джемаля и Тибетской «Бордо Тхедол», аутентичную буддийскую практику с индустриальным «авангардом».

«Поющий мертвец» – новый для зрителя и постоянный для автора опыт драматического – до элементарных оснований – самоисследования, в результате которого с личности буквально отшелушиваются культурно-психологические наслоения, обнажая «скрытый центр совершенной пассивности внутри самого существа» (Джемаль). Поэтому образ не исчезает, не гибнет, а как бы зависает на пороге между Ужасом и Экстазом. Функцию оживления «внутреннего мертвеца» выполняет голос, точнее, вибрирующий обертонный хор, властно уводящих зрителя и самого художника за пределы надежд и претензий человеческого бытия.

В терапевтической концепции «Ночи музеев» ГТГ инсталляция «Поющий мертвец» не столько «отпевает» искусство с помощью скандально-очевидного для «санаторных» стен ГТГ образа, сколько, вслед за Джемалем, указывает на искусство как на единственный источник бессознательного беспокойства, способного вывести наше существо из косной, самодостаточной реальности. «Поющий мертвец» возвращает нас к «опыту потерянности как единственному ориентиру» и является материализованной Джемалевой метафорой бесстрашного путешествия «с закрытыми глазами» – туда, где тьма сияет отсутствием света. Иначе не покажешь, ведь темнота, по замечанию Джемаля, не отражается в зеркале, хотя и является живым и мощным визуальным опытом.

Медиаперформанс «Мистерия-галерия»

«Внутреннее дыхание». Медиаперформансы. Конференц-зал. 20.00-24.00

В программе представлен опыт арт-практики известных и совсем еще молодых московских мистериографов, каждый из которых открывает свой путь созерцания Иного. Это может быть как непосредственный аутентичный опыт тувинской языческой традиции или тибетской добуддийской практики, так и осмысление опыта российского авангарда в ретрофутуристическом ключе. Техники обертонного пения соседствуют здесь с импровизацией на электрогитаре и терменвоксе, а магия личного воздействия – с возможностями цифрового ди-джеинга. Принцип new ritual art в данном случае можно определить как полиглоссию, задавшуюся целью в каждом рту нащупать младенческое, идиоматическое нёбо и поговорить со зрителем и слушателем на неочищенном, но рафинированном языке Первоисточника.

Программа:

«Точка погружения». Медиаперформанс Святослава Пономарева, Ираиды Юсуповой, Веры Сажиной и группы Pententacles – совмещение далеких традиций – тибетского бон-по и европейского нойза, тувинского язычества и академического авангарда.
«Песни под баян». Вера Сажина. Монолог одного-единственного голоса, пребывающего в состоянии «абсолютной свободы от наваждения форм».
«Роза ветров». Медиапроект Ираиды Юсуповой. При участии Вилли Мельникова (поэзо-лингво-дайвинг), Ланы и Яны Аксеновых (терменвокс, видеоарт). До ритуалистов никто не мог представить себе терменвокс иначе как ироничный и саркастичный инструмент для озвучивания инфернальных «ужастиков». Никто не созерцал взмахи рук как космическую каллиграфию, и уж точно никто не вызывал к жизни с помощью электронного компаса поэзию живых и мертвых народов Земли.
«Новая Аэлита». Медиаопера-караоке Ираиды Юсуповой и Александра Долгина сделанная на материале легендарного фильма Якова Протазанова – эксперимент в духе ретро-футуризма. Помимо живой музыкальной импровизации (Л. и Я. Аксеновы) роли главных героев разыграют С. Пономарев, В. Мельников, К. Косенков.
«Мистерия-галерия». Визуально-акустическая интерактивная мистерия Ланы и Яны Аксеновых (LaJans project) совершит импринтинг образа исчезающего тела Новой Третьяковки и ее узнаваемых экспонатов в визуальную память зрителя.
Герман Виноградов («Бикапо») представит свой новый альбом «Окна Небесного Леса», Наталья Виноградова – видеоперформанс «Погружение в азбуку», а все семейство Виноградовых, включая маленькую Даду, – «Град Китеж».

«Вторжение». «Кино» Питера Линдберга

Fri, 07 May 2010 13:15:00 +0400

В рамках Восьмого Международного месяца фотографии в Москве «Фотобиеннале 2010» до 27 июня в ЦВЗ «Манеж» проходит выставка Питера Линдберга (Peter Lindbergh) «Вторжение». «Кино».

Питер Линдберг «Пенелопа Круз, Винсент Перес» (2003)

Питер Линдберг – один из самых популярных фотографов мира моды. Сотрудничал с итальянским изданием Vogu», с его английским, французским, немецким и американским изданиями, затем работал с Marie Claire, New Yorker, Vanity Fair, Allure, Rolling Stone, Harper’s Bazaar. Снимает для марок Giorgio Armani, Jil Sander, Prada, Donna Karan и Calvin Klein. Создает портреты Катрин Денев, Мика Джаггера, Шарлотты Ремплинг, Настасьи Кински, Тины Тернер, Джона Траволты, Мадонны, Шерон Стоун, Джона Малковича.

Получив образование в художественной школе в Берлине, Питер Линдберг совершенно случайно стал ассистентом фотографа: «Я узнал, что кому-то нужен ассистент, но с таким же успехом мог бы пойти в пекари, или продавать цветы», — сказал он как-то в одном из своих интервью. Позже, снимая рекламные кампании, также случайно попал в модную съемку: его снимки «заметили» и решили, что это отнюдь не реклама, и тогда вышла первая съемка Линдберга на 14 страницах для журнала Stern в 1978 году. Линдберг поражал своим воображением и нескончаемостью потока историй, которые он писал в своих съемках. Он был первым, для кого перекрыли движение на Times Square — это была съемка для Harper's Bazaar в 1993 году.

Питер Линдберг «Хелена Кристенсен и инопланетянин» (1990)

Сейчас Линдберг считается гуру модной фотографии, в особенности черно-белой. Его работы принесли в фэшн-съемку искренность, что на выставке заметно в первой ее части: «Кино» запечатлевает знакомых по таблоидам величин современного кинематографа в естественной обстановке, вне сценического образа. Вторая часть – «Вторжение» — это снимки из серий разных годов, снятых для итальянского Vogue. Всех их объединяет одна из безумных историй Линдберга – вторжения инопланетян. Здесь же и культовый снимок с Хеленой Кристенсен (Helena Christensen), занявший почетное место в истории фотографии.

«Питер Линдберг начал работать в Париже примерно в то же время, что и Паоло Роверси, иногда сотрудничая с теми же самыми журналами. И все же его творчество стало развиваться в совершенно ином направлении: эффектные черно-белые фотографии, богатые контрастами, отражающие, как он сам говорит, его «меланхолическое немецкое экспрессионистское начало». Драматизм его фотографических серий – результат увлечения кинематографом: его работы преисполнены аллюзий на творчество многих режиссеров, от Фрица Ланга до Джима Джармуша, одновременно отражая его преклонение перед такими разными фотографами как Лартиг или Блуменфельд». Мартин Харрисон

По материалам Thespot.ru и официального сайта Московского дома фотографии

«Место памяти» в ГЦСИ

Thu, 06 May 2010 16:34:00 +0400

9-16 мая в Государственном центре современного искусства (ГЦСИ) пройдет выставка Йохена Герца (Jochen Gerz) (Германия) и Юрия Лейдермана «Место памяти» / Orte der Erinnerung. Открытие выставки состоится 8 мая в 19.00.

Выставка представляет произведения двух художников, в искусстве которых по-разному осмысляется тема Второй мировой войны. В основе проекта – столкновение различных подходов к проблеме коллективной и личной памяти, к осмыслению истории и современности.

В рамках выставки будет показана видеоинсталляция Йохена Герца Die kleine Zeit / «Маленькое время», а также документальный фильм о творчестве художника YOUR.ART (автор Хайнц-Петер Шверфель). Зрители смогут ознакомиться с основными проектами Герца, реализованными в разные годы в городах Германии и других стран Европы.

Йохeн Герц, родившийся в 1940 году, – один из самых известных людей искусства в современной Германии и во всем мире. С 70-х годов ХХ века художник снова и снова будоражит Европу своими инсталляциями – смелыми, даже вызывающими, каждый раз непредсказуемыми и поистине сенсационными. Работы Герца апеллируют к публике и затрагивают серьезные вопросы истории и современности.

К наиболее известным работам Герца относится антирасистский памятник в Саарбрюккене под названием «2146 камней». В рамках проекта камни дворцовой площади города претерпели незаметное, но значимое изменение – они были извлечены из мостовой, с обратной стороны на них были высечены названия всех еврейских кладбищ, разрушенных во времена Третьего Рейха. После этого камни были возвращены на место, так что надписи остались невидимыми для посетителей. Площадь же переименовали в «Площадь невидимого монумента». Об этом и многих других проектах Йохена Герца расскажет доктор искусствоведения Хайнц Шютц (Германия).

Инсталляция Юрия Лейдермана «Отец Анны Франк и грибы расширения сознания» (Геопоэтика-2), являющаяся частью его масштабного «проекта в развитии» «Геопоэтика», имеет интерактивный характер и предполагает активное участие зрителей. Выставочный зал оформляется как небольшой кинопавильон, стены которого оклеены копиями мемориальных фотографий семейства Франк. В центре «павильона» - съемочный реквизит: восточные халаты, деревянные грибы, транспаранты. На открытии выставки состоится киносъемка инсценированной демонстрации, к участию в которой приглашаются зрители.

В рамках выставки:

12 мая, среда, 19.00
Лекция Хайнца Шютца «Работа памяти, искусство в общественном пространстве и роль публики / Йохен Герц и public art в Германии»
ГЦСИ, малый зал
Вход свободный

12 -13 мая, среда - четверг, 17.00 - 19.00
Перформанс «Геопоэтика-2. Отец Анны Франк и грибы расширения сознания»
Киносъемка инсценированной демонстрации в экспозиции Юрия Лейдермана
Режиссер: Андрей Сильвестров. Оператор: Александр Тананов
ГЦСИ, выставочный зал
Вход свободный

«Большие глаза войны»

Fri, 23 Apr 2010 14:09:00 +0400

Выставка «Большие глаза войны» посвящена 65-летию Победы. В залах «Галереи на Солянке» развернется экспозиция работ знаменитого мультипликатора Юрия Норштейна, автора «Сказки сказок».

Юрий Норштейн, Игорь Скидан-Босин «Волчок на ладони»

О войне сейчас мало кто может рассказать правду. Но память о тех годах хранят дети войны. Они - художники и режиссеры, писатели и артисты. Благодаря их работам мы можем узнать историю, ощутить боль потерь и радость победы.

«В 1980 году на экран кинотеатра «Россия» каким-то немыслимым образом был выпущен наглухо запрещенный фильм «Сказка сказок» (реж. Юрий Норштейн, соавтор сценария Людмила Петрушевская). «Сказку сказок» называют именно «фильмом», несмотря на то, что по жанру это чистая анимация. Однако значительность и масштаб этого произведения сложно недооценить. Международная федерация киноведов и кинокритиков FIPRESCI присвоила «Сказке сказок» уникальный статус «лучшего анимационного фильма всех времен и народов». Главный герой «Сказки», Волчок, нарисованный Норштейном и Франческой Ярбусовой, стал негласным символом памяти о войне - тем самым, о котором не стоит громко кричать или слагать гимны, тем самым, который тихо живет в сознании всякого человека, хоть однажды увидевшего «Сказку сказок» и осознавшего величие этой памяти, звучащей негромко, но торжественно.

Норштейн и соавтор сценария «Сказки сказок», писатель Людмила Петрушевская - настоящие дети войны и одни из самых выдающихся деятелей культуры своего поколения. Петрушевская в войну была маленькой беспризорницей, какое-то время даже жила на улице и пела песни, прося милостыню, это подробно описано в ее автобиографии «Маленькая девочка из «Метрополя». Норштейн хорошо помнит это военное танго - когда женщины танцевали с женщинами, потому что мужчины так никогда и не вернулись с войны - именно эта сцена «Сказки сказок», с треугольниками-похоронками, летящими сквозь свет фонарей, и танцующими женщинами, у которых война отбирает мужчин, - «Утомленное солнце» здесь танго слез, танго прощания, танго одиночества.

Выставка к 65-летию Великой Победы и юбилею премьеры «Сказки сказок», возможно, скажет о войне больше чем иные документы и живые свидетельства. Переданная языком гениальной живописи Юрия Норштейна-Франчески Ярбусовой, выдающихся текстов Людмилы Петрушевской, а также песен, слов и обрывков памяти этих детей Великой Отечественной, война предстанет той самой настоящей правдой и ее неизъяснимо трагической поэзией, которые часто остаются за кадром торжественных речей и церемоний. Эта выставка оживит тихие закоулки памяти в сознании тех, кто войну видел (и даже для тех немногих живых, кто в ней победил), и передаст ее горе и гордость тем, кто только слышал и, может быть, не догадывается».

Зрители смогут увидеть 50 фотографий военных лет из собрания Юрия Норштейна, винтажную одежду из коллекции Александра Петлюры, настоящий marché au puces: обитатели Тишинки, Садовода, станции «Марк» и других барахолок в одном из галерейных залов со своим нехитрым скарбом образца 40-х годов XX века.

Хронограф Такеши Китано

Thu, 22 Apr 2010 10:43:00 +0400

«Я хотел, чтобы публике было весело так же, как мне, когда я создавал свои работы. Этой экспозицией я хочу показать другое «искусство», менее пафосное и доступное для всех»,— говорит японский актер и режиссер Такеши Китано про свою первую выставку картин, видео и объектов в парижском фонде современного искусства Cartier.

Такеши Китано

Для стеклянных стен этого почти прозрачного здания Китано не первый режиссер, выступающий в роли художника. Несколькими годами раньше фонд сделал ретроспективу Дэвида Линча, которая до сих пор путешествует по миру и даже успела побывать в Москве. Но если о художественных экспериментах Линча было известно давно, то Китано до последнего держал свое хобби подальше от публики, каждый раз отвечая отказом на предложения о выставке. Заманить режиссера в музейное пространство удалось лишь директору фонда Cartier Эрве Шандесу.

Два выставочных этажа и территорию сада Такеши Китано превратил в забавный аттракцион, который виден даже с противоположной стороны бульвара Распай, неожиданностей и доброй иронии. Неудивительно, что дети здесь визжат от радости, сражаясь с родителями за пистолет с красками, чтобы из него «расстрелять» очередного картонного динозавра. В мир детства отсылает и название выставки «Сын художника» (Gosse de peintre) — так дразнили в школе будущего режиссера, сына бедного маляра.

Посетителей встречает улыбчивый манекен, воспроизводящий Китано в полный рост, который держит в правой руке собственный мозг. Месседж очевиден: здесь собрано все, чем занята голова художника, но только думать над этим совсем не обязательно. Есть, однако, и трагический подтекст у этого автопортрета: после тяжелой аварии, в которую Китано попал в середине девяностых, врачи настаивали на мозговой операции. На восстановление потребовалось несколько лет. Тогда и были написаны первые картины.

Цветок каалы вместо головы у пингвина или подсолнух — у льва, два подсолнуха распустились в глазах у совы — причудливые животные-гибриды вошли в фильм «Фестиваль», который принес ему венецианского «Золотого льва» и мировую известность. На выставке картины дополнены вазами, которые точь-в-точь повторяют странных мутантов. Два зала отданы под видеопроекты. Часть из них — нарезка из собственных комедийных телепередач. Другой проект сделан по заказу фонда Cartier — это несколько скетчей, обыгрывающих стереотипы европейцев по отношению к Японии. Набор стандартный — самураи, гейшы, суши, кабуки и каллиграфия.

В мире художника Такеши Китано, как в детском воображении, возможно все. И идеальное сочетание юмора и фантазии находит воплощение в его фантастических объектах, которые заполнили весь второй этаж. Посреди зала взгромоздилась швейная машина Zinger, похожая на тяжеловесный конвейер, издающий устрашающие звуки и прикладывающий неимоверные усилия для выпуска ничтожной швейной строчки,— так Китано подсмеивается над пафосным и неповоротливым современным искусством. Один из объектов вынесен в сад, где размещена небольшая деревянная площадка с лестницей на дерево. На одной ветке — цветущей — в маленьком дупле живет добрый дух, на другой — засохшей — в банковской ячейке, окруженный стопками банкнот, сидит алчный толстяк. А внизу помещено тело человека, в котором сосуществуют два этих начала. Справедливость, разумеется, торжествует: добряк довольно комфортно живет в сердце, а его вечному сопернику достается лишь печень.

На создание некоторых работ Такеши Китано подтолкнуло его давнее увлечение точными науками. Так, инсталляция, названная математическим термином Probabilite du hasard, наглядно демонстрирует несоответствие масштабов времени в человеческой жизни и во вселенной. В вибрирующую сферу помещены разобранные на мельчайшие части часы, а хронограф отсчитывает время со дня его рождения — 18 января 1947 года. Циферблат у этих часов, разумеется, напоминает одну из самых знаменитых часовых моделей Cartier.

«Вероятность появления жизни на планете может сравниться с вероятностью того, что все части этих часов соберутся вместе», — утверждает Китано. Возможно, в один день эти часы и примут первоначальный вид. Но сегодня своей выставкой этот хмурый на вид, серьезный японец со шрамом на лице вывел другую теорию и играючи повернул ход своего хронографа вспять.

Выставка Novanta, посвященная Феллини и Гуэрре

Thu, 01 Apr 2010 19:49:00 +0400

5 апреля в «Зимнем музее марки:ff» на Винзаводе откроется выставка Novanta (итал. девяносто) - третий эпизод сезона видеоарта. Выставка приурочена к 90-летним юбилеям непревзойденного режиссера Федерико Феллини и Тонино Гуэрры, легендарного сценариста, поэта, писателя и художника, и посвящена совместному творчеству двух великих итальянцев. Автор проекта Novanta - Катя Бочавар: художник и архитектурный дизайнер выставочных пространств в России и за рубежом. Выставка продлится до 11 мая.

Классический итальянский кинорежиссер Федерико Феллини создал более двадцати картин и вошел в историю, как создатель интеллектуального авторского кино. Про Гуэрру в Италии говорят, что он – «корни всего»: знаменитые сценарии и пьесы 20 века написаны его рукой. С Россией Гуэрру связывает многое: русская жена, дружба и совместная работа с Андреем Тарковским, иллюстрации Рустама Хамдамова к его книге "Одиссея Тонино" и медаль Михаила Чехова за достижения в области кинематографии.

В основе проекта Novanta лежит авторская компиляция фрагментов трех фильмов, снятых Феллини по сценарию Гуэрры: «Амаркорд», «Джинджер и Фред», «И корабль плывет». Прорабатывая детали и расставляя акценты, Катя Бочавар исследует художественные и стилистические приемы двух великих мастеров итальянского кинематографа 60-80-х годов.

Феллини и Гуэрра родились в один год, всего в десяти километрах друг от друга. Несмотря на то, что художников связывала давняя дружба, первая совместная работа Феллини и Гуэрры увидела свет только в 1974 году. Картина «Амаркорд» («Я вспоминаю») стала шедевром: воспоминания Феллини и Гуэрры обрывочны, каждый кадр – произведение искусства, наполненное поэтическим очарованием и написанное фирменным почерком великого режиссера. Портрет носорога, портрет дыма, портрет дерева или буйвола – все это узнаваемые символы, красной линией проходящие через творчество Феллини. В следующей совместной картине «И корабль плывет» (1983) в качестве предмета исследования выступает тема эго незаурядной личности: талантливые, яркие и харизматичныe герои картины заняты интригами и соперничеством, при этом, нуждаясь друг в друге как в воздухе, питающем их творческий рост. В работе «Джинджер и Фред» (1986) главным героем выступает контекст, который при недостаточно внимательном просмотре фильма ускользает от зрителя. Реклама, сопровождающая сюжетную линию, помогает погрузиться в атмосферу, понять менталитет и ценности 80-х – эпохи, в рамках которой разворачивается действие фильма. Именно контекст позволяет подчеркнуть эмоционально-психологическую линию – сопоставление внешнего блеска «диско» и внутренней опустошенности главных героев: артистов, молодость и популярность которых, как молодость Феллини и Гуэрры, пришлась на 50-е годы.

Постер фильма «Амаркорд»

Все три совместные работы Феллини и Гуэрры относятся к позднему периоду жизни художников и являются своеобразным итогом в творчестве Феллини и важным этапом для Гуэрры. Проект Кати Бочавар – это подробный анализ психологии и мировоззрения двух признанных деятелей искусства 20 века.

Справка: Катя Бочавар – куратор, художник, дизайнер украшений, автор русского павильона на 53-й Венецианской биеннале, куратор визуальной программы предстоящего фестиваля «Гогольфест» 2010 и экспозиционный дизайнер выставок проекта Baibakov Art Projects на Красном Октябре.

Выставка Александра Петрова в Екатеринбурге

Mon, 29 Mar 2010 19:23:00 +0400

С 26 марта в Екатеринбурге можно посетить выставку известного российского режиссера-аниматора Александра Петрова. Выставка называется «Моя любовь». Сотворение фильма. Живопись, графика, анимация». Её организовали издательство «Артефакт» и Музей истории Екатеринбурга.

Кадр из фильма «Моя любовь»

Экспозиция показывает историю создания фильма «Моя любовь», одной из картин Петрова, которую он снял по мотивам романа Ивана Шмелева «История любовная». Этот фильм был отмечен наградами более чем двадцати российских и международных кинофестивалей.

На выставке зрители смогут увидеть все этапы создания фильма - от момента зарождения идеи до ее воплощения в жизнь. Эскизы, натурные зарисовки и живописные работы на пленках – всего лишь часть того, что было создано за три с половиной года работы над фильмом и осталось за кадром.

1 / 5

На протяжении работы выставки будут демонстрироваться фильмы Петрова «Старик и море», «Сон смешного человека», «Моя любовь» и лента о создании последнего.

Александр Петров - первый из российских художников кино, получивший премию «Оскар» (2000 год) за фильм, снятый по повести Эрнеста Хемингуэя «Старик и море». Его работы - «Корова», «Русалка», «Сон смешного человека» и другие - получили множество призов на различных фестивалях. Уникальность метода Петрова в том, что свои картины он создает на стекле прозрачными масляными красками, нанося мазки кончиками пальцев.

Выставка Александра Петрова «Моя любовь». Сотворение фильма. Живопись, графика, анимация» будет экспонироваться с 26 марта по 23 мая 2010 г. в Музее истории Екатеринбурга по адресу: ул. К. Либкнехта, 26

«Проекции реальности: столкновения с [не]знакомым»

Wed, 03 Mar 2010 15:23:00 +0300

5 марта в «Красном Октябре» (Москва, Берсеневская наб., дом 6, стр. 3) откроется мультимедийная выставка «Проекции реальности», которая продлится до 28 марта.

«Проекции реальности» – уникальная мультимедийная выставка, премьера которой состоится в Москве в марте 2010. «Проекции реальности», собравшие одну из крупнейших в мире коллекций документальных мультимедийных проектов в выставочном формате, — событие, значимое не только для российского культурного пространства, но и для международного фотографического сообщества. Основываясь на успешном опыте проведения документальных выставочных проектов, в том числе World Press Photo, и инновационной образовательной онлайн-программы [OR]EDU, Фонд «Объективная реальность» представляет авангардное направление визуального повествования.

В экспозицию включены проекты более 20 авторов, работающих в формате фотографии, видео и мультимедиа – это многоканальные видеоинсталляции, веб-проекты и интерактивные документальные фильмы, в том числе получившие высокую оценку критиков на фестивалях в США и Европе работы звезд мировой фотографии Тима Хезерингтона, Алекса Майоли, Бренды Энн Кеннилли и Юрия Козырева, студии Magnum In Motion и мультимедийной редакции The New York Times. На выставке также представлены ранние опыты в сфере интерактивной журналистики Дэниэла Мeдоуза и ряд ярких проектов молодых авторов из России и СНГ.

«Проекции реальности» знакомят российскую аудиторию с новыми медиа [new media] – комплексным явлением, сочетающим в себе мультимедийные технологии, новые повествовательные методы и каналы распространения информации, приходящие на смену традиционным СМИ, в том числе интерактивные.

Проекция как экспозиционная форма знакома зрителю, интересующемуся современным искусством, а в данном случае она призвана сфокусировать внимание на документальном повествовании, сопричастном социальным проблемам и гуманистическим ценностям.

«Проекции реальности» определяют новую роль фотографии в контексте новых медиа. Авторы выставки – современные рассказчики, одинаково свободно оперирующие средствами фотографии, журналистики и режиссуры, стремящиеся выйти за рамки традиционных средств визуальной выразительности.

Заглавная тема «Проекций» — Столкновения с [не]знакомым — отражает присутствие в мире вокруг нас элементов осязаемых и неосязаемых. Через изображения «Столкновения» обращаются к мыслям, чувствам и эмоциям людей, находящихся в самых разных жизненных ситуациях. Выставка дает зрителю возможность попасть в незнакомое, удивительное, и совсем личное пространство тех, кого традиционные СМИ зачастую обходят вниманием. «Столкновения» представляют собой эклектичную коллекцию историй, касающихся самых разных тем и географических мест.

«Столкновения» – это попытка спровоцировать зрителя задуматься о том, что имеет значение в современном мире относительно времени, места, радости, печали, предчувствия, тревоги и личного опыта. Призыв к сокращению дистанции между зрителем и персонажами лежит в основе всех представленных историй.

Столкнуться – значит начать диалог, взаимодействие с другим. Ощущение «присутствия», настроения, участия в переживаниях фотографируемых героев, не покидает в работах практически всех авторов – от спящих солдат в Афганистане Тима Хезерингтона и велосипедной прогулки с лопарями по заснеженной северной Норвегии Эрики Ларсен, до Энди из бандитского района Бруклина Бренды Энн Кеннилли и подростков из провинциального интерната Дмитрия Маркова.

Выставка «Проекции реальности» будет показана на других площадках в России и за рубежом в 2010-2011.

В рамках выставки пройдут лекции фотографов и продюсеров мультимедиа:

Тим Хезерингтон (Tim Hetherington), фотограф и кинорежиссер / США-Великобритания
Бренда Энн Кеннилли (Brenda Ann Kenneally), фотограф / США
Марк Любелл (Mark Lubell), директор, Magnum Photos-Нью-Йорк / США
Бьярке Мирту (Bjarke Myrthu), продюсер Storyplanet / США-Дания
Самюэль Боллендорф (Samuel Bollendorff), фотограф / Франция
Юрий Козырев, фотограф / Россия
Тодд Хайслер (Todd Heisler), фотограф, The New York Times / США

Специальные гости выставки и проекты, которые они представляют:

Тим Хезерингтон / Tim Hetherington (Великобритания)

Тим Хезерингтон родился в Ливерпуле, в Великобритании. Перед тем как в 1997-м вернуться в Университет Кардиффа на курс фотожурналистики, он изучал литературу в Оксфорде и успел поработать в издательской сфере. Его интересы лежат в области создания различных форм визуальных коммуникаций на основе долгосрочных проектов. Портфолио Хезерингтона состоит из самых разноплановых работ: от цифровых проекций, которые демонстрировались в Институте современного искусства в Лондоне, до выставок открыток в Лагосе и проекта по онлайн-контенту для наладонников. В мае 2009 года в издательстве Umbrage Editions вышла его фотокнига о Либерии «Длинная история по частям» (Long Story Bit By Bit). Хезерингтон также работает в кино, в качестве оператора, продюсера и режиссера. В этом году на экраны выходит его полнометражный фильм «Рестрепо» (в соавторстве с Себастианом Джангером), получивший Гран-при за документальный фильм на кинофестивале Сандэнс 2010. Тим Хезерингтон – обладатель многочисленных наград, стипендии Национального фонда развития науки, технологий и искусств, гранта Фонда Хассельблад, награды World Press Photo (Лучшая фотография 2007 года) и награды Альфреда И. Дюпона. Хезерингтон живет в Нью-Йорке.

О проекте «СПЯЩИЕ СОЛДАТЫ»:

«Спящие Солдаты», Тим Хезерингтон

В 2007-2008 годах Хезерингтон сопровождал отряд солдат США, дислоцированный в долине Коренгал на северо-востоке Афганистана. Взвод, с которым он перемещался, укрепился в удаленной точке высоко в горах. К этому аванпосту не было ни одной дороги, а спуск в долину занимал целый час. «Все очень боялись, что будет атака, и нас захватят в ночное время суток. Когда я жил там, 70% личного состава принимали препараты, влияющие на настроение и сон», - говорит Хезерингтон. «Отрезанные от цивилизации, живущие в постоянной чрезвычайной ситуации, эти люди впустили меня в свою жизнь я работал рядом с ними, вместе с ними ел и спал, постепенно завоевывая их доверие и возможность наблюдать за ними. Эти фотографии появились в результате тесных отношений между нами».

Бренда Энн Кеннилли / Brenda Anna Kenneally (США)

Работа Бренды Энн Кеннилли

Бренда Энн Кеннилли – независимый фотожурналист. Ее проекты растянуты во времени, ее фотографии – это портреты социального бедствия, они интимно, изнутри освещают ситуации, в которых личные проблемы приобретают политическое звучание.

Итогом ее десятилетней работы в репортажной фотографии стали фотокнига и одноименная веб-публикация под названием «Деньги, Власть, Уважение: Жизнь моего района» (Money, Power, Respect: Pictures of My Neighborhood). Этот проект получил многочисленные награды: премию Юджина Смита за гуманизм в фотографии, стипендию фонда Сороса в области уголовного правосудия, награду в области документальной фотографии журнала Mother Jones, международную премию в области фотожурналистики Gijon Spain. В 2006 году за свои мультимедийные работы она получила премию национальной ассоциации фотожурналистов The Best of Photojournalism Award «За лучшее использование фотографии в интернете». Кеннили старается расширить устоявшиеся границы понятия «документального свидетельства», используя интернет как средство развития и актуализации своего фотографического стиля, характеризуемого глубоким погружением в сюжет. Развивая эту идею дальше, Кеннилли совместно с независимым продюсером Лаурой Ло Форти основали проект The Raw File – интернет-площадку, или своего рода онлайн-кинотеатр для публикации социально-острых мультимедийных проектов вне каких-либо жестких рамок.

Сейчас Бренда Кеннилли продолжает развивать проект The Raw File, параллельно работая над веб-проектом и документальным фильмом Upstate Girls о молодых женщинах города Трой, штат Нью-Йорк, и кандидатской диссертацией в области цифровых медиа в Ронселлеровском политехническом институте. Живет и работает в Бруклине, в Нью-Йорке, одна воспитывает сына.

О проекте «ВОЗВРАЩЕНИЕ НА РАЙОН»:

Около семи лет Бренда жила на границе районов Бушвик и Бедфорд-Стайвесант в Бруклине (Нью-Йорк), фотографируя, записывая видео и создавая заметки о семьях, живущих в этом бедствующем квартале, где улицы полны опасностей, насилия и наркотиков. В результате эти репортажи вылились в фотокнигу и интернет-публикацию под названием «Деньги, Власть, Уважение: жизнь моего района» (Money, Power, Respect: Pictures of my neighborhood). В последующие годы публикация этого проекта существенно повлияла на судьбы местных жителей - и на подростков на пороге взрослой жизни, и на взрослых, чья жизнь в этом районе всегда находится у опасной черты.

Позже Бренда почувствовала, что проект «Деньги, Власть, Уважение» лишь представил ее соседей миру, в то время как их настоящая история началась уже после того, как эта фотокнига ушла в работу. «Я поняла, что должна запечатлеть развитие начатых мной историй, - говорит Бренда, - и интернет сделал это возможным – теперь можно не ставить точку, публикация может продолжаться бесконечно». Результатом дальнейшей работы в этом квартале стал монтаж серии коротких фильмов с названием «Снова на районе» (Back on the Block) – это своего рода отчет Бренды Кеннилли за последующие четыре года жизни однажды выбранных ей персонажей.

Марк Любелл / Mark Lubell (США)

Марк Любелл – директор агентства Magnum Photos в Нью-Йорке с 2004 году. До прихода в фотографический бизнес Марк специализировался на консалтинге в сфере частных инвестиций. В 2001-м он выступил продюсером выставки «Here is New York», посвященной печальным событиям 11-го сентября: в рамках выставки было собрано больше 6000 профессиональных и любительских снимков, посвященных этой трагедии. Выставка имела огромный успех, сайт выставки получил более 2 миллиардов обращений, став «Фликром» еще до появления настоящего Flickr-а и, по сути, – неофициальным сетевым мемориалом 9/11. Проект смог выделить миллион долларов пожертвований на благотворительные нужды. Позже выставка объехала весь мир и была показана в 33 местах, в том числе в трех городах России.

К тому моменту, когда Марк возглавил агентство Magnum, ему стали очевидны кризис редакционного рынка и общая неопределенность коммерческих перспектив для современной фотожурналистики. Мгновенной реакцией Любелла стал запуск Magnum In Motion – отдела, задуманного в качестве ответа на меняющиеся условия в этом сегменте бизнеса. Отдел занялся созданием материалов в русле концепции «мультимедийного рассказа» и продвижением мультимедийной «повествовательной» журналистики в интернете.

Марк придерживается позиции, для которой приоритетным является использование передовых интернет-технологий для продвижения и развития нелинейного, «цифрового» рассказа и активное взаимодействие с аудиторией подобных материалов. В январе 2010 года была завершена инициированная Любеллом сделка Magnum с основателем корпорации Dell. В итоге этой сделки Майкл Делл приобрел архив пресс-принтов агентства, застрахованный на сумму 100 миллионов долларов. Делл передал архив на 5 лет в пользование Техасскому университету, что открывает доступ к архиву тысячам студентов и позволит подробно изучить и проанализировать весь накопленный материал. Кроме этого, сделка позволит агентству Magnum произвести определенные капитальные изменения, необходимые для его успешного существования в XXI веке.

Бьярке Мирту / Bjarke Myrthu (США-Дания)

Бьярке Мирту – журналист, продюсер мультимедиа, основатель и директор компании Storyplanet.com, один из идеологов-основателей Magnum In Motion, мультимедийной студии легендарного агентства Magnum. В 2004-2008 годах исполнительный редактор агентства Magnum в Нью-Йорке. В 2003-2004 руководил департаментом коммуникаций крупнейшей датской некоммерческой организации CARE. В 2002-м основал компанию NewClearMedia, специализировавшуюся на проектах для НКО, медийных организаций и бизнеса. Обладатель ряда наград за проекты в области мультимедиа и интерактивной журналистики.

Уже в самом начале карьеры Бьярке начал понимать, что мультимедиа – гораздо больше, чем просто изложение информации и статичный текст. По его словам: «Нам нужно раздвинуть привычные рамки повествования, используя визуальный ряд и звук, и сделать повествование интерактивным...отношение к мультимедиа должно быть серьезным: необходимо создавать истории, которые будут иметь образовательное значение, которые будут обращаться и к сердцу и к разуму. Чтобы достичь этого, нужно создавать новые форматы, новые приемы, находить новые бизнес-модели».

Бьярке Мирту активно занимается продвижением новых медиа и того комплексного явления, которое умещается в молодое и актуальное понятие «digital storytelling» (передача рассказа современными цифровыми средствами и медиа), читает лекции (в том числе на конференциях TED) и ведет мастер-классы по новым медиа во многих странах.

О проектах Бьярке Мирту:

Storyplanet.com – онлайн проект и одноименная техническая платформа, позволяющая авторам мультимедийных историй или их отдельных компонентов [фотография, видео, звук] обмениваться контентом, редактировать свои интерактивные истории и встраивать полученные ролики в любой блог или сайт.

«Внутренний враг» (The Enemy Within)

Первая полноценная мультимедия Мирту, созданная в 2001 году – попытка вместить в линейное киноповествование элементы нелинейного монтажа: «временную строку» и вставки текстов. «Кроме того, мы пытались найти сильное решение, концепцию того, как соединить вместе фотографии, видео, звук и текст…», - говорит Мирту, - «…концепцию, которая стоит за этим проектом, стоит рассмотреть повнимательнее».

«Наследие Чернобыля» (Chernobyl Legacy)

Один из первых больших проектов, созданных Мирту совместно с Magnum In Motion. Эта работа подтвердила его уверенность в том, что интернет предоставляет очень мощную базу для нарратива, «если вы работаете с эмоциональной составляющей и обращаетесь к людским сердцам».

Самюэль Боллендорф / Samuel Bollendorff (Франция)

Cэмюэль Боллендорф родился в 1974 году, получил фотографическое образование в высшей школе Луи Люмьера и художественное – в Парижской школе изобразительных искусств. Боллендорфа интересуют серьезные социальные темы – обстановка в полиции, тюрьмах, больницах, школах, ужас войны. В фокусе его работ лежит вопрос места человека в обществе, и особенно вопрос того, что есть личная свобода человека и где лежат ее границы.

Для Министерства культуры и массовых коммуникаций Франции и фестиваля фотожурналистики Visa pour L'Image Боллендорф сделал подробную историю о китайцах, «оставшихся на обочине» великой экономической экспансии Поднебесной. Фильм Боллендорфа строится вокруг трех основных тем: иллюстрирует то, как новое время с корнями выдирает людей с их земли и вслед за тем вымирают целые культурные слои, поднимает темы запрета на перемещения и рабского труда. Китайские фермеры, выселенные с земли, которую их семьи обрабатывали в течение веков, вынуждены оставить как свою землю, так и свои традиции, свою историю. Кроме того, их вынуждают отправлять своих детей работать в опасных, почти нечеловеческих условиях: мальчиков – в шахты, девочек – на фабрики, где со временем дети оставляют все свои надежды, а иногда и жизни.

Чтобы передать мучительные ощущения от этих мест, Боллендорф создает тщательно выверенные изображения, уделяя особое внимание позам, движениям и свету в кадре; кадры выстраиваются так, чтобы максимально передавать контекст и психологическое напряжение. Боллендорф стал заслуженно считаться одним из самых талантливых авторов нового направления в фотографии – новой документалистики. Интерактивные мультимедийные фильмы Самюэля Боллендорфа можно увидеть на сайте основанного им проекта Honkytonk Films.

О проекте «ПУТЕШЕСТВИЕ К КОНЦУ ШАХТЫ»:

«Путешествие к концу шахты» – это история жертвенности. Миллионы китайских шахтеров ежедневно рискуют жизнями, жертвуют здоровьем и отравляют свою родную землю в угоду ненасытному аппетиту бурно развивающейся китайской экономики. Этот интерактивный фильм переносит зрителя в провинцию Шаньси, где ему предстоит изучить регион своими глазами – поблуждать по шахтам, зайти в администрацию угледобывающих комплексов и в шахтерские хрущобы, поговорить с миньгунами – приезжими сельскими работниками, кочующими по стране в поисках работы. Разговаривая с ними, вы больше узнаете о том, как они живут здесь – в долине смерти, на чудовищно загрязненной земле провинции, которую часто называют «Угольным морем».

О проекте «БОЛЬШАЯ ПРОБЛЕМА»:

Интерактивный проект «Большая проблема» представляет собой исследование «эпидемии ожирения». Это исследование разворачивается по обе стороны Атлантики и предлагает интернет-пользователю пристально взглянуть на многочисленные факторы, обуславливающие эту эпидемию, и переоценить в этом свете современный образ жизни; предлагает задаться вопросом о степени ответственности сельскохозяйственного сектора бизнеса и об ответственности самого общества. Это уникальное путешествие предоставляет интернет-пользователю возможность почувствовать себя журналистом и подтолкнет каждого выработать собственное мнение по поводу проблемы массового ожирения, степени угрозы жизни, с которой оно сопряжено и о возможных мерах для скорейшего искоренения этой эпидемии.

Тодд Хайслер / Todd Heisler (США)

Тодд Хайслер – обладатель Пулитцеровской премии в номинации «Арт фотография», получил эту награду в 2006 году за серию работ о семьях морпехов, погибших в Ираке. Хайслер работает штатным фотографом New York Times с 2006 года, часто и много путешествует по заданиям газеты. До этого он работал на денверское издание Rocky Mountain News и два издательства в Чикаго: Copley Chicago Newspapers и Pioneer Press Newspapers. Хайслер был в числе фотографов, получивших Пулитцеровскую премию в номинации «Горячие новости» в 2003-ем за съемку лесных пожаров в Колорадо.

О совместном проекте газеты New York Times и фотографа Тодда Хайслера «ОДИН ИЗ 8 МИЛЛИОНОВ»:

«Один из 8 миллионов» – проект мультимедийной редакции New York Times, длившийся на протяжении 2009 года. Каждую неделю на сайте газеты NYTimes.com появлялась новая история об одном из восьми миллионов жителей Нью-Йорка – их радостях, проблемах, любимых занятиях и отношениях с окружающими. В основе проекта очень простая идея, но она является великолепным примером того, как, пользуясь интернет-площадкой, можно создавать материалы нового типа – постоянно развивающиеся истории. В этой серии традиционные составляющие журналистики – атмосферные фотографии, яркие персонажи и истории, приковывающие внимание, работают вместе с новыми потрясающими возможностями мультимедийного интерфейса, который сводит воедино звук, изображение и ощущение живого диалога со зрителем.

Проект «Один из 8 миллионов» создан совместными усилиями команды продюсеров, редакторов и журналистов, работающих в мультимедийной редакции New York Times.

Юрий Козырев (Россия)

Юрий Козырев занимается фотожурналистикой уже более 20 лет. Как военный фотограф он снимал все крупные вооруженные конфликты на территории бывшего Советского Союза, в том числе две чеченские войны. Сразу после событий 11 сентября 2001-го он едет в Афганистан, где становится свидетелем падения режима талибов. В последние пять лет Козырев больше всего снимал в Багдаде для журнала Time и путешествовал по всему Ираку, освещая иракский конфликт с разных сторон. Юрий Козырев – обладатель многочисленных наград, в том числе он 4 раза удостаивался премии World Press Photo Award за фотографии из Чечни, Ирака и Беслана. В 2004 году он получил награду Overseas Press Club Olivier Rebbot Award за съемку в Ираке. В 2006 году удостоился награды ICP Infinity Award в области фотожурналистики и награды 2008 Frontline Club Award за подробное освещение войны в Ираке. Осетинская серия Юрия Козырева получила награду 2009 Picture of the Year Award в категории «Новости в фотографиях». Юрий Козырев также получил первый приз World Press Photo в категории «Портреты» в 2009 году. Фотографии Юрия Козырева были включены в фотоэссе журнала TIME «21 день в Багдаде» (2003).

О проекте «ИРАКСКАЯ ПРАВДА»:

Проект «Иракская правда» исследует формирование общественного мнения о событиях в Ираке в годы войны 2003-2008 годов и о последствиях этого разрушительного конфликта. Собрав вместе такие разные «правды» как внешний взгляд западного фотожурналиста-рассказчика, позицию «гражданской» журналистики, задействующей современные средства коммуникации, и точку зрения национальных иракских СМИ, Козырев обращается к вопросу о роли медиа в современном конфликте. Новости из Ирака подробно освещались в прессе по всему миру, но из-за информационной блокады внутри страны, сами иракцы никогда не видели этих публикаций. Зато они постоянно наблюдали вокруг себя западных фотографов, и неизменно ассоциировали их присутствие с оккупантами. Параллельно западной прессе в Ираке существуют национальные СМИ – в них не было никакой цензуры, поэтому их версия казалась удивительно правдивой, но при этом не допускала никакого «взгляда снаружи». И, наконец, третий визуальный канал, самый яркий и правдивый – народное, гражданское репортерство, получившее распространение через мобильные телефоны и интернет. Иракцы доверяют этому каналу больше всего – это домашняя, глубинная почта, разносящая весть о событиях быстро и емко.

Проект Козырева сводит воедино его собственные фотографии, сделанные для журнала Time и агентства Noor, с материалами с иракского ТВ, любительскими кадрами, снятыми на телефоны и карманные камеры простыми иракцами, и, среди прочего, снятое моджахедами и выложенное на YouTube «джихад-видео».

Арт-вызов дряхлому застою

Tue, 02 Mar 2010 13:57:00 +0300

25 февраля выставкой «Удар кисти» в Петербурге, в филиале Русского музея -- Мраморном дворце открылся фестиваль, посвященный ленинградским группам 1980-х годов «Новые художники» и некрореалисты.

«Удар кисти»

Сегодня вряд ли кому-то придет в голову выступить в роли Новых Художников, Новых Музыкантов или Новых Критиков. В старшем поколении, конечно, достаточно ярких личностей, с которыми всегда интересно завязать спор. Но того разрыва, что был между романтичными шестидесятниками и лихой молодежью позднего застоя, теперь нет. К счастью, нет и централизованной власти творческих союзов и цензурных комитетов -- идеального раздражителя для независимых художников. А значит, отсутствует и андеграунд, к которому в начале восьмидесятых принадлежали люди как минимум трех поколений. Причем жили в арт-подполье по-разному: пассивно игнорируя официоз, отстаивая свои права перед чиновниками от культуры или заигрывая с властью. В Ленинграде тех лет сосуществовало много очень разных художников, недоставало разве что дерзкой бесшабашной молодежи. И она не замедлила заявить о себе в годы, когда власть устроила жуткий похоронный карнавал, год за годом провожая в последний путь одного дряхлого генсека за другим.

В это, казалось бы, депрессивное время появилось агрессивное жизнеутверждающее искусство. «Новые художники» были прежде всего дружеской компанией, которая всячески подчеркивала свое отличие от официоза и обывателей. В этом кругу принято было вести себя эксцентрично, причем не только перед коллегами, недругами и поклонниками, но повсеместно. На картинах и фото бурных восьмидесятых мы видим ленинградских денди в костюмах времен НЭПа, в шляпе и цилиндре, в трусах и майке, или только «в голом». Петербург-Ленинград был для этих возмутителей спокойствия не музеем под открытым небом, но мастерской. В нем жили и работали, с азартом обмениваясь самиздатскими текстами, устраивая выставки на разведенном Дворцовом мосту или в домах культуры, организуя концерты в котельных и киносъемки на полуразрушенных заводах. Бунт «Новых художников» взбудоражил сонный город с комплексом бывшей имперской столицы. За несколько лет до этого такая же наглая и веселая артистическая компания -- группа «Мухоморы» -- оживила жизнь столичной арт-сцены.

Бунтари восьмидесятых не признавали художественных профессий. Живописцы охотно писали прозу, писатели рисовали картины, кинорежиссеры становились поэтами. «Новые художники» дружили с «Новыми композиторами». И о тех, и о других восторженно писали «Новые критики». Рядом с молодецким задором оттачивали черный юмор некрореалисты -- киноэкспериментаторы-экстремалы, также занимавшиеся фотографией и живописью. По-видимому, уверенность в том, что искусство нужно делать любыми средствами и при любых обстоятельствах, и была главной силой культуры восьмидесятых. Это самоотверженное броуновское движение с каждым годом становилось все популярнее. Концерты «Кино» и «Поп-механики», в которых принимали участие и некрореалисты, и «Новые композиторы», и «Новые художники», проходили с аншлагом, при том, что пиарила их зачастую только написанная акварелью афишка. В 1987-м члены группы снялись в одном из главных «перестроечных» кинохитов -- «Ассе» Сергея Соловьева, приобщившись к славе Сергея Бугаева «Африки», Сергея Курехина и Виктора Цоя. Но и тогда, и почти двадцать лет спустя Олег Котельников, Тимур Новиков, Вадим Овчинников, Инал Савченков, Иван Сотников и Юрий Циркуль были и по-прежнему остаются интересными вовсе не как герои молодежной культуры горбачевской эпохи.

В годы повальной эмиграции, когда даже домашним животным снились визы и загранпаспорта, эти художники создали новую ленинградскую школу экспрессионистической живописи. Им удалось претворить дикость позднесоветской реальности в наглые корявые картины, будоражащие зрителя смесью граффити, неумелого рисунка в духе искусства душевнобольных и детских каракулей. «Удар кисти», как назвал одну из своих картин Олег Котельников, -- точный образ стихии и экстаза, из которых рождалось творчество «Новых художников». Эта энергия давала новую жизнь авангарду начала двадцатого века. «Всечество» Михаила Ларионова, Михаила Ледантю, Кирилла и Ильи Зданевичей, тотальный абсурдизм дадаистов и стильное бунтарство Маяковского проживались заново, становясь неотъемлемой частью реальности. Искусство безоговорочно брало верх над действительностью.

Открывшийся фестиваль, посвященный «Новым художникам» и некрореалистам, -- редкая возможность проникнуться героикой восьмидесятых. Главное событие -- выставка в Мраморном дворце, на которой собраны около двухсот картин участников группы. Многие из них показаны впервые. Артцентр «Пушкинская, 10» подготовила две экспозиции. В галерее Navicula Artis можно увидеть графику «Новых художников». По соседству, в Новой Академии изящных искусств, показывается выставка плакатов и постеров. С документальными материалами, рассказывающими об истории группы, можно ознакомиться в галерее «Формула» в артцентре «Этажи». Параллельно сразу в нескольких местах привлекут внимание выставки и показы работ некрореалистов. Живопись лидера и идеолога движения Евгения Юфита представляет галерея Марины Гисич. Здесь же планируется ретроспектива хитов некрореалистического кино. В кинотеатре «Родина» показывают менее известные широкой публике фильмы Веты Померанцевой. Наиболее интересной для знатоков будет кинопрограмма в Мраморном, составленная из раритетов некрореализма. Артфестиваля такого масштаба в Петербурге не было уже давно. Он вряд ли был бы возможен без инициативы и помощи московского коллекционера Владимира Добровольского.

Это вторая ретроспектива «Новых художников». Первая, прошедшая в 1996-м, была небольшой выставкой, охватывавшей период с 1982-го по 1987-й. Теперь творчество «Новых художников» и некрореалистов представляет эпоху восьмидесятых в целом вплоть до 1991-го, распада СССР. Нам предоставляется возможность вернуться к истокам ранней демократии, которой еще предстояло пройти закалку диким капитализмом девяностых. Увидим ли мы в этих экстатических картинах, созданных накануне и в разгар периода реформаторского романтизма, предвестие того разочарования в политических свободах, которое переживает общество последние годы? Или же, вопреки всему, «Новые художники» и десять лет спустя предстанут вечно молодыми героями эпохи перемен? Это главный вопрос, который ставит перед зрителями фестиваль.

В Лондоне открылась выставка Кеннета Энгера

Wed, 24 Feb 2010 19:01:00 +0300

В Лондоне в галерее Sprüth Magers открылась выставка режиссера Кеннета Энгера (Kenneth Anger).

Выставка работает с 19 февраля и продлится до 27 марта. Последний раз персональная выставка Энгера проходила в Лондоне в 2005 году. Кеннет Энгер снимает фильмы с конца 40-х. Он считается иконой контркультуры и важнейшей фигурой кинематографического авангарда, чье влияние отразилось на самых разных течениях современной культуры от квир-иконографии до MTV.

Творчество Кеннета Энгера представляет собой радикальную критику Голливуда, часто отсылающую к иконографии современной поп-культуры, показанной на фоне оккультных декораций. Абстрактные, не-нарративные фильмы Энгера наполнены оккультной символикой и тесно связаны с его магическими практиками, исследующими тему ритуальных трансформаций. Они практически лишены диалога, но наполнены барочным буйством образов.

1 / 7

На выставке будет показан важнейший фильм Энгера «Пробуждение моего брата Демона» (Invocation of My Demon Brother, 1969). Это гипнотический монтаж кадров с резкими переходами ярких цветов и саундтреком Мика Джаггера. Энгер ставил перед собой цель прорваться к «великому Коллективному Бессознательному» и создать ощущение альтернативной реальности. В фильм включены отрывки концерта «Роллинг Стоунс», посвященного памяти Брайана Джонса (Brian Jones), умершего летом 1969. Кроме того, можно мельком увидеть Бобби Босолей (Bobby Beausoleil), бывшего энгеровского Люцифера из «Восхода Люцифера». В 1970 году вместе с Чарльзом Мэнсоном ему был вынесен приговор по делу об убийстве музыканта Гэри Хинмана (Gary Hinman). Кроме этого, в картине появляется сам Энгер, выполняющий оккультные ритуалы, мелькают лица Мэриан Фейтфул (Marianne Faithfull), Антона ЛаВея (Anton LaVey), Кита Ричардса (Keith Richards), возникают фрагменты романа «Лунное дитя» (Moonchild, 1917) знаменитого оккультиста Алистера Кроули (Aleister Crowley).

Перед галерей Mayfair Gallery будет выставлен неоновый знак работы Энгера «Голливуд Вавилон» (1975/2009), отражающий его давнее увлечение скандальными историями, связанными со старым Голливудом, нашедшее отражение в его классической книге «Голливуд Вавилон» (1959/1975).

Помимо показа фильмов Энгера, галерея Sprüth Magers Лондон вместе с «Тейт Модерн» устроила 19 февраля встречу с Кеннетом Энгером.

Роман Полански - режиссёр и актёр

Wed, 24 Feb 2010 13:36:00 +0300

В Музее кино Дюссельдорфа (Filmmuseum Düsseldorf) с 27 февраля по 16 мая 2010 года пройдет выставка, посвященная творчеству и биографии кинорежиссера Романа Полански.

Выставка подготовлена совместными усилиями Музея кино Дюссельдорфа и Музея кино Лодзи - польского города, где Полански учился в киношколе, а также Польским культурным центром. В экспозиции будут представлены не опубликованные ранее фотографии, документы, сценарии, реквизиты, костюмы и отрывки из фильмов Полански.

Роман Полански — один из крупнейших кинематографистов послевоенного времени, уроженец Парижа, еврейского происхождения, выросший в Польше и работавший преимущественно в Великобритании (1963—1967), США (1968—1976) и Франции (после 1976).

Обладатель важнейших наград в кинематографе: «Золотой пальмовой ветви» в Каннах, «Золотого медведя» Берлинского кинофестиваля, «Золотого льва» Венецианского фестиваля за достижения в течение карьеры, «Оскара», «Сезара», «Золотого глобуса» и премии BAFTA за лучшую режиссуру, а также «Феликса» за вклад в развитие кино. На Берлинале 2010 Романа Полански наградили режиссерским «Серебряным медведем» (за картину «Писатель-призрак»).

Стоимость билетов на экспозицию - от 2 евро.

В рамках выставки организована ретроспектива фильмов Романа Поланского.

ПРОГРАММА

26 февраля, 20-00
28 февраля, 18-00
«Нож в воде» /Noz w wodzie/ 1962

28 февраля, 20-00
4 марта, 18-00
Программа короткометражных фильмов (1955-62)

4 марта, 20-00
6 марта, 18-00
«Отвращение» /Repulsion/ 1965

7 марта, 20-00
9 марта, 20-00
«Тупик» /Cul-de-Sac/ 1966

12 марта, 18-00
14 марта, 20-00
«Бал вампиров» /Dance of the Vampires/ 1967

13 марта, 20-00
20 марта, 18-00
«Ребенок Розмари» /Rosemary's Bab/ 1968

20 марта, 20-00
26 марта, 20-00
«Китайский квартал» /Chinatown/ 1974

21 марта, 20-00
25 марта, 18-00
«Макбет» /Macbeth/ 1971

26 марта, 20-00
11 мая, 20-00
"Разыскиваемый и желанный" /Wanted and Desired/ Марина Зенович, 2008

3 апреля, 20-00
7 апреля, 18-00
«Что?» /Che?/ 1972

8 апреля, 18-00
14 апреля, 20-00
«Жилец» /Le Locataire/ 1976

9 апреля, 20-00
11 апреля, 18-00
«Тэсс» /Tess/ 1979

9 апреля, 17-45
14 апреля, 17-45
«Колье из оправленных бриллиантов» /La Riviere de Diamants/ (альманах «Самые прекрасные мошенники на свете» /Weekend of a Champion/ 1964

10 апреля, 20-00
15 апреля, 18-00
«Пираты» /Pirates/ 1986

17 апреля, 20-00
22 апреля, 18-00
«Неистовый» /Frantic/ 1988

23 апреля, 20-00
28 апреля, 18-00
«Горькая луна» /Bitter Moon/ 1992

25 апреля, 20-00
29 апреля, 18-00
«Смерть и девушка» /Death and the Maiden/ 1994

27 апреля, 20-00
4 мая, 18-00
7 мая, 20-00
«Девятые врата» /The Ninth Gate/ 1999

6 мая, 18-00
9 мая, 20-00
11 мая, 18-00
«Пианист» /The Pianist/ 2002

9 мая, 18-00
12 мая, 20-00
16 мая, 18-00
«Оливер Твист» /Oliver Twist/ 2005

16, 18, 19 мая, 20-00
«Писатель-призрак» /Ghost Writer/ 2010

"Очевидность" Семена Файбисовича -

Wed, 24 Feb 2010 12:45:00 +0300

C 29 января по 28 февраля 2010 Московский музей современного искусства и галерея "Риджина" представляют масштабную выставку Семена Файбисовича, охватывающую два последних периода творчества художника: живописный проект «Очевидность» первой половины 90-х годов прошлого века и цикл «Разгуляй», созданный недавно, когда художник вернулся к живописи после двенадцатилетнего перерыва.

Проект «Очевидность» первой половины 90-х посвящен исследованию того, как мы смотрим на мир. Тогда меня занимала оптика человеческого зрения: «слепые пятна», перемещающиеся в глазу поверх «обычной» картинки мира, эффекты остаточного зрения, когда негативы реального мира появляются на экранах закрытых век и живут там уже собственной жизнью, раздвоение изображения, когда глаза перестают работать как бинокуляр... Словом, речь о различных оптико-физиологических «промежуточных слоях», через которые мы, как правило, не замечая их, смотрим на мир. Или не замечаем совсем другой мир, в который они нас увлекают: в эдакий «абстрактный реализм» или «реалистическую абстракцию», где теряет смысл извечное противопоставление предметности и беспредметности, реальности и абстракции, где иначе соотносятся цвета и строится пространство. До этого, играя в гляделки с гипнотизирующим удавом советской реальности и так создавая его портрет, я был озабочен вопросом «что мы видим?», но тут удав сдох, и смотреть стало не на что — а привычка к напряженному вглядыванию осталась, побудив зрение перефокусироваться с результата на процесс, с общественного на личное.

Цикл «Разгуляй» создан сейчас — когда я вернулся к живописи после 12-летнего перерыва, озадаченный уже обоими вопросами одновременно: и «на что мы смотрим?», и «как?». Окружающая реальность вновь обрела гипнотичность, и так опять приковала мое внимание. При этом между ней и нашими глазами все множатся «промежуточные слои» — теперь психологические, социокультурные. Над их созданием поработали и технологические революции новейшего времени, включая «тотальную мобилизацию» (от слова «мобильник») зрения, и постмодерн, отменивший координатность и заменивший своей шизоидностью советскую паранойю, и гламур, затопивший все информационное и культурное пространство, подхвативший знамя соцреализма в деле подмены глянцевым миром реального, который вновь по умолчанию стал неказистым, неправильным, неинтересным. Вот я и попытался, создавая адекватный портрет новой эпохи, одновременно преодолеть навязываемые стереотипы и адаптировать «веяния времени»: отлить аутсайдерскую жизнь бомжей в эпические формы, соединить предельно демократичное — съемку мобильником — с качественной живописью, фотошопные приколы — с живописными приемами... Словом, всячески несовместное по всякому совмещается в попытке сотворить эдакий «новый синтез» из нынешнего культурного мусора.

Еще представляемые проекты связывает то, что при существенно разных их идеологии, философии, технологии производства, характере живописи etc. сквозной установкой проходит апелляция автора к личному опыту каждого зрителя: ему предлагалось и предлагается только то, что он и сам постоянно видит — просто в собственных версиях и своими глазами (в своих глазах).

Семён Файбисович

Открывается выставка работ Энтони Хопкинса

Tue, 16 Feb 2010 14:10:00 +0300

50 пейзажных рисунков и абстрактных работ авторства звезды фильма «Молчания ягнят» Энтони Хопкинса выставляются в лондонской арт-галерее Gallery 27.

Одна из работ Энтони Хопкинса

Первая британская экспозиция рисунков обладателя «Оскара» актера из Уэльса сэра Энтони Хопкинса открывается завтра в Лондоне в галерее Gallery 27. На ней будут представлены 50 пейзажных рисунков и абстрактных работ авторства звезды фильма «Молчания ягнят», которые уже выставлялись в США. Выставка будет проходить до субботы, после чего 2-го марта отправится в Эдинбургский собор, где продлится в течение 4 дней.

Хопкинс начал рисовать в 2002 году, он работает в своей студии в Малибу каждый день, «серьезнейшим образом относясь к своему искусству», если верить куратору выставки Джонатану Пулу. Во время экспозиции можно будет приобрести пять репродукций, выпущенных ограниченным тиражом.

«Затишье перед бурей»

Mon, 15 Feb 2010 14:01:00 +0300

18 февраля в Зимнем музее марки:ff в Центре современного искусства Винзавод будет представлена коллекция лучшего современного видео из Израиля. Проект «Затишье перед бурей» (18 февраля - 28 марта) станет вторым в серии выставок видеоарта и расскажет о последних достижениях одной из ведущих школ медиаискусства в мире. Специально для Зимнего музея известный куратор, директор Фонда современного израильского искусства Artis (Contemporary Israeli Art Fund) Вардит Гросс собрала в проекте «Затишье перед бурей» работы более десятка лучших видеохудожников Израиля.

Постер выставки

Яэль Бартана, Сигалит Ландау, Рои Розен, Эрез Исраэли, Ури Гершуни, Нелли Агасси, Ори Гершт, Эйнат Амир, Гэл Вайнштейн, Ури Нир, Том Пнини, Шахар Маркус, Дорон Соломонс исследуют моменты тихого ожидания, с которых, как правило, начинается самоанализ. В то время как израильское общество медленно переключалось с интересов коллектива на проблемы личности, перебиралось из кибуцев в город, израильское искусство уже двигалось в обратном направлении – к вопросам национальной идентичности и религии. Израильский видеоарт в новом поколении исследует напряженную атмосферу государства, которое вот уже 60 лет, с момента своего основания, живет в режиме условного мира и необъявленной войны.

В рамках проекта «Затишье перед бурей» Stella Artois и marka:ff продолжают традицию поддержки революционных открытий в сфере медиаискусства, выбирая самые актуальные имена – Сигалит Ландау, талант которой сделал израильский видеоарт интернациональным трендом, достойным коллекции крупнейшего музея современного искусства MоMA (Нью-Йорк), наряду с работами пионеров жанра - Нам Джун Пайка, Брюса Наумана, Пола Маккарти, Джоан Джонас и Джона Балдессари.

Ури Гершуни

Бесконечно красивое и поэтичное с позиций эстетики видео Сигалит Ландау под названием Deadsee, в то же время, - одна из самых сильных концептуальных работ проекта. Тело художницы, затерянное посреди гигантской спирали из пяти сотен арбузов, будто находится в ловушке, созданной собственными руками. Спираль постепенно разворачивается, обнаруживая безучастную плоскость воды, сладкую мякоть «раненых» плодов разъедает соль Мертвого моря, арбузы один за другим исчезают за кадром, подобно человеческим особям, навсегда растворившимся в небытии. Deadsee - это и cимвол Израиля, существующего в круге проблем, не имеющих решения, и знамя разочарованной любви Ландау к своей родине.

Сигалит Ландау

Мастерски смонтированные, часто лиричные видео Яэль Бартана – участницы крупнейших международных выставок (вроде «Документы», биеннале в Стамбуле и Сан-Паулу) - призваны ответить на вопрос: что значит быть израильтянином сегодня? В работе Trembling Time Бартана возводит в степень бесконечности один из самых печальных и торжественных моментов: в День памяти погибшим в войне за независимость звучит траурная сирена, на две минуты замирает весь Израиль, останавливаются машины, и люди опускают головы в знак скорби.

Яэль Бартана

Нира Перек в работе «Шаббат» документирует создание искусственной границы между ультраортодоксальными окрестностями Иерусалима и современным городом, когда накануне Шаббата на 24 часа временные барьеры разделяют центр двух религий на две части – с автомобилями и без. Нира Перек исследует это событие как ритуал, где ограждения – символы конфронтации, утверждающие четкую границу между священным и повседневным.

В центре внимания Эреза Исраэли темы смерти, памяти и жертвы во имя веры как в контексте современности, так и в сравнении с образами христианства и античной мифологии. В его работе «Без названия» мать держит на коленях погибшего на войне сына. Тема бесконечного военного конфликта переплетается с целой серией образов: это и «Пьета» Микеланджело, и миф о несчастном Икаре, и, конечно, образ Исаака на жертвенном алтаре.

Ори Гершт

В проекте «Затишье перед бурей» нет катастроф, есть только моменты до и после, но именно они призваны напомнить – буря приходит, когда ее меньше всего ждешь. Об этом на языке новой визуальности, тонко и изысканно, рассказывает лучшее видео Израиля. Насладиться моментами спокойствия и красотой нового искусства можно до 28 марта 2010 каждый день, кроме понедельника, с 12.00 до 20.00 в Центре современного искусства ВИНЗАВОД.

Восстановленный "Метрополис"

Thu, 28 Jan 2010 11:20:00 +0300

Пока мир отчаянно искал вырезанные из монументального шедевра Фрица Ланга эпизоды, в Аргентине на протяжении десятилетий крутили полную версию "Метрополиса". Когда пленка износилась, ее положили в архив.

Постер фильма

В преддверии премьерного показа самого полного на сегодняшний день варианта кинофильма Фрица Ланга (Fritz Lang) "Метрополис" (Metropolis) в Берлине открылась выставка "The Complete Metropolis". Впервые в одном месте собраны реликты, рассказывающие о создании фильма, его трагической прокатной судьбе и о многочисленных попытках реставрировать первоначальную версию "Метрополиса".

"Это один из самых грандиозных фильмов вообще. К тому же его окружает мифический ореол, возникший потому, что после премьеры картину радикально урезали. Удаленный материал считался безвозвратно утерянным. Но теперь у нас появились недостающие эпизоды, и они были использованы в новой реставрации. Все это и послужило поводом для выставки", - говорит Райнер Ротер (Rainer Rother), глава Фонда "Немецкая синематека" в Берлине, где 21 января открылась экспозиция "The Complete Metropolis".

Цель выставки, по словам Райнера Ротера, - показать художественный и технический процесс создания самого знаменитого фильма эпохи "великого немого".

Механический человек - совершеный человек будущего

Уникальная выставка

Длинный зал, разделенный на отсеки. Перегородки служат экранами, на которые проецируются отрывки из "Метрополиса". В витринах – бесценные экспонаты: подлинник сценария, партитура оригинальной музыки композитора Готфрида Хупперца (Gottfried Huppertz), эскизы костюмов и декораций, фотографии.

Экспонаты разделены по группам в соответствии с эпизодами фильма: нижний и верхний город, жилища рабочих и аристократов, катакомбы, дом изобретателя Ротванга. На эскизах, если присмотреться внимательно, можно обнаружить собственноручные ремарки Фрица Ланга.

На одном рисунке, там, где среди типично нью-йоркских небоскребов стоит небольшая церквушка, режиссер написал: "Церковь убрать. Прибавить Вавилонскую башню". Фриц Ланг неоднократно рассказывал, что его вдохновило на создание "Метрополиса": в 1924 году он посетил Нью-Йорк и был поражен видом, открывшимся ему с корабельной палубы. Под этим впечатлением был создан футуристический "верхний город".

Фриц Ланг на съемочной площадке

Но творение Фрица Ланга – это не зарисовка с натуры. "Метрополис" – это одна из первых в мире кинофантазий на тему большого города", - подчеркивает директор киноархива Немецкой кинематеки и один из главных реставраторов "Метрополиса" Мартин Кербер (Martin Koerber).

"Это один из первых научно-фантастических фильмов. В нем есть все. Отсылки к истории, эстетика 20-х годов: от экспрессионизма до Баухауза, футуризм, роботы и так далее. В США в нем усмотрели коммунистические тенденции. Коммунистическая пресса считала его фашистским. В нем много параллелей с христианской мифологией. В нем каждый найдет что-то для себя. Это фильм-монстр. Он монументален, видно, что это очень дорогой фильм, в нем есть какое-то безумие. Но при этом он совершенно логичен", - рассказывает Кербер.

27 тысяч статистов. 5 миллионов рейхсмарок стоили декорации. "Метрополис" стал самым дорогим проектом за всю историю немецкого немого кино. Студия UFA едва не обанкротилась. Несмотря на успех у критиков и приличные сборы, фильм так и не смог окупить расходы на его производство. А вскоре после премьеры в январе 1927 года в Берлине монументальное полотно сократили до "нормальной" продолжительности, урезав метраж почти на четверть. При этом были вырезаны эпизоды, важные для понимания сюжета. Удаленный материал считался безвозвратно утерянным.

Сенсационная находка

На протяжении последних десятилетий реставраторы из сохранившихся пленок собирали самые разные варианты "Метрополиса". В 2001 году была завершена реставрация, которая считалась наиболее приближенной к премьерному оригиналу. Но в 2008 году в киномузее Буэнос-Айреса была сделана сенсационная находка: была найдена 16-миллиметровая копия 35-милимметрового нитрофильма с оригинальной версией "Метрополиса", то есть - почти тот самый фильм, который зрители видели на премьере в Берлине в 1927 году. Почему почти?

В начале 20-го века копировальная техника была слабой, фильмы снимали сразу на несколько камер, чтобы из негативов монтировать несколько версий: для себя и на экспорт. Вот такая экспортная копия и попала в Аргентину и, к счастью, не была уничтожена. Удивительно, что в Аргентине полную версию "Метрополиса" крутили десятилетиями, даже не подозревая о том, что именно ее разыскивает весь остальной мир!

12 февраля в Берлине состоится новая премьера легендарного фильма Фрица Ланга. И теперь в нем уже не будет пропущенных сцен. Миф поблекнет? И что бы сказал по этому поводу сам режиссер?

"Он с большой горечью говорил о том, что фильм порезали против его воли и что он не согласен с сокращениями. Думаю, что наша версия понравилась бы ему куда больше, чем тот куцый вариант для американского проката", - уверен реставратор Мартин Кербер.

"В поисках чудесного" Леонида Тишкова

Fri, 22 Jan 2010 18:47:00 +0300

27 января 2010 в 19.00 состоится открытие ретроспективной выставки Леонида Тишкова "В ПОИСКАХ ЧУДЕСНОГО".

Избранные работы 1980-2010: инсталляции, живопись, объекты, графика, фотография, видео

Леонид Тишков — художник, рассказчик и визионер, ироничный и поэтичный одновременно. На нескольких этажах музея развернется тотальная инсталляция, представляющая созданные Тишковым за тридцать лет творческой работы вымышленные миры Даблоидов, Водолазов, Стомаков и других существ. Соединяя фольклор и сюрреализм, создавая романтические конструкции, обращаясь к теме памяти, работая с банальными сюжетами, художник всегда остается искренним, превращая искусство в визуальный театр. Главное для художника — смотреть на мир глазами ребенка, видеть в нем чудесные проявления и, в конце концов, самому превратиться в фантастическим существо.

Леонид Тишков — принципиальная составляющая пространства московского искусства, самодостаточный «бренд». Немногие из его современников сохраняют столь жёсткие и последовательные внутренние мотивации своего творчества. Он давно переступил за грань поиска самоидентификации в искусстве. Стратегия его движения в непрерывном мифотворчестве, в фактурном и чрезвычайно динамичном повествовании, где многообразие формы проистекает из непрерывно генерируемого многообразия содержания.

Экспозиция будет представлять собой путешествие из Нижнего мир через Срединный мир в Верхний мир. На 4 этажах, безотносительно времени создания произведений, расположатся инсталляции — рассказы. Нижний мир повествует о Даблоидах, Cтомаках, Водолазах, Чурках, и Живущих в хоботах. Срединный мир представлен биографическими вещами: Вязанник, Домашний труд, Взгляни на дом свой, В поле моего отца, Платье матери, и тд. Верхний мир обращается к небу: Разговоры с небесами, Небесные водолазы, Луна, Звезда, Сольвейг, Кругом свет, Ладомир.

На выставке также будет показана новая инсталляция Леонида Тишкова «В поисках чудесного», посвященная голландскому художнику Басу Яну Адеру, пропавшему без вести тридцать лет назад в Атлантическом океане.

«Фассбиндер: Берлин, Александерплац» на Винзаводе

Thu, 17 Dec 2009 16:19:00 +0300

22 декабря в Центре современного искусства "Винзавод" Stella Artois и marka:ff открывают Зимний музей, программа которого в этом сезоне полностью посвящена видеоарту. С 22 декабря 2009 по 14 февраля 2010 в зимнем музее будет показан классический фильм Райнера Вернера Фассбиндера "Берлин, Александерплац" (Berlin Alexanderplatz).

Кадр из фильма «Берлин, Александерплац»

Первый сезон зимнего музея марки:ff откроет мультимедийная выставка «Фассбиндер: Берлин, Александерплац» (Fassbinder: Berlin Alexanderplatz). В институте современного искусства KW главную работу лидера нового немецкого кино, писателя, сценариста, режиссера и актера Райнера Вернера Фассбиндера изучали в контексте видеоарта – так знаменитый эпос «Берлин, Александерплац» приобрел музейный формат и занял особое место в истории современного искусства. Фассбиндер умел заставить аудиторию смотреть на то, к чему зритель не привык или что не стал бы смотреть, будь оно снято иначе. В этой работе он объединил визуальный ряд и повествование в сложный коллаж, еще в начале 80-х предвосхитив многие художественные приемы современного кино. Так, у Фассбиндера сверкание размытых фонарей на углу Александерплац, где потерянный Франц Биберкопф торгует фашистскими газетами, рассказывает о теме власти, подчинения и манипуляции не менее красноречиво, чем закадровый текст и сюжетная линия.

Кадр из фильма «Берлин, Александерплац»

Роман Альфреда Дёблина «Берлин, Александерплац» Фассбиндер прочитал в пятнадцать, а, перечитывая много лет спустя, с удивлением признавался, что бессознательно цитировал его в собственных фильмах, находил в берлинском безработном под номером 673 583 себя, жертву и палача, а в атмосфере депрессивных 20-х свою многоликую страну, жестокую и виноватую перед целым миром.

Экранизация «Берлин, Александерплац» - 15-часовой эпос о равнодушии и презрении, зарождающемся фашизме и бессилии человека - заняла у режиссера год и в 1980-м вернула в широкий круг чтения одноименный роман Дёблина. Почти через 30 лет, в 2007-м, сериал, воспроизведенный на 35-миллиметровой пленке, стал хитом 57-го Берлинского международного кинофестиваля и «главным кинособытием года» по оценке одной из ведущих газет германии frankfurter allgemeine zeitung. Закономерным продолжением такого успеха в апреле 2007 стала выставка в нью-йоркском Музее современного искусства (museum of modern art/moma).

Кадр из фильма «Берлин, Александерплац»

Мечта Фассбиндера – зритель, который посвятит 15 часов своей жизни непрерывному просмотру фильма «Берлин, Александерплац». На такой показ не решался ни один из телеканалов. В зимнем музее знаменитый сериал можно будет посмотреть весь и сразу, или по частям – в пространстве экспозиции каждый закольцованный эпизод будет демонстрироваться независимо.

«Бегство в действительность» (говоря словами пионера медиаискусства Вольфа Фостеля) на выставке «Фассбиндер: Берлин. Александерплац» можно совершить до 14 февраля 2010, со вторника по воскресенье, с 12.00 до 20.00. Выходные: 31 декабря и 1 января.

За день до принятия "Генплана" Москвы до 2025 года -

Thu, 17 Dec 2009 12:55:00 +0300

Во вторник, 22 декабря, 18.00 - 22.00, в одноэтажном особняке на улице Россолимо, дом 8 (так называемый "шведский домик", м. «Парк Культуры») состоится однодневная выставка «Генплан».

По Генплану здание ЦДХ подлежит сносу

А 23 декабря правительство должно принять Генплан Москвы до 2025 года. Этот план утверждает последовательную деградацию города на предстоящие 15 лет и являет собой победу коммерческих интересов над здравым смыслом. Работы молодых московских художников, представленные на выставке, так или иначе отражают существование в городе, враждебном человеку. Место проведения выставки – редкий сохранившийся фрагмент человечного прошлого Москвы. Одноэтажный особняк с фруктовым садом, зажатый многоэтажками, сохранился чудом: по сути, он вообще не в России - а в собственности шведского государства. Устройство дома отчасти структурирует выставку.

Среди участников выставки: Алекс Булдаков, Александра Галкина, Анна Желудь, Арсений Жиляев, Дмитрий Котов, Диана Мачулина, Александр Можаев, Анастасия Рябова, Хаим Сокол, Давид Тер-Оганьян.

Первая работа, на веранде – объекты Хаима Сокола из серии «Котлован». Именно с котлована начинается любая стройка, но у нас она может им и закончится, достаточно вспомнить гостиницу «Россия».

В коридоре выставлены работы, на первый взгляд имеющие весьма отдаленное отношение к теме города. Серия Анастасии Рябовой «Триллионы» - цифры со множеством нолей и фроттажи Александры Галкиной, монеты, протертые цветным карандашом через бумагу, напоминающие абстракции Злотникова. Но ведь и Генплан-2025 – это план циркуляции крупных денежных сумм, только об этом в нем речь и идет.

Из коридора с капиталами открывается дверь в город абсурда, в котором ничем нельзя пользоваться по назначению. Антифункциональность объектов Арсения Жиляева, только напоминающих предметы мебели, продолжается в картинах Дианы Мачулиной с реальными городскими объектами, сделанными против всякой архитектурной логики – порождениями равнодушия к цели их существования. Картины Анны Желудь – пейзажи, обведенные жестким черным контуром. Архитектурные планы и чертежи становятся прутьями клетки, в которую горожанина посадили прожектеры.

"Апельсина" Нимейера на месте ЦДХ по Генплану не будет

Если город не учитывает интересов горожанина, он погибнет. Противостояние чревато катастрофой. В следующей комнате на холстах Давида Тер-Оганьяна взрываются церковь и небоскреб, им вторит извергающийся вулкан. В картинах Алекса Булдакова – мирная субурбия, но и туда долетают осколки происшествия в мегаполисе.

В спальне – абстракции Дмитрия Котова. Люди предпочитают не вникать в конкретные обстоятельства реальной жизни, чтобы спать спокойно. Большинство москвичей, 83%, Генплана не видели, и могут отдыхать до тех пор, пока их собственная территория не станет «зоной реорганизации» и они не ознакомятся с ним на собственной шкуре.

Выставка также включает документальный проект краеведа-концептуалиста Александра Можаева «Фотосравнения». В толстого «семейном» фотоальбоме представлены парами фото одного и того же московского пейзажа в 1980-90-е и сейчас. На снимках 80-х и 90-х можно видеть «родственников», с которыми было уютно, «предков», которые нас воспитали. Теперь мы живем в окружении «пришельцев», находящихся на низшей ступени развития по отношению к землянам, он тем не менее захватившим столицу России. Целиком проект можно будет увидеть в декабре 2009, в корпусе «Руина» Музея Архитектуры им. Щусева.

«Москва актуальная»

Wed, 16 Dec 2009 18:32:00 +0300

Московский музей современного искусства и Галерея XL представляют выставку в рамках программы «Москва актуальная» Константин Звездочетов. «Не выдержал».

Выставка Константина Звездочетова открывается в рамках празднования 10-летия Московского музея современного искусства. Творческий тандем музея и галереи XL сложился в ходе работы над программой «Москва актуальная», которая успешно существует уже более 3 лет. «Москва актуальная» — это цикл больших монографических выставок, освещающих новейшее российское искусство. В рамках программы были показаны работы Айдан Салаховой, Виктора Пивоварова, Бориса Орлова, Олега Кулика, Ирины Кориной, Владислава Ефимова, Аристарха Чернышева, Алексея Шульгина.

Константин Звездочетов — один из крупнейших художников актуального российского искусства. Он один из самых ярких фигурантов квартирных выставок в галерее АПТАРТ — центре неофициального искусства 80-х, лидер «новой волны», внедривший в «суровое» тело московского концептуализма яркую и бесшабашную уличную культуру, рок-н-рольный драйв и разнузданную энергетику настоящей поэзии. Звездочетов — активный член группы «Мухоморы», одного из самых ярких явлений русского андерграунда 80-х и «играющий тренер» группы «Чемпионы мира» начала 90-х. Он практически единственный из всех членов обеих групп, не оставивший благородное занятие искусством даже в самые тяжелые годы для актуального искусства.

Самый выставляющийся художник Москвы, Константин Звездочетов никогда не имел в столице полноценной ретроспективы. Проект «Не выдержал» в Московском музее современного искусства призван восполнить этот пробел.

Интрига выставки сознательно не раскрывается — Константин Звездочетов готовит зрителям сюрприз. На четырех этажах здания Московского музея современного искусства в Ермолаевском переулке разместятся инсталляции и живописные работы художника. Будут представлены как новые, так и хорошо известные произведения Константина Звездочетова, в том числе работы из коллекции Государственной Третьяковской галереи.

Куратор программы – Елена Селина