Kinote.info

«Кино и мода в Кёнигсберге: 1920 – 40-е»

Mon, 25 Jul 2011 18:19:00 +0400

Выставка «Кино и мода в Кёнигсберге: 1920 – 40-е» откроется 4 августа в музее «Фридландские ворота». Посетителям расскажут о влиянии кино на повседневную моду и стиль жизни, познакомят с кумирами 1920-30х годов и малоизвестными сторонами культурной жизни Кёнигсберга, об уроженцах города, снискавших славу в кинематографе, об удивительной судьбе графини Веры фон Лёндорф (Верушки).

В Кенигсберге было много кинотеатров, кино горожане любили, а дамы стремились выглядеть модно и привлекательно. Мы предлагаем обзор кинотеатров Кенигсберга (фото), знакомство с кинорепертуаром тех лет (афиши, кадры из фильмов), рассказ об «иконах стиля» – наиболее популярных актрисах (фото, тексты), - говорят в музее.

На выставке также экспонируются подлинные платья 1930-х годов из коллекции историка моды, ведущего «Модного приговора» А. Васильева (Париж, Франция).

Выставка пройдет до 2 октября. Вход с 10.00 - 17.00, без выходных.

Испанский кинематограф - Визуальная хроника

Thu, 21 Jul 2011 23:43:00 +0400

В Санкт-Петербурге в выставочном зале Парадного корпуса РОСФОТО с 28 июля по 4 сентября пройдет выставка «Испанский кинематограф - Визуальная хроника», предоставленная Посольством Испании и Центром ADELANTE.

«Неидеальное убийство». Реж. Фернандо Фернан Гомес. 1970 г.

Фотографии историка кино Хесуса Гарсия де Дуэньяс посвящены испанскому кинематографу. Выставка в РОСФОТО представляет собой визуальную хронику уникального явления, которое с момента своего возникновения в 1896 году и по сей день развивается в русле европейской кинематографической традиции и не теряет при этом национального колорита. Более ста сорока фотографий, многие из которых практически неизвестны широкой публике, познакомят петербургских зрителей с выдающимися мастерами испанского кино и созданными ими фильмами.

«Марселино, хлеб и вино». Реж. Ладислао Вахада. 1954

Экспозиция открывается историей первых десятилетий испанского кино, представляет его отличительные черты и стилистические особенности, коротко останавливаясь на знаковых работах, и завершается снимками, которые демонстрируют наиболее характерные для кинематографа Испании мотивы и темы. Эта выставка отражает процесс эволюции испанского кино. По словам бывшего директора Испанской киноакадемии Хосе Луиса Борау, испанский кинематограф «переживает сейчас свой лучший период», что свидетельствует о его цельности и многообразии, независимости и актуальности, отражающихся в растущем признании публикой и критиками.

Ежедневно с 11 до 19.

Адрес: ул. Большая Морская, 35.

Билл Виола. Вознесение Изольды (световая форма в посмертном пространстве)

Tue, 12 Jul 2011 19:42:00 +0400

Московская галерея Stella Art Foundation в Скарятинском переулке представляет с 13 июля по 20 августа инсталляцию великого видеоартиста современности Билла Виолы (Bill Viola) «Вознесение Изольды» (световая форма в посмертном пространстве) /Isolde’s Ascension (The Shape of Light in the Space after Death), которая входит в коллекцию Фонда.

Билл Виола. Вознесение Изольды (световая форма в посмертном пространстве) Одноканальная видеоинсталляция со звуком. 10 мин. 25 сек. 2005 Фото: Кира Перов

Стелла Кесаева, президент Stella Art Foundation в преддверии выставки сказала: «В 2005 году в парижском Опера де Бастий оркестр Мариинского театра под управлением маэстро Валерия Гергиева исполнил оперу Рихарда Вагнера, где на сцене вместо декораций была инсталляция Билла Виолы. Я присутствовала тогда на премьере, и она произвела на меня сильнейшее впечатление. В 2008 году мной было принято решение поддержать инициативу Валерия Абисаловича, показав оперу Вагнера в Петербурге на музыкальном фестивале «Звезды белых ночей». Тогда Stella Art Foundation выступил соорганизатором российской премьеры. Я рада, что сейчас Фонд имеет возможность представить часть инсталляции Билла Виолы в Москве».

«Вознесение Изольды» – одна из частей масштабного «Проекта Тристан» Билла Виолы, вдохновленного оперой (музыкальной драмой) Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда». В нем вместо повествовательной интерпретации оперного сюжета художник создает автономный визуальный мир, существующий параллельно происходящему на сцене.

Фильм Виолы буквально внедряет зрителя в массу воды, сквозь которую, медленно нарастая, пробивается луч света. В какой-то момент его движение поднимает из глубины облеченное в светящиеся одежды тело Изольды, чтобы вознести ее ввысь. Затем, столь же медленно, как и возникал, световой луч угасает, погружая экран в темноту. По словам самого Билла Виолы: «"Тристан и Изольда" Рихарда Вагнера – история любви настолько глубокой и сильной, что она не способна уместиться в материальных телах влюбленных. И для того, чтобы дать ей проявиться в полную силу, Тристан и Изольда в конце концов должны выйти за пределы собственной жизни».

Однажды в детстве Виола чуть не утонул, и этот экстремальный опыт воплотился в образе воды, непрестанно повторяющемся в его творчестве. Для этого художника вода, как и другие силы природы, является эквивалентом мощных человеческих чувств. Возможно, именно это привлекло его в музыке Вагнера, для которого, по словам Виолы, «музыкальные инструменты были воплощением натуральных стихий – нечеловеческого мира, где страсть неукротима, пульсирует, кипит и не поддается никакому контролю – будь то море, ураган или чувство внутри тебя». Виола делает эти первичные мировые силы зримыми. Его медленное видео, сопровождающееся объемным звуком или оглушающей тишиной, переносит зрителя в пространство всепоглощающего созерцания.

Билл Виола (Bill Viola) (род. 1951) - всемирно известный художник, один из авторов, способствовавший утверждению видео-арта в качестве важнейшей формы современного искусства. В течение почти 40 лет он создает видеофильмы, монументальные видеоинсталляции, звуковые энвайронменты и электронно-музыкальные перформансы. Его средовые видеоинсталляции используют высокие технологии, отличаясь при этом ясностью и простотой. В своем творчестве Виола не устает исследовать горизонты чувственного восприятия, понимая его как способ самопознания. Его произведения неизменно сфокусированы на универсальном человеческом опыте – рождении, смерти, жизни сознания - и отсылают к большой совокупности духовных традиций, начиная с христианского мистицизма и кончая исламским суфизмом и дзен-буддизмом.

Адрес: Скарятинский переулок д.7

Выставка «Дистанции» – толерантность против нетерпимости в Ижевске

Fri, 08 Jul 2011 18:23:00 +0400

Выставка современного искусства, посвященная проблеме нетерпимости, проходит в Ижевске в редакции газеты «Известия Удмуртской Республики». Люди делят мир на две категории по принципу «нравится - не нравится». И не всегда они готовы мириться с «не такими». Толерантному отношению к окружающим призывает эта экспозиция.

Участниками выставки являются Комитет 19 января «Искусство против нацизма»; Владислав Ефремов «Киргизия», «Иммигранты»; Николай Богданов «Я люблю Ижевск»; Алексей Иорш «Будни террористов»; Владимир Потапов «Почти Россия»; Паша Чикамото «Лицемерие»; Алина Гуткина «I am boy». Выставка объединила в себе работы разных фотохудожников из Ижевска, Москвы, Волгограда. Тема нетерпимости актуальна как для малых, так и больших городов. Стены редакции увешаны фотографиями, сделанными в Москве, селах Киргизии, Ижевске, Тель-Авиве, Петербурге.

Серия работ «Stranger» посвящена молодому человеку, приехавшему в Израиль из одной маленькой африканской страны, название которой и мало кто знает. На снимках отражена вымученная, затравленная улыбка нелегала в чужой стране.

Серия карикатур «Будни террористов» родилась после терактов в Домодедово. По замыслу автора, терроризм стал частью нашей жизни. И живя на такой «пороховой бочке» мы продолжаем творить, любить, рожать детей и смеяться. «Почти Россия» - это та Россия, которую видит автор, отличная от страны, предлагаемой официально. Эта позиция выявляет коррумпированность, авторитарность, ограничение свобод, в том числе ксенофобию. «Искусство против нацизма» - подборка работ, размещенных в московском метрополитене.

«I am a boy who likes a boy» - акция, в ходе которой создатель граффити писал на стене о своей любви к мужскому полу. Суровый «граффитчик» в результате оказался девушкой.

Цикл «Киргизия» рассказывает о последствии гражданского конфликта в стране в 2010 году между узбеками и киргизами. На снимках город Ош и пострадавшие узбеки.

«Я люблю Ижевск» - в работах отражается насколько глубоко неонацисты и правые радикалы, стали частью нашего города. Через призывы, полные ненависти горожане становятся жертвой ксенофобии.

По словам главного редактора «Известий...» Энвиля Касимова, открывшаяся выставка - это выставка-поступок. От лица организаторов творческого объединения «Колесо» Анастасия Евдокимовская рассказала, что живя в Москве 2 месяца в году, очень четко видишь проявления не толерантного отношения к людям, «Ты идешь в университет - на территории работают мигранты, заходишь в магазин - они там выкладывают продукты». Анастасия выразила надежду, что посетив выставку, каждый хотя бы для себя найдет ответ на вопросы отношения к «не таким» людям.

Вход для всех - свободный.

Часы работы - 10:00 до 18:00.

Адрес: галерея газеты «Известия УР», ул. Пастухова, 13-б.

По материалам «Сусанин», «Аргументы в Ижевске»

«ГлобаЛица» обладателя Национальной премии «Лучший фотограф-2010»

Mon, 27 Jun 2011 11:50:00 +0400

С 30 июня по 21 июля 2011 в комплексе «Башня на Набережной» Москва-Сити пройдет персональная выставка «ГлобаЛица» обладателя Национальной Премии «Лучший фотограф-2010» фотохудожника Маши Князевой.

В центре чопорного офисного Сити разместится ряд шокирующе-смелых фотоинсталляций, посященных протесту против корпоративной культуры, проблемам глобализации, социальным и моральным трансформациям в условиях стремительно меняющегося мира.
Антология непристойных жестов, портреты исторических икон, воссозданные с помощью поп-корна, крылышек Ростикс, чипсов и презервативов, фруктово-ягодные портреты актеров и продюсеров TB — будут представлены в рамках выставки на протяжении всего 3-х недель.

Как выглядело бы Второе пришествие в эпоху глобализации? Какие слабости были бы у юной Нефертити, живи она в наше постиндустриальное время? И есть ли что-то общее между человеческими типажами тысячу лет назад и сейчас? Именно этими вопросами задалась фотохудожница Маша Князева, завоевавшая Первую Национальную премию «Лучший фотограф-2010» в номинации рекламное фото.
Международное жюри Премии, сформированное из ведущих специалистов отечественной и зарубежной фотоиндустрии, возглавил сам Дэвид Кларк - руководитель фотографического направления галереи Tate в Лондоне. Всего на конкурс было подано около 20 000 работ.

Примечательно, что выигравшая серия провокационных фото для социальной рекламы в этом году впервые обошла традиционные декоративные кадры с брызгами и каплями воды на стекле, оставив им лишь 2-ое и 3-е место. По словам автора, «Серия ГлобаЛица — размышления о последствиях глобализации. Цикл портретов известных исторических личностей, воссозданных средствами фастфуда - не простое стремление к театральности. В чем-то предостережение, в чем-то предсказание, в чем-то - отражение современных социальных тенденций, эта серия не была создана, чтобы насмешить. Скорее, чтобы заставить людей задуматься».

Маша Князева родилась в 1976 году в Москве. Победитель ряда международных арт-конкурсов, член Союза фотохудожников России и Союза дизайнеров Москвы. Участник выставок в Москве, Берлине, Вене, Барселоне, Санкт-Петербурге, Перми, Челябинске. Работы находятся в коллекции Московского Музея Современного Искусства (ММСИ).

На открытии выставки ожидается выступление Александра Царовцева и группы «Девять».

Начало вернисажа в 18-00. Вход свободный.

Куратор - Петр Войс, галерея С'АРТ.

Технический партнер выставки – профессиональная лаборатория FOTOLAB.

Адрес: Москва, комплекс «Башня на Набережной», блок А, Пресненская набережная, д. 10, 1 этаж

Нью-Йорк, тогда и сейчас

Thu, 23 Jun 2011 23:05:00 +0400

Российская академия художеств и Московский музей современного искусства представляют с 28 июня — 31 июля 2011 выставку «Нью-Йорк, тогда и сейчас».

Нью-Йорк, легендарный «город, который никогда не спит», неизменно оказывается в фокусе миллионов объективов. Включая телевизор, отправляясь в кино, листая газеты и журналы, вы непременно увидите изображение Нью-Йорка, будь то статуя Свободы, здание Биржи на Уолл-стрит, Таймс-сквер, Центральный Парк, Кони-Айленд или один из множества небоскребов, испещривших облик города.

Выставка «Нью-Йорк, тогда и сейчас» московского куратора Андрея Мартынова путешествует по России уже два года. В дальнейшем она побывает в Венгрии, Германии и Франции, после чего завершит турне в Нью-Йорке в 2012 г. Проект — емкая подборка снимков Нью-Йорка, увиденного глазами 29 фотографов из разных стран, среди которых любители и профессионалы, уже ушедшие и ныне живущие. Хотя речь идет о жизни в отдельно взятом городе, по сути, перед нами разворачивается универсальная история, применимая к любому городу и каждому человеку. Мы работаем и играем, живем и умираем. В немалой степени это еще и история каждого автора, поскольку и в выборе объекта и в манере съемки проявляется индивидуальность фотографа: его интересы, чаяния, характер.

В фокус севильянца Карлоса Эсколастико попадает жизнь людей и среда их обитания, будь то бездомный бродяга на улице или пресловутый интеллектуал в своей крохотной загроможденной квартирке, забитой предметами искусства и книгами. Сразу для ряда фотографов, включая россиянина Валерия Орлова и ньюйоркцев Дженнифер Драккер, Артура Лейпцига, Аниту Черневски и Джил Коннор, Нью-Йорк воплощается в древнем, истрепанном непогодой облике бруклинского Кони-Айленда, в прошлом легендарного парка аттракционов рубежа 19-20 вв. Снимки Барри Корнблю, многие из которых он сделал из окна собственной квартиры в центре Нью-Йорка, отражают джазовый лик города. Фотографии Уолтера Розенблюма (1919-2006) и Артура Лейпцига переносят нас в Нью-Йорк 1940-х. Немка Керстин Дробек преображает общественные помещения, помещая в их пространство несколько срежиссированных хепенингов. Американка Марси В. Харган и поляк Збигнев Кост снимают блистательную нью-йоркскую архитектуру в разные времена года, а Эдвард Рубин наглядно доказывает, что, вопреки всем переменам, развлечения, люди и их жесты практически не меняются. Его фотография инсталляции Христо и Жанны-Клод с 7503 шафранными воротами в Центральном парке (2005), как отражение в зеркале, напоминает картину Жоржа Сёрра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (1884-1886).

Адрес: Тверской б-р, 9.

В «Гараж» провели свет

Wed, 15 Jun 2011 17:19:00 +0400

В центре современной культуры «Гараж» открылась первая в России выставка знаменитого американского художника Джеймса Таррелла (James Turrell): двадцать световых инсталляций, голограмм и архитектурных макетов для грандиозного проекта в кратере Роден. В царство света погрузилась АННА ТОЛСТОВА.

Выставка начинается с последней большой работы Джеймса Таррелла — точно такую же показывают сейчас в основном проекте Венецианской биеннале. Огромная стерильно-белая комната-капсула, внутри которой человек, завороженный игрой света, медленно перебирающего все звуки гаммы цветового спектра, от алого до фиолетового, совершенно теряет чувство времени и пространства. В этой световой ванне вы перестаете ощущать свой вес и земное притяжение, превращаясь в чистое зрение, и этим чистым зрением вдруг неожиданно понимаете, что задней стенки у комнаты нет и что плотная на вид поверхность проницаема, а за ней — пустота, заполненная светом, который, кажется, можно почувствовать на ощупь.

Инсталляция имеет двойное название: «Ganzfeld / Пуруша». Первая часть напоминает, что в университете Джеймс Таррелл изучал психологию восприятия: ganzfeld effect, исследованный одним из корифеев гештальт-психологии Вольфгангом Метцгером, состоит во временной слепоте, вызванной тем, что мозг отключает однотипные сигналы, которые посылает ему глаз, долго смотрящий на однородное поле цвета,— так люди слепнут посреди снежной пустыни. И хотя сам Джеймс Таррелл постоянно подчеркивает, что в основе его опытов со светом лежат природные впечатления — то, что может увидеть пилот, летящий навстречу рассвету (художник получил пилотскую лицензию в 16 лет), или каждый, кто смотрит в бескрайнее чистое небо, любая его работа — результат точного научного расчета. Вторая часть названия отсылает к индуистской философии, к чистому духу как космическому началу, словно бы говоря, что при всей научности этих сложных инженерных конструкций из светодиодов и отражателей речь идет об искусстве родом из эпохи психоделической революции, радостно мешавшей религиозные экстазы с художественными.

Самые ранние вещи на ретроспективе — световые проекции конца 1960-х: цветные лучи, падающие на угол комнаты так, что кажется, будто в ней возникает геометрическая скульптура из света. Первую такую проекцию Джеймс Таррелл выставил в 1967 году в Художественном музее Пасадены, но ее революционного смысла тогда никто не понял. В «Гараже» можно получить представление практически обо всех жанрах, в которых работает художник. Здесь есть инсталляции, сделанные как резервуары света, обволакивающего зрителя со всех сторон. Есть театральные инсталляции, в которых зритель смотрит из темного зала на подмостки, где свет то и дело меняет роли, представая то плоскостью, то углублением. Есть целая галерея картин-голограмм. Есть еще один замечательный аттракцион — инсталляция с опять же двойным названием «Камера восприятия / Падение светового господства»: огромный металлический шар, похожий на космический спутник, внутрь которого зритель въезжает на кушетке, как пациент — в утробу магнитно-резонансного томографа, чтобы увидеть световой спектакль. И этот шар, и ассистенты в белых халатах — все похоже на сцену из какого-то научно-фантастического фильма. Джеймс Таррелл действительно немного работал в кино, в частности делал спецэффекты для «Космической одиссеи» Стэнли Кубрика.

Такой же научно-фантастический вид имеют архитектурные макеты — сооружения чистых геометрических форм, напоминающие одновременно утопии Клода Никола Леду и Николая Ладовского, которые предназначены для самого масштабного проекта Джеймса Таррелла, связанного с кратером Роден. В 1979-м художник приобрел землю с этим потухшим вулканом в Аризоне, чтобы преобразовать его в нечто вроде обсерватории, музея и храма света. Таррелловский проект наряду с такими шедеврами лэнд-арта, как «Спиральный мол» Роберта Смитсона и «Поле молний» Уолтера де Марии, поддерживает DIA Art Foundation. Хотя то, что задумано в кратере Роден, ближе все же не к лэнд-арту, а к капелле Ротко. В полотнах хьюстонской капеллы Марк Ротко смог дематериализовать цвет, освободить его от плоскости картины с тем, чтобы событие искусства происходило внутри созерцающего. Своими световыми инсталляциями Джеймс Таррелл поставил последнюю точку в истории американской абстракции: освободил свет от картины как носителя, показав его самодостаточность и материальность. Но чем более материален свет в руках художника, тем явственнее спиритуальный отклик зрителя на его работу.

Джейм Таррелл

Джеймс Таррелл: «Я отделяю пространство от времени»

Перед открытием своей выставки в «Гараже» Джеймс Таррелл поговорил о свете с АННОЙ ТОЛСТОВОЙ.

Современное искусство стремится перейти свои границы и сблизиться с театром, кино или музыкой. Вы же работаете со светом — средством выражения, характерным в первую очередь для визуального искусства. Думаете, что сугубо визуальные средства в искусстве еще не исчерпали себя?

В искусстве важен не столько формат, сколько то, что оно может нам сообщить. Я все еще люблю живопись и до сих пор нахожу в рисовании не меньше смысла, чем в конструировании световых инсталляций. Искусство боролось за свободу от ограничений, и сейчас художник может заниматься перформансом, видео и чем угодно, но часто безграничная свобода не дает сосредоточиться на чем-то одном и найти свой путь. Мне посчастливилось: меня заинтересовал свет как таковой — не свет, каким он бывает в кино или на видео, а свет, как он есть и каким его можно увидеть. Я просто хочу сказать, что иногда ограничения бывают полезны.

А как вы нашли свой путь и начали работать со светом?

Самое сложное — это понять свет как форму. Это вам не глина или воск, которые можно размять в руках. А как поймать свет? Как он работает? Я шел на ощупь, шаг за шагом. На моей московской выставке показано, как все развивалось, как от угловых проекций 1960-х я пришел к большим комнатам света вроде "Ganzfeld", которую можно увидеть также и на Венецианской биеннале. Мне очень помогли мои университетские занятия психологией восприятия. Постепенно у меня составился своего рода словарь света, но я до сих пор учусь. Много времени ушло на то, чтобы понять, что свет — это всегда пространство. Думаю, то же самое происходит и у людей, работающих со звуком, которые постепенно осознают, что звук — это акустическое поле.

По вашим работам видно, что вы изучали психологию восприятия. Но кажется, что в ваших световых инсталляциях помимо сложно выстроенных оптических эффектов есть ощущение драмы — они очень театральны. Вас интересует только оптика или другие виды восприятия тоже?

Здесь возникает и физическая реакция: вы как бы купаетесь в свете и ощущаете это глазами и кожей, почти физически. Но важна также и эмоциональная реакция: вы переживаете безвременность этого пространства, я отделяю пространство от времени. И я прекрасно понимаю, что в этом мое искусство совсем не современное. Я не занимаюсь вопросами стиля, не отвечаю на запросы эпохи — мне интересны внутренние состояния, эмоции. Как говорила мне моя бабушка, загляни внутрь себя — и увидишь свет.

Какие художники, занимавшиеся проблемой света, были важны для вас?

Тернер — он изумительный и совершено необычный. Я давно заметил, что самые чувствительные к свету художники обычно рождаются на севере, где свет — это что-то вроде драгоценности. Понимаете, Скандинавия, Британия, Нидерланды и уж тем более Россия — это совсем не то, что юг Франции. Там, где темные зимы, люди гораздо тоньше воспринимают свет. Я в некотором смысле исключение: родился в Калифорнии. Другой очень важный для меня мастер — это Ротко с его интересом к тому, как выразить возвышенное с помощью света и красок. И еще Эд Рейнхард — совершенно недооцененный художник. Мне, конечно, всегда были интересны Караваджо и караваджисты, но это типично южное восприятие света — он у них холоден и элегантен.

В классическом искусстве свет всегда был метафорой откровения и имел религиозные коннотации. Современное искусство религию, как правило, отвергает. Можно ли сказать, что ваши световые инсталляции — это своего рода храмы, возвращающие нас к религии?

В храмовой архитектуре свет всегда один из главных элементов. Вы входите в церковь, и то, как свет проникает в алтарь через витражи, сразу сообщает вам особое чувство — гораздо более сильное и властное, чем то, что возникает от чтения священных текстов. Я прекрасно отдаю себе отчет в том, что свет несет религиозный, идеалистический смысл, и меня это нисколько не смущает. Я из семьи квакеров и вырос в общине идеалистов, в которой идеям коммунизма, боюсь, следовали гораздо строже, чем здесь, в России, где так легко от них отказались. Впрочем, я не занимаюсь политикой или религией. Люди часто видят ослепительный свет в снах, но, когда они просыпаются, свет исчезает. Я лишь хочу, чтобы этот свет из снов оставался с нами после пробуждения, проник из идеального мира в физический. Искусство всегда об этом — о расширении физической реальности.

Джеймс Таррелл. The Wolfsburg Project

Вы обмолвились, что не занимаетесь политикой. Однако когда вы вернулись из Вьетнама, вы примкнули к пацифистскому движению, были активным борцом за мир и даже сидели в тюрьме. Вы полагаете, что политикой надо заниматься в реальной жизни, а не в искусстве?

Да, за антивоенные выступления я попал в тюрьму, это разрушило мой брак, мою семью, и я до сих пор об этом сожалею. Знаете, в жизни бывают такие моменты: вы словно бы оказываетесь на сцене, в луче света, иногда вы переигрываете, иногда недоигрываете, очень трудно найти середину. Жизнь ставит вас в такие условия, когда не участвовать в политической жизни невозможно. Хотя для искусства это не всегда полезно. Ваши великие художники Родченко, Лисицкий — они поддерживали политический режим, который в итоге их пожрал. Но чем старше вы становитесь, тем больше понимаете, что формы политической и социальной жизни постоянно меняются — смотрите, как изменилась общественная реальность с приходом электронной почты и Twitter,— а искусство в своих глубинных основах остается неизменным.

Архитектурные модели для вашего проекта в кратере Роден, которые здесь выставлены, напоминают работы архитекторов эпохи Великой французской революции — Булле, Леду…

Да, но также и Мельникова. Я очень хотел посмотреть дом Мельникова, и то, что я увидел, весьма прискорбно. Русский конструктивизм оказал такое колоссальное влияние на мировое искусство, а здесь он никому не нужен и лежит в руинах…

Да, к сожалению. Но я хотела спросить о другом. Эпохи, породившие утопическую архитектуру Леду и Мельникова, были одержимы идеей изучения света, будь то извержения Везувия или опыты с солнечной энергией. Почему утопию всегда влечет идея света?

Люди всегда стремятся к свету, в утопию, чтобы жить в соответствии с идеалами, но это редко кому удается. Моя семья жила в такой идеалистической общине, но мне пришлось уйти оттуда: они не верили в мое искусство, поскольку искусство считалось суетным занятием. Знаете, сейчас, когда я приезжаю на биеннале в Венецию, где все только и заняты что вечеринками, я, бывает, и подумаю: действительно, совершенно суетное занятие.

Можно ли сказать, что своей работой со светом вы пытались переубедить свою семью?

Боюсь, это было бы невозможно. Когда я купил землю с кратером Роден, мои родственники решили, что я наконец взялся за ум и обзавелся ранчо. И были очень разочарованы.

«Гран-парад» Федерико Феллини в Лозанне

Tue, 14 Jun 2011 18:27:00 +0400

Музей фотографии Musée de l’Elysée отмечает пятидесятилетие «Сладкой жизни» необычной выставкой, приоткрывая внутренний мир легендарного итальянского режиссера через визуальные образы: те, что возникали в воображении Феллини, не давая ему покоя, и те, которые он создавал сам, предоставляя полную свободу наваждениям подсознания...

Анита Экберг и Марчелло Мастроянни, «Сладкая жизнь», 1960 (Courtesy Collection Christophe Schifferli, Zurich)

«Мне кажется, что я все время снимал один и тот же фильм: это образы, ничего более, чем образы, которые я заснял, используя один и тот же материал, быть может, каждый раз интерпретируя его с разных точек зрения», - Федерико Феллини.

Федерико Феллини между кинематографом и фотографией: выставка, подписанная куратором лозаннского Musée de l’Elysée Сэмом Стурдзе, сама по себе представляется тонким и умным произведением искусства, а ее визуальный ряд достоин игривых фантасмагорий создателя «Сладкой жизни» и «8 ½». Афиши, отрывки из фильмов, фотографии со съемочной площадки, вырезки из журналов и газетных статей – о Феллини и сделанные Феллини, - эскизы персонажей, рисунки из знаменитой «Книги снов», неисчерпаемого репертуара навязчивых идей итальянского режиссера… В этом пестром калейдоскопе мыслей, образов, событий и эпизодов находит отражение и постепенно вырисовывается из отдельных кусочков фигура виртуозного мастера и смысл его творений, блуждающих на грани реальности и воображения, иллюзии и ее кинематографического перевоплощения.

Федерико Феллини, март 1955 г. (Courtesy Collection particulière, Paris)

Для Феллини – и Сэм Стурдзе мастерски передал это ощущение концепцией своей выставки, - кинематограф ― способ познания мира, себя, других. Отношения между образами реальности, их восприятием и созданием иллюзии остаются неоднозначными, а их интерпретация превращается в бесконечную игру. Кинематограф и его создания рассказывают о мире, не копируя реальность, а утверждая свою независимость от нее: предлагают не отображение действительности, а проекцию этого отображения. Феллини играет со значением визуального образа в современной культуре, проверяет на «вшивость» передаваемые изображением смыслы – словно измеряет границы медиатизации современной действительности, в которой любое событие так легко может превратиться в спектакль.

При таком раскладе правдивость отходит на задний план, становится второстепенной, и режиссер в своих фильмах нередко приоткрывает зрителю тайную фабрику образов, намеренно демонстрирует, как делается кино и создаются иллюзии.

В каком-то смысле, творчество Феллини исследует наше восприятие визуального мира, кажется он нам реальным или иллюзорным. В свою очередь, выставка предлагает понять Феллини через тот визуальный мир, который его окружал и создателем которого он был сам. Через этот мир, словно через призму, отражается тот век, который рождает Феллини-режиссера и его образы: век рекламы, сенсаций, прессы, телевидения, век «фабрики изображений». Одновременно «Гран-парад» возвращает зрителя к истокам мифа великого Феллини, для которого кинематограф – между реальностью и тайнами ее восприятия – становится инструментов самоанализа. Начиная с «8 ½» в творчестве режиссера наступает новая эра, в которой властвует бессознательное, а сам создатель вместе со своим подсознанием, детскими воспоминаниями, навязчивыми идеями и снами становится одним из главных сюжетов.

Итальянская афиша «Рима», 1972 (Collection Fondation Fellini pour le cinéma, Sion, courtesy Carlotta Films, Paris)

Следует ли говорить, что хронологический порядок, хотя речь и идет, в каком-то смысле, о ретроспективе, совершенно чужд такому спонтанному художнику, как Феллини? И поэтому Сэм Стурдзе решил не навязывать диктатуру дат хаотически упорядоченному творческому миру режиссера. Выставка разворачивается в четырех тематических плоскостях, по которым скользят, во встречных или противоположных направлениях, образы, вдохновлявшие Феллини или созданные им самим.

Первая часть «Гран-парада» посвящена массовой или народной культуре в творческом мире Феллини – от цирка и итальянской комедии dell'arte до варьете, комиксов, прессы, столько раз воспетой и осмеянной в творениях мастера. Не забывая о великолепном фотографе Папараццо из «Сладкой жизни», давшем имя, изобретенное Феллини, своим докучливым коллегам.

Но в начале была… карикатура. Приехав из родного Римини в Рим, молодой Феллини мечтает стать журналистом и работает одновременно для нескольких изданий, пока не обосновывается в сатирическом журнале «Marc’Aurelio». В своих карикатурах ему удается несколькими штрихами создать гротескные, яркие образы, похожие на те, что позднее населят его фильмы. Обратившись в начале 40-х к кинематографу, Феллини никогда не забросит рисование: в кармане режиссера всегда лежало несколько карандашей, и он предпочитал язык изображения логике слов, набрасывая для своей съемочной группы черты персонажа, каким он его видел, детали костюма или композицию сцены, разворачивающейся в его воображении...

Папарацци встречают Аниту Экберг в «Сладкой жизни», 1960 (Courtesy Collection Christophe Schifferli, Zurich)

Феллини неустанно экспериментирует с популярным жанром комикса (достаточно вспомнить «Белого шейха»), еще одним полюсом его творческого универсума становятся варьете, фокусники и волшебники. Несмотря на упоение бумом визуальной продукции и массовой культуры, Феллини остается скептически настроенным по отношению к некоторым ее проявлениям, в частности, телевидению, охваченному лихорадкой рекламы и жаждой быстрой прибыли. В 70-е годы в Италии начинается приватизация государственных каналов, и вскоре некий Сильвио Берлускони создает фундамент могущественной медиа-империи и ратует за обязательную рекламную паузу во время показа фильмов. Последнее не замедлит вызвать гнев Феллини, выразившим свое негодование в барочном памфлете «Джинджер и Фред».

Вторая часть выставки, «Феллини за работой», приоткрывает чудеса секретной лаборатории, в которой мастер вынашивал и смешивал возникающие в воображении образы в одном фантастическом целом. И здесь изображение выходит на первый план, а тесная связь с визуальной культурой проявляется с момента зачатия фильма до монтажа, от первой идеи ― до создания персонажей. Свои фильмы Феллини начинал с... зарисовок: «В начале каждого фильма я провожу большую часть времени за рабочим столом и занимаюсь тем, что набрасываю на бумагу рисунки, задницы и груди... Это моя личная манера начинать фильм, я его расшифровываю среди всех этих каракуль. Они похожи на нить Арианы, по которой выходишь из лабиринта»...

Федерико Феллини, «Книга снов», сон 1 апреля 1975 года (© Collection Fondazione Federico Fellini, Rimini)

Когда дело доходит до кастинга, Феллини превращает отбор актеров в отдельный спектакль. «Я даю объявление в журнале, - рассказывает режиссер, – которое ставит в известность, что Федерико Феллини готов встретиться с каждым, кто хочет его увидеть. В последующие дни я принимаю сотни людей. Ко мне являются все безумцы Рима, и полиция вместе с ними. Это особая форма сюрреалистического безумия, создающая стимулирующую творческую обстановку. Я их всех внимательно разглядываю. Я ворую частичку личности каждого посетителя… Иногда я добавляю нового персонажа в сценарий, встретив поразившее меня новое лицо… Как будто они говорят мне: «Всмотрись в нас хорошенько, каждый из нас – кубик мозаики, которую ты собираешь…»

В этой части «Гран-парада» Феллини представлены и многочисленные фотографии, которые все желающие сняться в будущем фильме отправляли режиссеру, пытаясь вызвать его интерес самыми экстравагантными позами и подписями. «Они все немножко сумасшедшие… Они говорят, что нуждаются во мне. Но на самом деле, это я в них нуждаюсь, гораздо больше…» - признается Феллини с долей смиренности. Порой реальные люди могут показаться гораздо удивительнее, чем придуманный персонаж, а море или венецианские каналы, воспроизведенные в студии, гораздо выразительнее настоящих. Для итальянского мастера кинематограф в целом ― гораздо правдоподобнее действительности: «Мне кажется, что студия – пространство, в котором образы, увиденные в воображении, можно воплотить, контролируя каждую деталь, прямо как художник, который пишет картину кистью... В той мере, в которой кинематограф является артефактом, фикцией, совершенно нормальной представляется тенденция снимать фильмы в студии. Иллюзия и вымысел достигают здесь гораздо большей точности, правдоподобия, достоверности, гораздо больше походят на тот фантастический образ, который мы вынашиваем в воображении».

Улица Via Veneto, воспроизведенная для «Сладкой жизни» на знаменитой студии Cinecittà и обладавшая всеми достоинствами оригинала, кроме наклонной поверхности, в конце концов начала казаться Феллини гораздо привлекательнее реальной. До такой степени, что он не мог избавиться от впечатления, гуляя по настоящей Via Veneto, будто это всего лишь плохая декорация, а истинная улица находится в студии номер пять. «Кроме того, я чувствую непреодолимое искушение обладать над реальной улицей той же деспотичной властью, которой я наслаждался в случае с искусственной. Сложный случай, нужно поговорить о нем с кем-то, кто понимает в психоанализе...»

Про Аниту Экберг один остроумный почитатель как-то сказал: «Ее родителям нужно было дать Нобелевскую премию по архитектуре...» Сцена из «Сладкой жизни», 1960 (Courtesy Collection Christophe Schifferli, Zurich)

Психоанализ ― еще одна галактика в космосе Феллини и еще один раздел на выставке Сэма Стурдзе. Режиссер искренне восторгается идеями Юнга, предоставляющими теоретическую базу его кинематографическим экспериментам с подсознанием. Психоанализ привлекает, прежде всего, мыслью о том, что содержащиеся в снах идеи – не просто трансформация воспоминаний, а носители совершенно новых, свежих образов, никогда еще не пересекавших порога сознания. С начала 60-х годов и в течение тридцати лет Феллини, по совету знакомого психоаналитика, последователя Юнга, зарисовывает и записывает свои сновидения, выкладывая на бумагу навязчивые идеи, страхи, тревоги. Его «Книга снов», хотя и заполняется нерегулярно, становится творческой лабораторией, в которой Феллини набрасывает формы, истории, сюжеты, развивает их в рисунках и воображении. Эти тетради были для режиссера упражнением, как для музыканта – гаммы, с помощью которых он поддерживает свое мастерство.

В «Книге снов» можно найти все те «задницы» и «сиськи», с которых начинается работа Феллини над фильмами, по его собственным словам. Так что сомневаться в подлинности процесса не приходится. Впрочем, женщинам, формы которых принимают «каракули», на «Гран-параде» посвящен отдельный эпизод, озаглавленный в честь одноименного фильма: «Город женщин». Стоит ли перечислять всех тех див, которые населяли это чудное место в воображении Феллини? Тем более что женщина и кинематограф, как ни странно, связаны в сознании режиссера: «Кинематографический ритуал в глубине своей необычайно женственный. Эта манера быть вместе в темноте, в почти плацентарной обстановке, эта игра тени и света, эти крупные планы, чудесно преображенные», - комментировал Феллини свой фильм. - «Кстати в кино речь идет о проекции, не правда ли? А женщина – не представляется ли она мужчине неким экраном, на который он проектирует свои фантазмы?»

Джульетта Мазина в фильме «Дорога» (La Strada), 1954 (Courtesy Collection Fondation Fellini pour le cinéma, Sion)

Единственная, кого нельзя найти в «Городе женщин», - Джульетта Мазина, «дорогая» Джульетта Феллини. Ей, как истинной музе и любви, отведено совершенно особое место – рядом с художником, в завершающей части выставки: «Биографический вымысел».

Ну а что же цирк и «Гран-парад»?

Название выставки, несомненно, подтверждает то неоспоримое значение, которое в становлении мифа Феллини играли балаган и цирковое представление. Рассказывая о своем первом походе в цирк маленьким мальчиком, режиссер вспоминает, что испугался клоунов, их экспрессивных масок, дьявольского смеха и шума… Видимо, впечатление, хоть и неоднозначное, оказалось настолько сильным, что бурлескные персонажи впоследствие сопровождали его во всех фильмах. Кроме того, сама жизнь на съемочной площадке, с труппой, напоминает режиссеру жизнь бродячих циркачей.

Странные персонажи - несомненно, наследники тех самых клоунов, - становятся неизменными гостями Феллини, делают узнаваемым его стиль, балансирующий между карнавалом и двором чудес ― так, что кинематограф превращается в цирк, а жизнь ― в великолепный «Гран-парад»: «Я посмотрел на шапито как на фабрику чудес, место, где реализуются самые невероятные вещи… Я хочу сказать, что этот тип спектакля, основанный на изумлении, фантазии, грубой шутке, небылице, отсутствии интеллектуальных смыслов ― именно тот спектакль, который мне подходит».

World Press Photo 2011 на «Красном Октябре»

Wed, 08 Jun 2011 21:27:00 +0400

Фонд «Объективная реальность» представляет выставку победителей всемирного конкурса фотожурналистики WORLD PRESS PHOTO 2011.

С 10 июня по 10 июля 2011 выставку World Press Photo можно будет снова увидеть в Москве на «Красном Октябре». Вслед за этим выставка впервые будет демонстрироваться в Самаре и Казани. В эту уникальную путешествующую выставку входит почти 200 работ победителей самого престижного в мире конкурса фотожурналистики World Press Photo, финал которого в 54-й раз прошел в феврале 2011 года в Амстердаме. Выставка отражает самые важные мировые события 2010 года.

Каждый год международное независимое жюри, состоящее из профессиональных фотографов и фоторедакторов СМИ, оценивает работы претендентов в 9-ти различных категориях, представленные фотожурналистами, агентствами, газетами и журналами со всех уголков света. За две недели работы члены жюри отсмотрели рекордное количество фотографий – 108 059. В конкурсе принял участие 5 691 фотограф из 125 стран мира.

World Press Photo – Фотография года 2010. Джоди Бибер, Южная Африка, Institute for Artist Management/Goodman Gallery для Time.

Лауреатом первой премии этого года – «Фотография года» – названа фотограф Джоди Бибер (Jodi Bieber) из Южной Африки. На ее фотографии 18-летняя Биби Айша из провинции Орузган в центральном Афганистане сбежала из дома мужа и вернулась в дом своих родителей, жалуясь на жестокое обращение. Однажды ночью талибы явились в дом ее родителей и потребовали выдать Айшу, чтобы наказать за побег. Ее увели в горы, где по приказу командира талибов сначала отрезали уши, а затем нос. Айшу бросили умирать в горах, но ее спасли и привезли в убежище для женщин, созданное организацией «Женщины для женщин Афганистана», вылечили и оказали психологическую помощь. Позднее Айше помогли приехать в Америку, где ее не только морально поддержали, но и сделали восстановительную пластическую операцию. Сейчас Биби Айша живет в США.

Джоди Бибер получила восемь наград на предыдущих конкурсах World Press Photo. Она – второй фотограф из Южной Африки, удостоенный высшей награды World Press Photo. Работы Бибер представлены Goodman Gallery и Institute for Artist Management.

Вот комментарии членов жюри о победившей фотографии:
Председатель жюри Дэвид Бернетт: «Этот снимок может стать одним из тех редких – а нам, возможно, доводится увидеть не больше десяти за всю жизнь, – про который скажут только: “Знаете, та фотография девушки…” – и вы безошибочно поймете, о какой фотографии идет речь».

Рут Эйхорн: «Это удивительно сильный снимок. В нем содержится мощное послание всему миру, половину населения которого составляют женщины, многие из них до сих пор живут в ужасающих условиях, подвергаясь насилию. Женщина на фотографии полна чувства собственного достоинства, и в этом ее сила».

Винс Алетти: «Это потрясающая, необыкновенная фотография, она заставляет ужаснуться. Она говорит необычайно много не только об этой женщине, но и о положении женщин в мире».

Эйдан Салливан: «Одна из задач конкурса World Press Photo – показать фотографии большему числу зрителей, которые захотят понять, что произошло. И эта фотография заставляет людей спрашивать, как такое могло случиться? Почему это возможно? Что происходит? Эта фотография ставит перед нами самые важные вопросы».

1-е место / События / одиночные фотографии. Рикардо Вентури, Италия, Contrasto. Девочка смотрит, как горит старый Железный Рынок, Порт-о-Пренс, Гаити, 18 января 2010.

Работа жюри конкурса на две недели собрала вместе 19 фоторедакторов, фотографов и представителей новостных агентств со всего мира. В 2011 году специализированное жюри отбирало работы в категориях «Спорт», «Природа» и «Портреты».

После принятия решений о победителях международного фотоконкурса World Press Photo, жюри решило отметить Специальным упоминанием серию из 12 фотографий, сделанных чилийскими шахтерами, засыпанными в шахте в Сан Хозе после обвала горных пород. До своего спасения 13 октября шахтеры находились в заточении на глубине 700 метров в течение 69 дней. Фотографии показывают, в каких тяжелых условиях находились шахтеры в течение всего этого времени. На одной из них, видно, что Едисон Пенья, бегун, не прекратил упражняться даже под землей. Писатель Дэн МакДугалл и фотограф Адам Паттерсон провели много времени с членами семьи Пенья до того, как шахтеры были спасены, и наладили с ним переписку. МакДугалл и Паттерсон смогли передать Пенья пару кроссовок для бега и маленькую цифровую камеру по узкой трубе, проложенной для связи с находящимися под землей шахтерами.

Член жюри Абир Абдулла пояснил: «Специальное упоминание предоставляет возможность отдать должное гражданской журналистике. Современные технологии, позволяющие людям регистрировать события там, где не оказалось фоторепортеров, открыли новую эру, в которой любители бросают вызов профессионалам, и фотографии, сделанные шахтерами, – хороший пример таких снимков».

В этом году победителями в 10-ти номинациях признаны 55 фотографов из 23 стран: Австралии, Бангладеша, Бразилии, Канады, Китая, Дании, Франции, Германии, Гаити, Гонконга, Венгрии, Индии, Индонезии, Ирландии, Израиля, Италии, Мексики, Нидерландов, Польши, Сомали, Южной Африки, Испании и США.

1-е место / Повседневная жизнь / одиночные фотографии. Фейсал Омар, Сомали, для Reuters. Человек несет акулу по улицам Могадишо, Сомали, 23 сентября 2010.

Фонд World Press Photo существует с 1955 года под покровительством принца Королевства Нидерландов и предоставляет уникальную площадку для независимой фотожурналистики и свободного обмена информацией. World Press Photo во многом определяет современную ситуацию на рынке фотографии в СМИ, а также на новых, нетрадиционных для фотожурналистики рынках – среди гуманитарных организаций, корпораций и книжных издательств, в рекламной индустрии. Международный успех выставочной программы World Press Photo иллюстрирует коммуникативные возможности фотографии, не зависящие от политических и культурных барьеров. Выставка World Press Photo в этом году будет показана в 100 городах по всему миру, от Голландии до Японии.

Фонд «Объективная реальность» совместно с Global United Services уже пятый год подряд привозит выставку лауреатов World Press Photo в Россию, сделав это событие ежегодной традицией. В 2011 году со-организатором выставки выступило Российское агентство международной информации РИА Новости.

В этом году издательство Леонида Гусева и Милы Сидоренко «Treemedia» впервые публикует каталог выставки на русском языке.

Публичные лекции фотографов победителей World Press Photo 2011 Джоди Бибер (Южная Африка) и Шеймуса Мерфи (Ирландия) пройдут 10 июня 2011 года c 18.00 до 22.00 в рамках образовательной программы Фонда «Объективная реальность» [OR]EDU в дни проведения выставки победителей всемирного конкурса фотожурналистики World Press Photo.

Вход свободный по предварительной регистрации. Зарегистрироваться можно здесь.

Шеймус Мерфи получил шесть наград World Press Photo, победил в международном конкурсе Picture of the Year и получил грант Юджина Смита. Работы Мерфи были опубликованы в ведущих мировых журналах, например The New York Times Magazine, The New Yorker, Time, Newsweek, National Geographic Adventure, Stern, Geo, The Guardian Magazine, The Sunday Times Magazine, The Daily Telegraph Magazine и The Independent Magazine. Помимо фотографии Шеймус серьезно занимается видео, например, он cрежиссировал и снял 12 клипов на песни из последнего альбома PJ Harvey.

Джоди Бибер получила первую премию World Press Photo этого года. Ее фотографии 18-летней Биби Айши была названа лучшей фотографией этого года. Первая персональная выставка Джоди Бибер состоялась на фестивале Visa pour l’Image в Перпиньяне в 2002 году, и с тех пор ее работы широко экспонировались по всему миру. Она получила восемь премий конкурса World Press Photo и множество других наград. Последней из полученных ею премий стал Приз Европейского Союза (Prix de l’Union Européenne) на Африканской Биеннале по Фотографии Rencontres de Bamako Biennale Africaine de la Photographie в ноябре 2009.

Aдрес: Москва, Институт Медиа, Архитектуры и Дизайна «Стрелка», Берсеневская наб., 14, строение 5

1-е место / Люди и события / серии. Дэниел Берехулак, Австралия, Getty Images. Наводнение в Пакистане, Август-сентябрь 2010: Жертвы наводнения пытаются добраться до продовольствия, борясь с воздушными потоками от винтов военного вертолета, доставившего гу

О Фонде «Объективная реальность»

Фонд «Объективная реальность» — российская некоммерческая организация, работающая в сфере развития визуальной коммуникации и поддержки фотографического сообщества с 2001 года. Основная цель Фонда — формирование максимально широкой географической, социальной и профессиональной среды для общественно значимой фотографии и новых медиа. Фонд осуществляет документальные, выставочные и образовательные проекты в России и за рубежом.

Адрес: Москва, «Красный Октябрь», Шоколадный Цех, Берсеневский переулок, д.2, стр.1

40 ЛЕТ НЕМЕЦКОГО ВИДЕОАРТА. RECORD AGAIN!

Wed, 08 Jun 2011 11:26:00 +0400

14 июня – 24 июля в московском ГЦСИ в рамках фестиваля видеоарта FOCUS пройдет выставка 40 ЛЕТ НЕМЕЦКОГО ВИДЕОАРТА. RECORD AGAIN!

Выставочный проект «40 лет немецкого видеоарта» включает работы периода между 1960–70 годами ХХ века, стоящими на грани между кинематографом и видеоартом. Этот антагонизм являлся наиболее заметным и актуальным визуальным контекстом в видеоарте конкретного периода. Закономерный процесс архивации, который возникает на платформе сообщения между видеоартом и кинематографом, имеет несколько этапов: видео как медиум, документация и медиа между художником и реальностью. Разные степени использования видеоарта являются наиболее интересным процессом с точки зрения экспозиционного исследования. Выставочный зал ГЦСИ на время проекта превращается в исследовательскую лабораторию, в которую погружается зритель.

Вторая часть проекта - Record again! – концентрируется на раннем периоде развития видеоарта. «Record again! 40 лет немецкого видеоарта. Часть 2» был реализован ZKM, Карлсруэ, в сотрудничестве с музеями Людвиг Форум, Аахен, Кунстхаус Дрезден и Центром Медиа-Арта Эдит Рус Хаус, Ольденбург, при поддержке Федерального фонда культуры Германии. В проекте представлено более 40 работ.

В 2007 году Государственный центр современного искусства и Немецкий культурный центр им. Гете в Москве представили публике выставочно-образовательный проект «40 лет немецкого видеоарта. Часть 1», объемную подборку одноканальных видео, созданных в Германии в период с 1963 до 2004 года.

Кураторы Петер Вайбель и Кристоф Блазе из Центра искусств и медиа-технологий ZKM в Карлсруэ уделили особое внимание спасению редких и находящихся в угрожающе плохом состоянии работ, многие были реставрированы и оцифрованы специально для этого проекта. Его название отражает технические аспекты (не-)доступности старых пленок. Многие из них сохранились, но их нельзя посмотреть, потому что исчезла техника, на которой они могут быть показаны. На выставках 2009-2010 гг. в ZKM, Карлсруэ, Людвиг Форуме, Аахен, Кунстхаус Дрезден и Центре Медиа-Арта Эдит Рус Хаус, Ольденбург, работы были показаны при помощи антикварной исторической видеотехники, чтобы выявить особенности восприятия видеоарта в раннюю эпоху его существования.

Участники: Йозеф Бойс/Joseph Beuys, Марсель Оденбах/Marcel Odenbach, Клаус фом Брух/ Klaus vom Bruch, Ульрике Розенбах/Ulrike Rosenbach, Нам Джун Пайк/Nam June Paik, Герри Шум/Gerry Shum.

Куратор: Карина Караева.

В рамках выставки в малом зале ГЦСИ пройдут кинопоказы, лекции и творческие встречи:

15 июня, среда, 19.00 Сабине Химмельсбах/Sabine Himmelsbach (Германия)
17 июня, пятница, 19.00 Ларс Хенрик Гасс/Lars Henrik Gass (Германия)
27 июня, понедельник, 19.00 Альберт Серра/Albert serra (Испания)
15 июля, суббота, 19.00 Юлика Руделиус/Julika Rudelius (Королевство Нидерландов)

Адрес: Зоологическая улица, дом 13, строение 2

«Шедевры XX века из коллекции Института современного искусства Валенсии (IVAM)»

Fri, 03 Jun 2011 19:37:00 +0400

Московский музей современного искусства представляет выставку «Шедевры XX века из коллекции Института современного искусства Валенсии (IVAM)» с 8 июня по 30 октября 2011 на Петровке.

Эд Рейнхардт. Абстрактная картина, 1940 Холст, масло / Ad REINHARDT Abstract Painting, 1940 Oil on canvas

Выставочный проект «Шедевры XX века из коллекции Института современного искусства Валенсии (IVAM)» проходит в рамках года Россия – Испания 2011 при поддержке Посольства Королевства Испании в России. Представленные работы являются достоянием не только Валенсии и Испании, но и всего мира.

Список художников включает и тех, чьи работы уже успели стать классикой XX века, и тех, кто сегодня находится на острие творческого процесса. Среди них Георг Базелиц, Джон Балдессари, Константин Бранкузи, Джаспер Джонс, Марсель Дюшан, Пауль Клее, Александр Колдер, Анри Матисс, Хуан Миро, Брюс Науман, Пабло Пикассо, Зигмар Польке, Роберт Раушенберг, Александр Родченко, Джеймс Розенквист, Ман Рэй, Ричард Серра, Антони Тапиес и многие другие. Представленные работы очень разные по стилю и сюжету, происхождению и настроению; они наглядно воплощают многогранность визуальной культуры XX века.

IVAM (InstitutoValencianodeArteModerno), открытый в 1989 году, стал первым музеем современного искусства на территории Испании. Появление IVAM ознаменовало новый этап в культурной жизни Валенсии и стало событием мирового значения в сфере современного искусства. Его собрание произведений XX и XXI веков высоко ценится во всем мире и ежегодно привлекает огромное количество посетителей.

Символично, что коллекции IVAM и Московского музея современного искусства во многом близки друг другу. Каждая из них насчитывает свыше 10 000 экспонатов и стремится представить панораму современного искусства во всем его разнообразии, но с непременным акцентом на национальном наследии. Не случайно именно Московский музей современного искусства был выбран местом проведения столь значимой выставки.

Роберт Раушенберг Тени, 1964 Плексиглас, литография, металлический каркас и лампочка / Robert RAUSCHENBERG 29.7 x 37 x 38.3 cm. Shades, 1964 Lithograph on plexiglas on metal support and a lightbulb

Коллекция IVAM дает обширное представление как о достижениях авангарда первых десятилетий ХХ века, так и обо всех художественных течениях послевоенного времени. Ключевое место в собрании занимает творчество Хулио Гонсалеса — новаторского испанского художника и скульптора первой половины прошлого столетия. В фондах IVAM находится наиболее богатое собрание его произведений. Творчество Хулио Гонсалеса в сочетании с работами уругвайского художника начала ХХ века Торреса Гарсии открывает выставку в Московском музее современного искусства. В первых залах экспозиции также представлены произведения самых смелых экспериментаторов 20-х и 30-х годов — кинетические скульпторы Александра Колдера, инсталляции Курта Швиттерса и МанРэя, абстракции ФрантишекаКупки, а также работы классиков сюрреализма и дадаизма — Хуана Миро, Марселя Дюшана, Андре Массона, ХансаАрпа.

Далее выставка представляет экспериментальные течения послевоенного времени, которые позволили художникам того времени выразить абсолютно новое мироощущение. Здесь присутствуют работы как европейских мастеров Антони Тапиеса, Антонио Сауры, Карела Аппеля, Эда Рейнхардта, Пьера Сулажа, так и великих американцев Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга, Ричарда Серра, Роберта Смитсона. Здесь также представлены произведения американских представителей поп-арта Ричарда Гамильтона, Джеймса Розенквиста и более поздних европейских художников этого направления — ЭдуардоАрройо, группы «ЭкипоКроника» и других.

Начиная с 80-х годов, художники стали активно использовать новые материалы, новые технические приемы и электронные механизмы. IVAM не мог не отреагировать на появление новых художественных веяний, и в его коллекции появились работы таких авторов, как Андре Альфаро, МикельНаварро, Джон Дэвис, Брюс Науман, Магдалена Абакановиц, КристианБолтански, ЭдуардоЧилидо, Хуан Усле часть из которых присутствуют на выставке «Шедевры ХХ века». Искусство послевоенного времени также представлено на выставке произведениями Анри Матисса и Пабло Пикассо.

Поскольку в IVAM хранится самое значительное и ценное собрание фотографии на территории Испании, отдельный раздел экспозиции посвящен фотоискусству прошлого столетия. Среди прочих фото-шедевров ХХ века будет представлена одна из работ великого русского фотографа Александра Родченко.

Пабло Пикассо Художник за работой, 1964 Бумага, гуашь 96.8 x 72.3 cm. / Pablo PICASSO Painter at Work, 1964 Gouache on paperD.T.012.2002 (Nº Cat. FT 449)

По словам куратора Франциско Харауты, выставка избранных произведений из собрания IVAM в Московском музее современного искусства дает возможность проследить историю искусства XX века, не оставляя без внимания ни один из составляющих ее периодов. Сама история возвращает нас к моментам, отмеченным обстоятельствами и событиями, которые поменяли направление развития искусства, изменяя его средства в соответствии с нервом каждой эпохи.

Главная задача проекта — не что иное, как открытие полноценного диалога между коллекциями и концепциями двух музеев, различными, но дополняющими друг друга. На данном этапе сотрудничество IVAM и ММСИ не заканчивается. Летом 2012 года в Институте современного искусства Валенсии пройдет ответная выставка «Эпоха открытий: художники русского авангарда» из коллекции Московского музея современного искусства.

Куратор - Франциско Хараута — профессор философии в Университете Мурсии. Также он проводит курсы лекций во многих университетах Европы и Америки. Хараута — член консультативного совета IVAM, вице-президент совета попечителей Центра искусств Королевы Софии. Франциско Хараута — не искусствовед в привычном смысле этого слова, а философ, который занимается теорией и историей идей в сфере культуры и изобразительного искусства. Кураторский выбор работ должен представить посетителям музея наиболее полный и интересный взгляд на искусство XX века.

Адрес: Петровка, 25

Выставка люминографии на тему «Соляриса» открылась в Иваново

Thu, 26 May 2011 04:20:00 +0400

Московские фотохудожники Артем Долгополов и Роман Пальченков, создающие работы в технике люминографии, открыли в среду выставку работ по мотивам фильма Андрея Тарковского «Солярис» в Ивановском художественном музее, приуроченную к кинофестивалю «Зеркало».

Люминография, или фризлайт (от английского freeze light — «застывший свет) — это такая техника фотографии, в которой образы создаются при помощи движущихся источников света, снятых на длинной выдержке. Полтора десятка из представленных на экспозиции снимков созданы специально для нее по мотивам фильма «Солярис».

«Мы используем фото как технологию фиксации изображения, но создаем работы вручную, применяем фонарики как кисть, а свет как масло, как краску. Нам предложили к кинофестивалю сделать работы на тему творчества Тарковского, мы выбрали „Солярис“, потому что этот фильм — богатая почва для осмысления человеческих отношений и простор для творчества», — рассказал Пальченков РИА Новости.

Артем Долгополов добавил, что «Солярис» особенно понравился им тем, как в нем показан внутренний мир героев. «Мы с помощью света попытались вывернуть наизнанку эти психологические составляющие», — пояснил он.

Большинство работ создано с искусственными источниками света — в частности, светодиодными фонариками, но есть картины, где фотохудожники использовали восковую свечу.

На выставке есть и другие их работы — в частности, проект, созданный совместно с Эрмитажем. В нем авторы при помощи света и камеры воссоздали образы известных полотен французских импрессионистов.

Долгополов и Пальченков также дадут бесплатные мастер-классы вечером 9 и 10 июня в Ивановском художественном музее.

«Не удивляйтесь, если после мастер-классов по городу Иваново будет ходить люди и махать хаотично в воздухе фонариками — это будут фризлайтеры», — сказал на открытии выставки Долгополов.

Кинофестиваль «Зеркало» пройдет по 29 мая. В его конкурсе — девять картин, снятых в Германии, Венгрии, Китае, Нидерландах, Чили, Корее, США и других странах. Картина «Пережить жизнь (Теория и практика)» (Surviving Life) чеха Яна Шванкмайера (Jan Svankmajer) будет показана вне конкурса в международной официальной программе. В рамках фестиваля также пройдут программа нового российского кино «Свои», панорама документальных лент «Рождение искусства», программы зарубежной и российской анимации, видеоарта, короткометражек, любимых лент самого Тарковского. Андрей Тарковский родился 4 апреля 1932 года в городке Юрьевец в 170 километрах от города Иваново. Среди его самых известных работ — фильмы «Зеркало», «Ностальгия», «Сталкер», «Жертвоприношение», «Андрей Рублев», «Солярис». Фестиваль его имени ежегодно проходит на родине режиссера в Ивановской области с 2007 года, кинопоказы идут в шести городах региона.

«Рациональное и видимое» в ММСИ

Thu, 26 May 2011 02:59:00 +0400

В Московском музее современного искусства на Петровке с 31 мая по 10 июля пройдет выставка итальянского художника Агостино Боналуми «Рациональное и видимое».

Это первая персональная выставка в России одного из крупнейших итальянских художников второй половины XX века Агостино Боналуми (Agostino Bonalumi), художественные искания которого по сей день не потеряли своей актуальности. Представленные на выставке шестьдесят работ Боналуми отражают вехи его творческого пути, начавшегося в 1958 году в Милане, в содружестве с Мандзони и Кастеллани и под влиянием Лучо Фонтана.

Агостино Боналуми – итальянский художник. Один из самых знаменитых в мире, художник мирового значения, но именно итальянский. Боналуми уже вошел в историю искусств – за его плечами более чем полвека художественного созидания. Как ни актуальны последние работы художника, как ни изумляют они своей цельностью и оригинальностью, все же вести серьезный разговор о его творчестве возможно лишь начав издалека, начав с особого для него места и времени, с некой точки «икс», расширявшейся как диафрагма фотоаппарата, пока не оказалось, что художественный вклад Боналуми – среди ключевых итогов одного из удивительнейших по своей яркости и силе периода развития мировой живописи. Теперь, изучая Боналуми, мы можем вглядываться в прошлое без ностальгии, ведь сам предмет нашего изучения – логическое и загадочное порождение тех лет.

«Боналуми, – пишет Клаус Вольберт, директор Музея «Матхильдернхёе» в Дармштадте, – один из тех художников, что изменили саму панораму художественной жизни. В свою очередь, это привело к кардинальной смене представления о том, что же выражается произведением искусства».
Искусствовед Маурицио Кальвези пишет о художнике: «Он хранит верность своей изначальной, неизменной концепции, все его творчество – вариации формы или, в философском смысле, «метаформы».
Выставка пройдет в одном из самых важных российских музеев в рамках программы культурных мероприятий, приуроченных к Году итальянской культуры в России и русской культуры в Италии. Эту масштабную программу откроет выставка одного из своеобразнейших представителей соцреализма Александра Дейнеки в Риме и завершит выступление балетной труппы театра «Ла Скала» на сцене Большого театра в Москве.
Выставку Агостино Боналуми составят, в основном, работы последних лет; основная ее тема – развитие упомянутой выше концепции живописи, которая позволила художнику разработать собственную технику: Боналуми использует особую взаимосоотнесенность выпуклых и вогнутых форм и особую визуальность трехмерности.

Адрес: Петровка, 25 (3 этаж)

Андрей Хржановский. Мультипликация как образ

Wed, 25 May 2011 09:56:00 +0400

В московском ГЦСИ с 27 мая по 12 июня пройдет выставка Андрея Хржановского «Андрей Хржановский. Мультипликация как образ». Также состоится 2 встречи с автором.

Андрей Хржановский

Мультипликатор Андрей Хржановский много и часто сотрудничает с художниками. Его друзьями являются Владимир Янкилевский, Юло Соостер и другие. В рамках выставки в Малом зале ГЦСИ будут показаны эскизы к фильмам «Лев с седой бородой», «Стеклянная гармоника», «Жил-был Козявин» и другим, а также представлены рисунки и рабочие материалы к фильму «Полторы комнаты».

В рамках выставки 27 мая 2011 в Малом зале ГЦСИ состоится показ мультфильма «ЖИЛ-БЫЛ КОЗЯВИН» и встреча с АНДРЕЕМ ХРЖАНОВСКИМ.

Над фильмом работал художник Николай Попов. Визуальная структура фильма, напоминающая работы нон-конформистов, является наиболее интересным образным экспериментом в творчестве Андрея Хржановского. Автор расскажет, о работе в содружестве с художниками Юло Соостером, Владимиром Янкилевским и Юрием Соболевым.

Начало в 19.00. Вход по пригласительным билетам.

3 июня 2011 в Малом зале ГЦСИ состоится кинопоказ фильма «ПОЛТОРЫ КОМНАТЫ, ИЛИ СЕНТИМЕНТАЛЬНОЕ ПУТЕШЕСТВИЕ НА РОДИНУ» и встреча с кинорежиссером и художником.

Кадр из фильма «Полторы комнаты, или Сентиментальное путешествие на родину»

Фильм повествует о реальных событиях в жизни поэта Иосифа Бродского. Художественные достоинства фильма соотнесены с эпохой, в которой жил поэт, однако Андрей Хржановский включает рисунки Бродского и показывает их как самостоятельные произведения. В рамках показа Хржановский расскажет о собственном переживании поэзии Бродского и законах игрового фильма в условиях анимации.

Техническое воплощение фильмов Хржановского поражает своей тщательностью и особым отношением к образу - мультипликатор дорисовал рисунки Иосифа Бродского и потом использовал их в художественной биографии поэта.

Начало в 19.00. Вход свободный.

Адрес: Зоологическая 13

Крупнейшая выставка «мультиков»

Tue, 10 May 2011 05:04:00 +0400

В Лондонской Галерее Искусств Барбакан (Barbican Art Gallery) состоится крупнейшая за последние 150 лет выставка анимационных фильмов.

Выставка «Watch Me Move» («Смотри, как я двигаюсь») объединит пионеров мультипликационного кино, независимых кинорежиссёров и современных художников-аниматоров, а также креативные работы коммерческих студий, таких как Walt Disney, Aardman, Hanna-Barbera и Pixar.

Выставка посвящена тонкостям взаимоотношений между анимацией и кино. Публике будут представлены более 170 произведений: от культовых клипов до менее известных шедевров. Посетители также смогут увидеть кукол, реквизиты и декорации, раскадровки, проволочные каркасы для визуализации изображения, прорисовки фона и отдельных кадров. Семь секций выставки будут посвящены истории анимации, начиная с первых научных экспериментов с фотографией и до новейших современных компьютерных образов.

Центр Барбакан (Barbican Centre) открыт ежедневно, вход бесплатный.

Выставка «Watch Me Move: The Animation Show» пройдет в Галерее с 15 июня по 11 сентября 2011 года: с 11:00 до 20:00 (среда – до 18:00, вторник – до 22:00).

Стоимость посещения при покупке билета он-лайн – £10, в кассах – £12, льготный билет – £7/£8, детям до 12 - бесплатно.

Barbican Art Gallery располагается по адресу: Silk Street London EC2Y 8DS.

В Эйн-Хароде до 31 мая проходят 2 выставки Амоса Гитая

Wed, 04 May 2011 04:34:00 +0400

Амос Гитай (Amos Gitai), самый, пожалуй, известный на сегодня израильский режиссер, создатель идейного, политически ангажированного кино, представляет на сей раз не фильм, а две выставки.

Составленные из кино-отрывков, видео-инсталляций, архивных и фотоматериалов, документов, книг, писем, они называются «Следы» и «Письма». Две выставки — как две монографии, две работы с архивными материалами с новыми комментариями.

«Следы» и «Письма» Амоса Гитая в музее кибуца Эйн-Харод посвящены памяти его родителей — архитектора Мунио Гитай-Вейнрауба и Эфратии Гитай. Выставки уже демонстрировались в Париже в «Токийском дворце», а с конца апреля смонтированы в Центре искусства кибуца Эйн-Харод — «Мишкан ле-оманут» в Изреэльской долине.

«Письма» и «Следы» — необычный диалог, без дисгармонии и сентиментальности, посвященный памяти родителей, диалог между Гитаем и ушедшим поколением, между старыми, уже плохо слышными рассказами и новой их интерпретацией, диалог, воплощенный в различных медиях: кино, фотографиях, саунд-треке.

В 1930-е годы Мунио Вейнрауб был студентом высшей школы строительства и художественного конструирования «Баухауз» в Дессау, закрытой Гитлером в 1933 году. Идея о создании выставки пришла Гитаю в голову, после того как он обнаружил у своей матери — Эфратии Гитай — документы, среди которых оказалось и заключение о том, что его отец попал в тюрьму «за предательство немецкого народа». «Последние годы я сконцентрировал свою работу на жизни моей семьи — через письма матери в фильме „Кармель“ и через творчество отца, — говорит Гитай. — Большинство моих работ обычно посвящены каким-то конкретным событиям, но сейчас все происходящее настолько хаотично, что я решил обратиться к внутреннему миру родителей». «Мне кажется, что своими судьбами они прочертили определенную линию, которая позволит сделать выводы об истории, даже если я просто расскажу об их жизни», — говорит он.

На выставке «Следы» представлены 13 видеоработ, девять из них — это отрывки из фильмов Гитая, а один из фильмов, завершенный в конце 2010 года, посвящен именно Мунио Вейнраубом.

«Письма» — рассказ о матери Амоса Гитая, представленный через письма, посланными ею в свое время родным и близким. Одновременно с открытием выставки в Израиле издательством «Едиот Сфарим» выпущена книга «Эфратия Гитай. Письма. 1929 — 1994». Издание на иврите вышло после французского перевода этой книги в Париже («Галимар»).

Личная корреспондениця Эфратии Гитай стала историческим документом и художественными фрагментами, письма превратились в тексты, иллюстрирующие жизнь этой незаурядной женщины. «Сегодняшние поколения израильтян слишком быстро все забывают. Эти выставки — не только память о моих родителях, но и напоминание о том, что родина — понятие и географии, и времени» — говорит Амос Гитай.

Выставки «Следы» и «Письма» открыты до 31 мая.

Часы работы музея «Мишкан ле-Оманут» в Эйн-Харод: с воскресенья по четверг с 9.00 до 16.30, по пятницам — с 9.00 до 13.30, по субботам — с 10.00 до 14.30.

Как выросли уши у Чебурашки

Tue, 26 Apr 2011 04:52:00 +0400

В Москве в «Галерее на Солянке» до 29 мая проходит выставка «Шварцман, который нарисовал Чебурашку».

Он создал и Снежную королеву, и Попугая с Удавом, и Котенка по имени Гав, и варежку, которая стала щенком. А выставка, посвященная 90−летнему юбилею художника, называется «Шварцман, который нарисовал Чебурашку».

Леонид Аронович Шварцман, точнее «Леля», как его называют коллеги, вне зависимости от возраста, не просто известное, а священное в кругу аниматоров имя. А большинству зрителей оно ни о чем не скажет. Вот почему в названии выставки потребовалось уточнение: «Шварцман, который нарисовал Чебурашку», а также героев из «38 попугаев», «Котенка по имени Гав» и «Снежной королевы», «Аленького цветочка», гениальной «Варежки». И еще принял участие в семи десятках мультфильмов в качестве художника-постановщика, режиссера, и, прежде всего, создателя персонажей.

Творческая биография Леонида Шварцмана — это фактически история «Союзмультфильма» (недаром эмблемой студии был его Чебурашка). Он пришел туда в 1948 году и сделал свой последний фильм в 2001−м. То есть выражение «несколько поколений выросло на его фильмах» в данном случае нисколько не преувеличение.

Крокодил Гена и Чебурашка копии кукол из серии мультфильмов про Чебурашку. Фото: Е.Левичев

На выставке представлено более 250 экспонатов: эскизов, раскадровок, кукол, собранных из личного архива автора, его коллег, из музеев — от «Аленького цветочка» (1952), с которого начался период работы Шварцмана в качестве художника-постановщика в творческой группе Льва Атаманова. И по сей день он вспоминает то время как самое счастливое. И до последней серии «Обезьянок», снятой в 1997 году. Среди работ нет ни одной копии, даже куклы оригинальные, авторские экземпляры. Есть даже настоящий «боевой» Чебурашка, который играл в серии про школу — по нему видно, какой нелегкий труд у кукольного артиста. Экспонаты снабжены интереснейшими комментариями и воспоминаниями художника, как можно безошибочно догадаться по его созданиям, человека необыкновенной культуры, юмора и доброты.

Под дождем эскиз к м/ф «Котенок по имени Гав». Фото: Е.Левичев

В отличие от некоторых коллег (например, его ученика и сотрудника по многим фильмам Юрия Норштейна, который признавался, что поначалу недолюбливал мультипликацию и работал в «Союзмультфильме» вынуждено), Леонид Шварцман выбрал специализацию вполне осознанно. Однажды, сразу после войны, он попал на сеанс, где показывали трофейные мультфильмы. Среди них был диснеевский «Бэмби». Леонид Аронович вспоминает до сих пор, как его сосед шептал жене: «Ты посмотри, до чего дошло искусство дрессуры».

Впрочем, Шварцман, чем бы он ни занимался, всегда считал себя прежде всего художником. Поэтому на выставке создан отдельный зал, где представлены работы Шварцмана-живописца. Среди них есть и эскизы к гоголевской «Шинели». Юрий Борисович Норштейн уверяет, что его жена, художница Франческа Ярбусова, рисуя их Башмачкина, не видела этих старых «лелиных» работ (что естественно, поскольку этих ранних работ почти никто не видел). Но сходство поражает.

Бабушка рассказывает Каю и Герде о Снежной королеве эскиз к м/ф «Снежная королева». Фото: Е.Левичев

Дело тут, наверное, в том, что Леонид Шварцман обладает редким даром — создавать таких точных, ярких, запоминающихся персонажей, глядя на которые кажется, что другими они и быть не могут. Взять того же многострадального Чебурашку, из-за которого ведется многолетняя борьба. Ведь нигде в книге не описана точно эта неведома зверушка. На первом эскизе 1968 года, который есть на выставке, видно, как мучительно рождался этот образ: укорачивались ножки, отрезался хвостик, а уши становились все больше и больше. И глаза все трогательнее и трогательнее, как у беззащитного ребенка. «Нерасторопный ребенок, которого хочется взять на руки», — вот чего добивался от героя художник. Зато крокодил Гена придумался сразу, и с Шапокляк не было проблем — такие эксцентричные старушки из прошлого века были хорошо знакомы Шварцману, родившемуся в 1920 году. Некоторые черты хулиганка получила от сотрудниц «Союзмультфильма», а некоторые — от тещи художника. В эгоцентричной маме из «Варежки» многие узнавали коллег по студии, женщин, которые отдавались работе, не замечая ничего вокруг. А судью на собачьей площадке «сыграл» режиссер фильма Роман Качанов. Героев «Варежки», кстати, художник называет своими самыми любимыми.

Во дворе эскиз к м/ф «Дора-дора помидора». Фото: Е.Левичев

Долго не получался Удав из «38 попугаев» — сложно сделать обаятельным такое неприятное существо, как змея. А вот Попугай сначала был похож на директора студии Иосифа Боярского. Но затем все больше в нем проявлялись черты Владимира Ильича Ленина: «резкая жестикуляция и избыточная демагогия», как пишет Шварцман.

Почти все его персонажи имели прототипов. На выставке можно увидеть эскиз к фильму «Доверчивый дракон» (1988), где среди героев, сидящих за столом, знающий человек легко узнает весь цвет «Союзмультфильма»: вот бородатый Эдуард Назаров, вот лысина Норштейна, вот Светозар Русаков — художник «Ну, погоди!».

Но за кажущейся легкостью и хулиганством скрывалась очень сложная, кропотливая, требующая не только природного таланта, но и постоянного совершенствования работа. «Самый захватывающий, таинственный и крайне нервический процесс — рождение персонажа», — говорит художник.

Даже из тех цитат, воспоминаний и комментариев, которые можно увидеть на выставке, видно, сколько усилий, знаний, жизненного опыта требовал каждый герой. Чтобы найти образ Раджи из «Золотой антилопы», художники пропадали в «Эрмитаже» и Пушкинском, искать удава ходили в зоопарк. Очень сложно давался образ Снежной королевы, но кажется, она и не могла быть другой. И вот по этому, а не по каким-то эфемерным причинам, фильм «Снежная королева» (1957, режиссер Лев Атаманов) вписан в золотой фонд мировой анимации. Когда его показывали недавно в Японии, на плакате была цитата Хаяо Миядзаки: «Этот фильм решил мою судьбу, и поэтому я люблю его».

На старте повтор эскиза к м/ф «Варежка». Фото: Е.Левичев

Кстати, о Японии. Как известно, японцы сняли продолжение нашего «Чебурашки». Делали это они при участии российских аниматоров, например, художником-постановщиком фильма был Михаил Алдашин. То есть он, практически, работал Леонидом Шварцманом у японского Качанова. По всем отзывам, продолжение получилось крайне деликатым и симпатичным. Во время выставки будет организовано несколько показов японского «Чебурашки». А оригинального, вместе с другими фильмами Леонида Шварцмана, в том числе и совсем малознакомыми, будут крутить нон-стопом в одном из кинозалов галереи. В другом можно будет посмотреть документальны фильмы с участием юбиляра. Планируются многочисленные встречи с выдающимися российскими аниматорами, которые в разное время работали со Шварцманом. А также детские мастер-классы и другие полезные и веселые мероприятия.

Адрес: ул. Солянка, ½, стр. 2.

МАЙКЛ КЕННА. РЕТРОСПЕКТИВА

Tue, 19 Apr 2011 07:15:00 +0400

Московский музей современного искусства совместно с галереей «Победа» представляют с 19 апреля по 22 мая выставку МАЙКЛ КЕННА. РЕТРОСПЕКТИВА /MICHAEL KENNA. RETROSPECTIVE.

Ретроспектива Майкла Кенны (Michael Kenna) охватывает наиболее значимые периоды творчества художника и демонстрирует знаменитые пейзажные фотографии, сделанные во время путешествий: снимки французских провинций и японских садов, американских электростанций и петербургской скульптуры. Кроме того, в экспозиции будут представлены фотографии из серии «Концлагеря», впервые выставляемой в России.

Когда-то Майкл Кенна, выходец из английской рабочей среды, хотел посвятить свою жизнь служению Богу. Однако планам стать священником не суждено было сбыться: в 1976 году Кенна впервые попадает в США, там он начинает работать ассистентом рекламного фотографа и репортером. Вскоре его приглашает на работу в свою мастерскую королева фотопечати Рут Бернхард: именно в мастерской Бернхард постигает секреты проявки и печати фотографий и приходит к осознанию того, что негатив — это широкое поле для последующей творческой работы, «необработанная почва, требующая смелого плуга талантливого земледельца».

Стиль, которому художник не изменяет на протяжении долгого времени, можно назвать философско-метафизической фотографией; время и память — его основные категории. Черно-белые, утрированно контрастные снимки переносят зрителя из реального мира в категорию абстрактного. Поэтому работы Кенны легко можно принять и за древнюю живопись, и за 3D изображение — в них воплощается виртуозный синтез вечного и мгновенного.

Специфичен и поход художника к зрителю: почти все снимки Кенны небольшого размера, — для того, чтобы рассмотреть их необходимо подойти к фотографии вплотную. Кенна намеренно «подводит» нас поближе, требуя максимальной вовлеченности и откровенности в диалоге со зрителем.

Кенна — не фотограф-пейзажист в привычном, классическом понимании. Ему «важно услышать мнение природы о действиях людей». Кенна снимает в сумерках или ночью с использованием длинной выдержки, а потом идет скрупулезная работа с готовым материалом. Труд над некоторыми проектами занимает годы.

Творчеству Майкла Кенны посвящено более тридцати книг, его пейзажные фотографии находятся в семидесяти музейных собраниях и частных коллекциях по всему миру.

Адрес: Московский музей современного искусства (Петровка, 25).

Шведы организуют экскурсии по острову, где жил последние годы всемирно известный режиссёр Ингмар Бергман

Fri, 15 Apr 2011 06:14:00 +0400

Шведы решили организовать экскурсии – своеобразные «сафари» - по острову Форё, по съемочным площадкам и другим памятным местам, связанным со всемирно известным шведским режиссёром театра и кино, сценаристом и писателем Ингмаром Бергманом (Ingmar Bergman).

Форё стал для режиссера и местом уединения, и встреч с друзьями, коллегами, местом размышлений, борьбы с «демонами» - так Бергман называл приступы депрессии, от которых ему очень помогали прогулки по каменистым берегам острова.

Был остров и местом активной работы мастера. Здесь Ингмар Бергман снял четыре художественных фильма: «Персона» (Persona), «Сквозь тусклое стекло» (Såsom i en spegel), «Страсть Анны» (En passion), «Стыд» (Skammen), четырехчасовой телевизионный фильм «Сцены из супружеской жизни» (Scener ur ett äktenskap), а также две документальных ленты о Форё: «Документ - 69» и «Документ 79».

«Сафари» заключается в том, что люди садятся в автобус, в котором установлены мониторы с отрывками из фильмов Бергмана, а затем едут на побережье, где снималось, например, "Сквозь тусклое стекло" и "Персона". Именно в таких местах люди могут сравнить увиденное ими с отрывками из кино», – рассказывает гид Шерстин Кальстрём, сообщает Шведское радио.

«Тaцио Секкьяроли. Первый папарацци» в Мультимедиа Арт Музее

Wed, 13 Apr 2011 17:13:00 +0400

С 14 апреля по 3 июля в Москве в Мультимедиа Арт Музее пройдет выставка «Тaцио Секкьяроли. Первый папарацци».

Тацио Секкьяроли

Традиционно считается, что Тацио Секкьяроли (Tazio Secchiaroli) — первый paparazzo (назойливый, бесконечно пищащий комар — итал.), который следует за известными персонами по пятам ради «острого», скандального снимка, однако такого рода фотография существовала и до Секкьяроли в США, Франции, Германии и других странах.

Тацио Секкьяроли, будучи на заре своей юности уличным фотографом и борясь за кусок хлеба, обрел высшую степень мастерства для папарацци — это умение вживаться в жизнь своих персонажей, предугадать и прочувствовать их движение и поступки, зафиксировать их своей камерой.

Умение вжиться, прочувствовать и поймать в кадр неуловимое соединило Феллини и Тацио. Благодаря гению маэстро Феллини, Тацио Секкьяроли обрел новое имя и создал новую фотографию о кино. Феллини открыл Секкьяроли, Секкьяроли раскрыл Феллини, а Феллини открыл всему миру особый итальянский дух. Тацио запечатлел звезд итальянского кинематографа, отобразил «нерв» итальянского кино, дух Феллини.

Tацио Секкьяроли Федерико Феллини и Марчелло Мастрояни на съемках фильма «8 1/2» 1963 ©Фонд Тацио Секкьяролли

Умение и талант раствориться в модели, и передать в снимке суть, эмоцию, движение, эстетику, красоту, жизнь в ее бесконечности и мгновениях определило дальнейшие десятилетия творческой жизни мастера, а когда он ощутил, что божественное искусство забрало все его силы и растворило их в себе, он ушел, как уходят великие. ..

Тацио Секкьяроли родился в 1925 году на окраине Рима. В 1944 году пришел в фотографию как уличный фотограф, которых на улицах послевоенного Рима было бесчисленное множество. Он снимал американских солдат, а впоследствии зевак-туристов. Активный, находчивый, с «живым глазом», юноша, набравшись «уличного» опыта в 1951 году, попал в агентство одного из создателей итальянской фотожурналистики Адольфо Порри Пасторела, который очень многому научил молодого фотографа.

Tацио Секкьяроли Съемки кинофильма «Свидание», Анук Эме 1969 ©Фонд Тацио Секкьяролли

В 1955 году Секкьяроли вместе с Серджио Спинелли основывает агентство «Рома Пресс Фото» и на протяжении трех лет работает как репортер, снимающий самые острые и пикантные моменты итальянской жизни.

С 1958 начинает сотрудничество с Федерико Феллини.

После выхода фильма «Сладкая жизнь» (1960) Секкьяроли посвящает себя студийной фотографии и работает персональным фотографом Софи Лорен, оставаясь им на протяжении двадцати лет. С 1983 года «ушел из фотографии».

В ночь с 23 на 24 июля 1998 года скончался во сне в своем римском доме.

Кураторы: Давидо Секкьяроли, Алексей Логинов, Арсений Крюков, Злобовский Анатолий, Гайнутдинов Тимур.

Адрес: ул.Остоженка, 16

Выставка костюмов из «Зеркала», «Соляриса» и «Сталкера»

Wed, 06 Apr 2011 02:24:00 +0400

Постоянная участница международного кинофестиваля «Зеркало», художник по костюмам студии «Мосфильм» Нелли Фомина, работавшая с Андреем Тарковским над его картинами «Зеркало», «Солярис» и «Сталкер», впервые открыла в Иванове выставку своих эскизов костюмов для этих лент в понедельник в рамках «Дни Андрея Тарковского на Ивановской земле».

«Дни Андрея Тарковского на Ивановской земле» традиционно проходят в начале апреля в день рождения режиссера, они предваряют международный кинофестиваль его имени «Зеркало» в мае. Андрея Тарковскому 4 апреля исполнилось бы 89 лет. На мероприятия, посвященные памяти Тарковского, в Ивановскую область приехал президент международного кинофестиваля Павел Лунгин и постоянная участница всех кинофестивалей «Зеркало» Нелли Фомина. Фомина привезла в Иваново 20 эскизов костюмов к фильмам «Солярис» (1972), «Зеркало» (1974) и " Сталкер" (1979), а также уникальные фотографии со съемок картин из личного архива. Каждый эскиз, по словам Фоминой, имеет свою историю.

«Когда мы обсуждали костюмы героев „Соляриса“, Андрей сказал, что не надо придумывать фантазийные космические костюмы, потому что через несколько лет над нами будут смеяться. Я просто отпорола детали от костюма космонавтов, мы обозначили, что это служебная одежда, обозначили статус человека. Прошло столько лет, и никто не смеется над этими костюмами», — рассказала РИА Новости художница.

По словам Фоминой, со многими ее идеями Андрей Тарковский соглашался сразу, но некоторым требовалась доработка. «Андрей меня часто просил „состарить“ одежду, потому что она должна была многое сказать о герое, о его состоянии, передать его образ. Ну как может быть на военном одежда с иголочки в послевоенное нищее время в „Зеркале“?», — пояснила собеседница агентства.

Фомина призналась, что делала костюмы не только для картин Андрея Тарковского, но и одевала его самого «по необходимости». «Было время, когда Андрей четыре года после съемок фильма „Андрей Рублев“ не работал, у него не было даже новой рубашки пойти на работу. Я сшила ему пестренькую ситцевую рубашку в полосочку, он в ней работал на „Солярисе“. Потом жилеточку я ему вязала по просьбе Ларисы (жены), потому что в павильонах холодно, сквозняки», — рассказала Фомина.

Тарковский в той самой полосатой рубашке на фотографиях из архива Фоминой. Заслуженный работник культуры России, член союза кинематографистов РФ Нелли Фомина работает художником по костюмам на студии «Мосфильм» уже 30 лет. Она сотрудничала такими известными режиссерами, как Никита Михалков, Эльдар Рязанов, Сергей Бондарчук, Андрей Кончаловский. Фомина создала костюмы к 40 с лишним художественным и телевизионным фильмам, а также к спектаклям и балетам.

Также в рамках «Дней Андрея Тарковского на Ивановской земле» состоялась премьера документального фильма «Диалоги с Тарковским», снятого местным поклонником его творчества на основе малоизвестного интервью-рассуждения режиссера.

Фильм создал профессор Ивановского государственного химико-технологического университета, автор ряда любительских документальных фильмов о выдающихся русских личностях Евгений Борзов. «Диалоги с Тарковским» — это второй документальный фильм Борзова об Андрее Тарковском, первая работа «Притяжение памяти» была снята пять лет назад и посвящена визиту режиссера в Иваново и презентации картины «Зеркало» в 1976 году на сцене ивановского вуза.

В интервью журналистам французского телеканала, на котором строится документальный фильм, Тарковский рассказывает о создании своих картин, снятых до отъезда за границу в 1984 году: «Иваново детство», «Андрей Рублев», «Солярис», «Зеркало» и «Сталкер». Режиссер также рассуждает о роли кинохудожника на земле, делится своими размышлениями о духовных ценностях человека, поясняет смысл своего творчества.

Как рассказал Евгений Борзов, документальное кино было сделано совместно с молодыми людьми, не имеющими отношения к кинематографу, которые являются поклонниками творчества великого режиссера, — студентами Ивановского химико-технологического университета и Ивановской текстильной академии, на основе записи, предоставленной художницей по костюмам, работавшей с Тарковским, Нелли Фоминой.

Выставка «Первый в космосе»

Wed, 30 Mar 2011 03:18:00 +0400

5 апреля 2011 года в Москве начнет работу выставка «Первый в космосе», посвященная 50-летию космического полета Юрия Гагарина.

Выставка «Первый в космосе» — совместный проект Фонда «Русский мир» и Объединения «Фотоцентр» Союза журналистов. Космическая тема объединяет обе части выставки. В первую вошли свыше 140 снимков, на которых запечатлены отряд космонавтов во главе с Юрием Гагариным, военные, ученые, встреча первого космонавта Земли в апреле 1961 года в аэропорту Внуково-2, на улицах столицы, митинг на Красной Площади. Снимки для фотоколлекции собраны в архивах и частных коллекциях.

Также посетители смогут увидеть редкие и негероические фотографии первого космонавта: Юрий Гагарин играет в теннис и бильярд, в компании с Твардовским и Шостаковичем разливает вино, катается на водных лыжах, с забинтованным флюсом и другие редкие снимки. Помимо Юрия Гагарина в фотоколлекцию включены фото первых космонавтов: Германа Титова, Алексея Леонова, Андриана Николаева, Валентины Терешковой и других.

12 апреля на YouTube состоится премьера фильма «First Orbit», в котором будет использован голос Юрия Гагарина, кадры кинохроники, а также видео, снятое астронавтом Паоло Несполи с борта МКС. Запись сделана в то время, когда солнце находилось под тем же углом, что и 12 апреля 1961 года, а МКС проходила по маршруту, максимально приближенному к маршруту корабля Юрия Гагарина. Как передает BBC, зрители увидят Землю такой, какой ее увидел Юрий Гагарин с борта корабля «Восток-1».

Открытие выставки состоится 5 апреля 2011 года в 15:00 по адресу: Гоголевский бульвар, 8.

По материалам ИНТЕРФАКСа и ИнтерНовости

В Париже расскажут о творчестве Стэнли Кубрика

Wed, 23 Mar 2011 13:04:00 +0300

23 марта в Париже откроется ретроспективная выставка, посвященная Стэнли Кубрику (Stanley Kubrick). Впервые Французская синематека принимает у себя гостевую выставку, организованную не её сотрудниками.

Экспозиция создана в 2004 году куратором Немецкого музея кино во Франкфурте Гансом-Петером Райхманном в сотрудничестве с Кристианой Кубрик (Christiane Kubrick -киноактриса, супруга режиссера), Яном Харланом (Jan Harlan - брат вдовы и исполнительный продюсер некоторых фильмов Кубрика) и архивом Стэнли Кубрика в Лондоне и гастролирует по миру.

Выставка включает в себя подробный последовательный рассказ обо всех проектах Кубрика, включая неоконченные задумки, такие как сценарий о Наполеоне или знаменитые «Арийские бумаги». Экспозиция размещается в известном здании архитектора Фрэнка Гери, на двух этажах – пятом и седьмом. В рамках выставки пройдут два ретроспективных показа: один посвящен произведениям самого Кубрика, другой носит название «Вокруг Кубрика» (20 апреля – 4 мая) и состоит из работ, так или иначе вдохновленных творчеством главного героя. Параллельно с выставкой будут проходить лекции, круглый стол с участием специалистов и коллег режиссера, а также диалог с Яном Харланом, по окончании которого будет показан его документальный фильм «Стэнли Кубрик. Жизнь в кино». Аудиогиды по выставке начитали такие знаменитости, как Малкольм Макдауэлл (английский), Мариса Беренсон (французский) и Йорг Плева (немецкий).

Выставка продлится до 31 июля.

55/3 выставка-самоорганизация молодых художников

Wed, 23 Mar 2011 12:49:00 +0300

26 - 27 марта в зале «Лаборатория» Центра дизайна ARTPLAY пройдет выставка-самоорганизация молодых художников «55/3».

Выставка «55/3», представляющая в течение 3 дней работы 55 молодых художников, направлена на освобождение искусства от любого давления, в пространстве которой молодые художники получают возможность свободного высказывания.

Принцип самоорганизации выставок, возникший еще в 1970 - 80-е годы, на какое-то время утратил свою актуальность. Это было связанно с появлением институций занимающихся поддержкой и продвижением современного искусства, расцветом кураторской деятельности. Для художников, получивших наконец возможность полностью отдаться творчеству, такое сотрудничество оказалось приятным и взаимовыгодным. Сейчас, когда взаимодействие между галереями, музеями, фондами, куратором и художником обретает достаточно жесткие рамки, самоорганизация вновь становится актуальной, являя собой противовес существующей системе. Выставка посвящена вопросу двойственности нашего существования, где действительность становится условной, а виртуальный мир реальным, «традиционные» ценности, социальные институты и гендерные отношения трансформируются, создавая новые структуры. В такой ситуации самоорганизация является еще одним способом определения идентичности, близости «по духу» и служит толчком для создания новой реальности. В этом измерении возможны такие явления как свободное сотрудничество молодых художников с крупной арт-площадкой, иное взаимоотношение с куратором, функция которого сводится к созданию общего поля диалога, и единой концепций, при этом сохраняя принцип свободного участия в выставке. Выставка пройдет в Центре дизайна ARTPLAY на Яузе в рамках ARTPLAY Laboratory, специальной программы, поддерживающей социально ориентированные проекты и деятельность независимых молодых художников и кураторов.

Экспозиция выставки объединяет в одном пространстве живопись, инсталляции, объекты, фотографии и видео работы, в день открытия пройдет несколько перформансов.

Концепция: Мария Удовыдченко

Участники: Кирилл Аверчев, Людмила Аношенкова, Мария Арендт, Стас Багс (MilkandVodka), Ася Белова, Abdul Vas, Эфгения, Александр Гореликов, Наталья Гращенкова, Екатерина Гришина, Алексей Гарикович, Ева Жигалова, Алексей Иорш, Максим Има, Сергей Катран, Ксения Казьмина, Алексей Корси, Оля Кройтор, Юрий Куевда / Александра Лукина, Лена Куколева, Паша Кузнецов, Виктория Ломаско, Павел Ляхов, Евгения Мальцева, Анна Маримонт, Анна Мельникова, Андрей Митенев, Роман Мокров, Надежда Мусиенко, Денис Мустафин, Архип Муравский, Михаил Назаров, Варварапорнозомби_Обросова, Николай Онищенко, Оксана Ошкампе, Мария Попова, Владимир Потапов, Александр Постников, Марина Рагозина, Аглая Самолетова, Василий Скворцов, Денис Сычев, Игорь Старков, SOZDANO / Alexandra Kochetkova / Irina Khamdokhova, Ольга Соколовская, Максим Смиренномудренский, Сочный фрукт, Лейла Султан, Таня (Stan) Сушенкова, Андрей Терехов, Аня Ходорковская, Влад Чиженков, Ал?на Шаповалова, Татьяна Шерстюк, группа «Мыло».

Открытие: 25 марта в 19.00. Вход: свободный.

Адрес: Центр дизайна ARTPLAY, зал «Лаборатория» м.Курская, ул. Нижняя Сыромятническая д.10, строение 3, 2 этаж.

Бунт в объективе

Sat, 05 Mar 2011 13:31:00 +0300

История не знала революции фотогеничнее, чем кубинская. На «острове Свободы» рубежа 1950-х и 1960-х уважающему себя интеллектуалу, художнику или фотографу было просто неприлично не побывать. Так, легендарный портрет Че «Героический партизан» (1960) Альберто Корда сделал на похоронах экипажа французского парохода, взорванного контрреволюционерами, оттеснив с выгодной точки съемки самих Жан-Поля Сартра и Симону де Бовуар. А на вступление барбудос в Гавану знаменитых фотографов слетелось не меньше, чем на главное модное дефиле года.

Мало того: одним из вождей самой фотогеничной революции был еще и самый фотогеничный революционер. Да, фотографию Корды называют иконой благодаря итальянскому издателю Джанджакомо Фельтринелли, вовремя размножившему ее миллионным тиражом сразу после гибели Че. Но оторопь берет, когда понимаешь: какую фотографию Че ни возьми, любая из них — икона. Обнаженный по пояс команданте, смакующий мате (Эндрю Сент-Джордж), Че в клубах сигарного дыма (Освальдо Салес), Че рубит сахарный тростник (Эрнесто Фернандес). Что уж говорить о снимках мертвого Че, неотличимого от мертвого Христа с картины Мантеньи.

Можно назвать кубинскую революцию главным гламурным событием эпохи. При том, что свергала она не только кровавый и воровской режим Фульхенсио Батисты, но и эстетику декадентско-гангстерского гламура, запечатленную на фотографиях Константино Арьяса. Все эти казино чикагской мафии, где позируют пузатые янки с сигарами в зубах — в каждой руке по бутылке рома, полуобнаженные танцовщицы за кулисами Национального отеля, сутенеры. Веселые повстанцы, овладев столицей, запустили в отели и казино стада коз. А памятником эпохе Батисты осталась серия Арьяса «Венера перед зеркалом»: ослепительно нагая любовница новоорлеанского мэра, богиня Веласкеса, ставшая дорогой содержанкой.

Ее сменила новая Венера. Обаятельная девчонка в берете и с автоматом весело треплется с принарядившейся сверстницей на фото Берта Глинна. Обрюзгших генералов сменили худые и душераздирающе молодые Фидель и Камило Сьенфуэгос, кажется слегка озадаченные победой, на снимках Альберто Корды. Вскоре Салес снимет присмиревших бородачей Сьенфуэгоса и Рафаэля Очоа в вашингтонском мемориале Линкольна.

Революция была не только и не столько политическим событием, сколько символом современности, если не феноменом современного искусства. «Голливудский Че», как называл знаменитый снимок Че с сигарой швейцарец Рене Бурри,— из того же смыслового ряда, что его съемки Пабло Пикассо, ошеломившего современников новорожденного города Бразилия или абстракциониста Ива Кляйна за работой. Анри Картье-Брессон видел в революции «отзвуки» авангардной архитектуры Ле Корбюзье и Фрэнка Ллойда Райта. Воздетые на мачете шляпы митингующих гаванцев, увиденные Флипом Шульке, рифмуются с его портретами-формулами Кассиуса Клея. Вожди революции увидены Бобом Энрикесом как такие же звезды, как Мэрилин Монро. Глинн, размахивавший автоматом в толпе барбудос, вошел в историю как автор канонических снимков Твигги и Энди Уорхола.

То, что фотографы видели в революционерах звезд, отнюдь не компрометировало их искреннюю солидарность с революцией. Фотографы, вообще, видят на своем веку столько всего, что лучше, чем любой политик, понимают справедливость или несправедливость революции. Арьяс снимал не только стриптизерш, но и трущобы, и избитых полицией студентов, среди которых такой смешной юнец Рауль Кастро. Уокер Эванс, автор классических портретов жертв Великой депрессии и пассажиров нью-йоркской подземки, еще в 1933 году снял «Умирающую от голода кубинскую семью». Полиция Батисты уничтожила фотоархив Рауля Корралеса, будущего личного фотографа Фиделя, снимавшего рабочие кварталы.

Революция пьянила еще и тем, что Картье-Брессон определил как отсутствие дисциплины. Массовый порыв героев репортажей не постановка, митингам и военным колоннам чужда тоталитарная геометрия. Даже откровенно постановочная «Кавалерия» Корралеса дышит карнавальной махновщиной. Всадники и не скрывают, что позируют, но делают это от всей души.

А потом случилось неизбежное и непоправимое. Корралес снял колоссальный митинг в Гаване в честь четвертой годовщины революции. Вскоре снимок оказался на банкноте в десять песо. Невольно воскликнешь, перефразируя Андрея Вознесенского: «Уберите Фиделя с денег». Прав критик The New York Times, язвивший: жаль, что Фидель не придет на эту выставку. Он увидел бы, каким был, и позавидовал бы Че и Камило, оставшимся на фотографиях вечно молодыми.

ЦСК «Гараж», с 11 марта по 24 апреля.

Выставочный проект «Арто, театр и его двойник»

Thu, 03 Mar 2011 13:01:00 +0300

Выставочный проект «Арто, театр и его двойник» открывается 3 марта в одной из галерей современного искусства Челябинска.

Экспозиция посвящена театральному деятелю, создателю тетара жестокости, Антонену Арто (Antonin Artaud). Французский писатель, поэт, драматург, актёр театра и кино, художник, драматург и киносценарист, режиссёр и теоретик оставил после себя пусть и небольшое, но крайне интересное наследство. Его творчество изучают театральные деятели, психиатры, искусствоведы, и на протяжении нескольких десятилетий не могут договориться, в чем гений Арто, и применимы ли его теории к настоящему театру. Экспозиция уже попутешествовала по России, и теперь добралась до Челябинска. Выставка основана на материалах (это фотографии, рисунки, афиши, отзывы на творческие работы на французском и русском языках) из разных коллекций.

Выставочная экспозиция в Перми

Личность знаменитого французского актера, режиссера, теоретика театра 20 столетия — Антуана Арто — станет настоящим открытием для зрителей. Среди многих театральных систем крюотический театр (театр Жестокости) Антонена Арто занимает особое место.

Его уникальная театральная концепция, оказав влияние на все развитие западного театра второй половины ХХ века, оказалась абсолютно неведомой русскому театру, что существенно обеднило его развитие.

В отличие от других театральных систем система Арто до сих пор не нашла адекватного воплощения на сцене ввиду ее неохватности, стремления вобрать и воплотить в синтетическом действе возможности всех видов искусств.

Арто выступает против театра в обыденном его понимании. Современный театр представляется ему чем-то искусственным, тяжеловесным, пошлым.

Задача подлинного театра, заявляет он, преодолеть повседневный хаос, вскрыть подсознательные сущностные слои мышления и через архетипические образы выйти на уровень гармоничного сверхсознания. Через преодоление жизненных противоречий и извращенных чувств — к общечеловеческому (сверхчеловеческому) единению.

120 работ трех израильских фотохудожников

Fri, 25 Feb 2011 13:16:00 +0300

Проект «Эшколь: актуальная израильская и еврейская культура в России» представляет в Москве выставку «Digital Art: Магический реализм Израиля» (15-20 марта).

На выставке впервые в России представлено 120 работ трех израильских фотохудожников: Дины Бовы, Хуго Романо и Катерины Ломоносовой. Три автора работают в разных жанрах, создавая новую реальность, где повседневная жизнь становится пространством магии, сюрреалистических парадоксов, гротеска и абсурда.

Дина Бова

Фотографирует не окружающий мир, а мир своей мечты. Этот мир бывает странным и сюрреалистическим, но является отражением истинных чувств: иронии, страха, радости, боли – в нем всегда есть надежда, но отсутствует ненависть. Более 60 ее работ получили 250 международных наград в 23 странах: International Photography Awards 2010, National Geographic, Sony World Photography Awards 2010, Aqüeducte Biennale 2010 и других.

Хуго Романо

Мечтатель, предпочитает портреты и пейзажи, но недавно нашел новую страсть – грезы как произведение искусства. Считает, что фотография – это искусство без ограничений. Участвовал во многих международных выставках и получил более 80 наград. В 2010 году был включен в список лучших фотографов фотографического общества Америки (PSA).

Катерина Ломоносова

Мир ее работ полон гармонии, красоты, женственности и сентиментальной грусти. Считает, что важно показать не только внешнюю красоту, но и человеческую суть. Является известным фотохудожником в Израиле, проводит семинары. За несколько лет завоевала множество престижных наград на международных конкурсах и выставках.

Открытие выставки состоится 15 марта, во вторник, в 20:00. Вход свободный.

Адрес: «Фотоцентр», Гоголевский б-р, 8, м. Кропоткинская.

По материалам сайта «Фотоцентра»

«Лицом к Лицу» из Грузии

Fri, 18 Feb 2011 06:44:00 +0300

В московской галерее «Победа» до 24 марта проходит выставка шести известных грузинских фотографов «Лицом к лицу».

Галерея «Победа» представляет групповую выставку грузинских фотографов «Лицом к Лицу», объединившую работы 6 авторов - Гурама Цибаxашвили, Юрия Мечитова, Гии Чxатарашвили, Ирины Абжандадзе, Давида Месхи и Бесо Узнадзе - первая выставка грузинской фотографии в Москве.

Куратор проекта – Нестан Нижарадзе – родилась и выросла в Тбилиси. Журналист по образованию, Нестан курировала множество проектов (выставки Майкла Кенны в Тбилиси, peтроcпективу грузинской фотографии в Киеве, выставку современной грузинской фотографии во Франции); является основателем Тбилисского Дома Фотографии, Фото-феста в Тбилисси, а также издателем и главным peдактором журнала Photo.

Более 60 работ фотографов разных поколений и разных направлений, воссоздадут многогранное лицо так называемой «Новой Волны» в современной грузинской фотографии. Судя по масштабу и артистическому качеству создаваемой фотографической продукции, без преувеличение можно отметить что последние 15 лет являются одним из самых значительных и интересных периодов в истории развития грузинской фотографии.

Черно-белая документальная серия Гии Чxатарашвили «Ушгули» (1990-2000), снятая в горном регионе Сванетии, концептуальные и ностальгические «Примечания» (1997-2001) Гурама Цибаxашвили, портреты известного автора современного кино Сергея Параджанова, снятые Юрием Мечитовым (1978-1990), документально-концептуальная серия Ирини Абжандадзе «Жертва» (2000), и две серии молодых авторов Бесо Узнадзе и Давида Месхи – Don’t’Wake Me (2010) и «Когда земля светится» (2006-2009) - все эти работы составят проект «Лицом к Лицу»

Выставка «Лицом к лицу» позволит московской публике оказаться лицом к лицу с современной грузинской фотографией, а через фотографию и со всем тем, что в разное время и в разных пространствах не могло оставить равнодушными грузинских фотографов. А это ВСЕ - есть сама жизнь. Жизнь, сопровождаемая болью и радостью, встречами и расставаниями, переменами, одиночеством и молчанием. А иногда и криком, когда он неизбежен.

А если вспомнить слова Иосифа Бродского - посмотрите вокруг еще раз пока все это еще не фотография…, то можно сказать, что выставка грузинских фотографов - это и возможность взглянуть на то, что уже стало фотографией.

Адрес: Берсеневская наб., 6 (м. Кропоткинская).

Michael Ackerman. Выставка, мастер-классы и лекция

Thu, 17 Feb 2011 06:01:00 +0300

Выставка Half Life Микаэля Акермана (Michael Ackerman) проходит в галерее Photoplay на Красных воротах до 21 февраля.

Half Life состоит из фотокопий последней книги фотографа. Микаэль Акерман проведет два мастер-класса и слайд-программу.

Два двухдневых мастер-класса пройдут 17-18 (четверг, пятница) и 19-20 (суббота, воскресенье) февраля. Стоимость участия: 7500/8500 рублей.

На мастер-классе фотограф будет рассказывать о своих работах и о работах людей, которые его вдохновляют. Акерман просмотрит портфолио участников и будет помогать им в поиске собственного видения и проектов.

Комментарий Акермана для тех, кто хочет участвовать:
«Будет хорошо, если среди слушателей окажутся люди, которые занимаются собственными проектами. Возраст и профессиональный уровень не имеет значения. Имеет значение „вовлеченность в фотографию и в жизнь“. Мне не интересна фотография, как стилистическое упражнение, или чье-то любимое хобби. Я бы хотел надеяться, что слушатели серьезно задумываются над тем, что делают.»

Лекция/слайд-программа начнется 20-го февраля в воскресенье в 19.00 на Красных воротах. Сопровождается синхронным переводом. Стоимость: 900/1400 руб.

Внимание! Для участие в мастер-классах и лекции необходимо подать заявку.

Микаэль Акерман родился в 1967 году в Израиле. В восемь лет переехал с семьей в Нью-Йорк. Начал фотографировать студентом. Бросил университет и стал снимать ночные улицы, заброшенные доки, людей в барах.

Первая книга Майкла Акермана End time city принесла ему престижную премию Надара и Infinity Award International Center of Photography.

Французское издательство Delpire выпустило три его книги: End time city (1999), Fiction (2001) и Half Life (2010).

Персональные выставки Майкла Акермана проходят в Нью-Йорке, Берлине, Милане, Мадриде, Кракове, Цюрихе.

Чёрно-белые изображения Акермана, зернистые, смазанные, с присущим им невероятным свечением, создают таинственные и глубокие видения. Фотограф ищет в окружающем мире отражения собственных сомнений и тоски. Портреты и пейзажи поднимаются к зрителю из непроглядной темноты с тем сюрреалистическим светом, который способен воспроизвести только Акерман.

В настоящее время живет в Берлине.

Вход на выставку свободный.

Адрес: Школа современной фотографии Photoplay, Каланчевский тупик, д. 3/5.

«Архитектура тела» в режиме слайд-шоу

Tue, 15 Feb 2011 05:44:00 +0300

Киевская галерея Brucie Collections принимает персональную выставку австрийского фотографа Андреаса Битеснича (Andreas Bitesnich).

В экспозиции представлено 28 работ мастера. В частности, снимки в жанре ню, опубликованные в его первом альбоме Nudes, который в 1998 году был удостоен высшей награды на Kodak Photography Book Award. В режиме слайд-шоу демонстрируются исполненные драматизма фотографии, сделанные Битесничем во время путешествий по Египту, Кении, Камбодже, выразительные архитектурные формы зданий Нью-Йорка, а также избранные портреты мировых знаменитостей: легендарного бразильского футболиста Пеле, американского актера, писателя и художника Энтони Куинна, украинских боксеров Виталия и Владимира Кличко.

Персональные выставки Андреаса Битеснича проходили в Stadtgalerie (Клягенфурт, 2009), Photography Monika Mohr Galerie (Гамбург, 2007–2008) и Young Gallery (Брюссель, 2006). Его работы публиковались в ведущих европейских журналах для мужчин.

Тридцать тысяч фунтов одного Родченко

Fri, 11 Feb 2011 06:42:00 +0300

Работы знаменитого советского живописца, дизайнера и фотографа Александра Родченко показывают с завидной регулярностью. В Лондоне, скажем, раз в год, не меньше. Посмертная его жизнь довольно счастлива — не только потому, что он великий художник, в современном выставочном мире это еще полдела, не только потому, что русский конструктивизм всегда в почете, и не только потому, что о его наследии до сих пор заботится семья.

Выставка «Родченко и его окружение», открывшаяся в Лондоне в галерее Art Sensus, лишь одним отличается от своих предшественников. Она довольно велика — тут самого Родченко около двух сотен, не говоря уже об «окружавших». Их доля в четыре раза больше, и среди них тоже сплошь советские фотоклассики — Наум Грановский, или Макс Альперт, или Евгений Халдей. Не менее тысячи отпечатков в общей сложности, настоящее сокровище. Так вот это сокровище, если вы хотите знать, продается.

«Экспонаты принадлежат организации под названием Tosca Photography Fund,— рассказал в интервью радио „Свобода“ куратор Джин Милнер.— Это дочерняя фирма финансового фонда Tosca. Все они выставлены на продажу. Цены на экспонируемые фотографии колеблются от 3 тысяч до 30 тысяч фунтов».

Трудно сказать, сколько миллионов получит Tosca Photography Fund за свою коллекцию — тот же Родченко сейчас самый дорогой из советских фотографов и один из самых дорогих среди советских художников. Я помню, как в 1987 году на первом московском Sotheby’s одна его изломанная линия стоила £30 000, Конечно, с теми дореволюционными фунтами в кармане в Москве ты был бы богаче Абрамовича сегодня, но ту изломанную линию мне до сих пор жаль. Теперь и работы встречаются реже, и цены на порядок выше. Те же 30 тысяч отдают уже не за живопись, а за отпечаток. Черно-белый отпечаток без звука и цвета.

Обратите внимание, как во времена интернетовских роликов и трехмерного кино не падают, а растут цены на советскую черно-белую статику. Пусть историки спорят о том, насколько она была правдива, моральна и какой процент ретуши или постановки прослеживается в этих отпечатках эпохи. Каким-то образом оказывается, что нет лучшего о ней представления, чем застывшие двухцветные картинки. В конце концов, думая об этих временах, мы представляем себе лишь борьбу черного с белым, едва научившись хотя бы различать полутона.

Советская фотография монопольно представляет несуществующую теперь Страну Советов — других свидетельств ее существования каким-то образом уже не осталось. Моральные споры доказательны и занимательны, но ценообразования они никак не затрагивают. И пусть, например, Родченко постоянно припоминают съемки «врагов народа» на Беломорканале и службу в «СССР на стройке» — это все же разговоры в пользу бедных. На которых выставка в Art Sensus совсем не рассчитана.

Прикосновение к цифровому искусству в «Гараже»

Wed, 09 Feb 2011 05:15:00 +0300

В феврале 2011 года Центр современной культуры «Гараж» представит последние достижения цифрового и интерактивного искусства на выставке «Decode: Прикосновение к цифровому искусству».

Среди работ, включённых в проект, будет экран, рисующий портреты посетителей из снега, и интерактивное дерево, гнущееся под ветром с улицы. От компьютерной графики на небольших экранах до масштабных инсталляций, в экспозицию войдут работы как уже известных иностранных художников - Даниеля Брауна, Даниеля Розина, - так и относительно молодых авторов, например, Симона Хейденса и коллектива «Troika».

Выставка «Decode» обращается к трём актуальным темам в цифровом дизайне. Тема компьютерного кода, как написанного под заказ, так и взломанного и свободно распространяемого, обращает внимание на тот факт, что программирование стало новым инструментом дизайна. Интерактивность делает акцент на работы, реагирующие на наше физическое присутствие. Тема сети обозначает или подвергает новой интерпретации следы взаимодействия, которые мы оставляем за собой в век электронного общения.

Под рубрикой «Код» будут представлены работы, в которых компьютерный язык используется в качестве такого же материала, как камень или металл в скульптуре. Этот раздел выставки покажет, как программирование применяется для создания гибких, постоянно меняющихся объектов.

Во второй раздел, «Интерактивность», войдут работы, предназначенные для прямого взаимодействия со зрителем. Посетители смогут участвовать в моделировании произведений, многие из которых заставляют задуматься о том, где проходит граница между дизайном и перфомансом.

Последняя тема, «Сеть», будет раскрыта в контексте произведений, использующий цифровой «шум» от повседневных электронных коммуникаций (блоги, мобильная связь, системы GPS). Эта часть экспозиции обращается к новым возможностям для самовыражения, которые появились с приходом интернета и современных технологий. Дизайнеры переосмысливают эти информационные потоки и придают им разительные художественные формы.

Художники-участники: Мехмет Актен, Даниель Браун, Джошуа Дэвис, коллектив «Everyware», проект «Fabrica», проект «Flight404», Джеймс Фрост, Джонатан Харрис, Симон Хейденс, Риодзи Икеда, Сеп Камвар, Аарон Коблин, Лиа, Рафаэль Лосано-Хеммер, Джон Маэда, Росс Филлипс, Саша Пофлепп, Кейси Рис, Даан Роозегаарде, Даниель Розин, Карстен Шмидт, студия «Sennep», объединение «Troika», студия «Universal Everything», Мариус Ватц, студия «WOW», студия «YOKE».

Проект Виктора Пивоварова «ОНИ»

Fri, 04 Feb 2011 10:04:00 +0300

В Москве в Государственном музее современного искусства Российской академии художеств с 8 февраля по 20 марта пройдет персональная выставка одного из основоположников московского концептуализма Виктора Пивоварова «ОНИ».

5 февраля в 17-00 в галерее Stella Art в цикле цикла «Вечера в Скарятинском» - творческий вечер Виктора Пивоварова, живущего в Праге.

Лев Рубинштейн, создатель проекта «Вечера в Скарятинском», рассказывает о художнике:

«Виктор Пивоваров из числа тех блистательных художников, чей словесный дар всегда выступал на равных с даром изобразительным. Причем это всегда было не взаимоистребительным соперничеством, а исключительно плодотворным сотрудничеством. Искусство и разговор об искусстве совокупно составляли и составляют все то, что можно назвать художественной практикой. С начала восьмидесятых годов Виктор Пивоваров живет в Праге, где по его собственному определению проживает свою «вторую жизнь» – именно так и называется одна из его книг.

"Первую жизнь" художника, его, так сказать, московский период я помню хорошо. Помню, как в 60-е годы кто-то показал мне детскую книжку, кажется, "Оле-Лукойе" с поразившими меня иллюстрациями. «Не знаешь, кто такой Пивоваров?» – спросили меня. – «Понятия не имею, – ответил я, – Но очень хотелось бы узнать». Позже узнал. Узнал и навсегда полюбил. Узнал и его друзей, замечательных художников, ставших впоследствии и моими друзьями. Узнал и его тогдашнюю семью – жену Ирину, маленького сына Пашу, ныне широко известного художника и писателя Павла Пепперштейна. Круг этот на многие годы стал и моим кругом.

Сегодня Виктор Пивоваров – признанный классик современного русского и европейского искусства, ни в каких дополнительных рекомендациях ничуть не нуждающийся. Поэтому здесь я лишь пользуюсь случаем выразить ему в очередной раз свое восхищение и признательность».

Выставка Виктора Пивоварова «ОНИ» – третья программная выставка художника в Москве. Первая, «Шаги механика», прошла в 2004 году в Третьяковской галерее и в Русском музее, вторая, «Едоки лимонов», – в 2006 году в Московском музее современного искусства в Ермолаевском переулке. Новая выставка «ОНИ» пройдёт снова в ММСИ, в залах на Гоголевском бульваре. Как и предыдущие, этот проект подготовлен в сотрудничестве с XL Галереей.

Проект, за некоторыми исключениями, показывает работы художника, созданные за неполные пять лет после его последней московской выставки «Едоки лимонов». Нынешняя выставка состоит из десяти самостоятельных, пространственно ограниченных циклов: «Меланхолики», «Отшельники», «Избранники, или Время РОЗЫ», «Стеклянные», «Совершенные», «Красавцы», «Милена и духи», «Философы, или Русские ночи», «Бессмертные». Завершает выставку альбом 2010 года «Они вернулись!»

Через всё творчество художника проходят четыре сквозные темы. Первая из них — тема Москвы (на предыдущих выставках это циклы «Квартира 22», московская поэма «Едоки лимонов», альбом «Действующие лица» и др.). На выставке «ОНИ» эта тема появляется в самом начале — в титульном стихотворении, открывающем экспозицию, а также в цикле портретов «Философы, или Русские ночи» и в финальном завершающем альбоме «Они вернулись!». Вторая тема — тема детства — неразрывно связана с образом послевоенной Москвы, темного «заснеженного города», как это можно видеть в циклах «Меланхолики» и «Избранники».

Третья тема — тема одиночества. Как известно, Виктор Пивоваров — автор классического (теперь уже можно назвать его так) концептуального цикла 1975 года «Проекты для одинокого человека». На новой выставке тема одиночества представлена в цикле перовых рисунков «Отшельники». Если в более ранних своих работах Пивоваров интерпретировал одиночество как проблему экзистенциальную, драматическую в своем звучании, то в серии «Отшельники» одиночество показано как вид духовной практики, духовного делания и аскезы.

Четвертая тема — тема сакрального. Она раскрывается на выставке в разных аспектах — от детской «игры в сакральное» в цикле «Время РОЗЫ», через «трансцендентное присутствие» в цикле картин «Совершенные» и до поисков абсолютных чистых форм в сериях «Эйдосы с атрибутами» и «Эйдетические пейзажи». Диаметрально противоположна сакральному серия картин «Красавцы», где человек и Эрос выступают не в своем божественно-возвышенном проявлении (как в альбоме «Они вернулись!»), но в низменно-физическом, гротескно-животном виде.

Особое место на выставке занимает серия портретов «Философы, или Русские ночи». Художник понимает философию в её первоначальном значении, как любовь к мудрости. Поэтому здесь не только портреты так называемых «профессиональных» философов, таких как Александр Пятигорский и Мераб Мамардашвили, но и поэта Игоря Холина, духовидца Даниила Андреева, поэта и политического деятеля Эдуарда Лимонова, писателя Владимира Сорокина. Это портреты людей, создавших и продолжающих создавать неповторимое духовное поле русской московской культуры.

Виктор Пивоваров (р. 1937), как и Дмитрий Александрович Пригов, Илья Кабаков, Виталий Комар и Александр Меламид, принадлежит к старшему поколению, к так называемым отцам-основателям школы московского концептуализма, и, как Эрик Булатов и Олег Васильев, Пивоваров не вмещается в её границы. В московском романтическом концептуализме, как его определил Борис Гройс, Виктор Пивоваров занимает особое место, как наиболее радикальный романтик.

Адрес галереи Stella Art: Скарятинский пер., 7.

Адрес ММСИ: Гоголевский бульвар, 10.

«Современный петербургский пикториализм»

Wed, 02 Feb 2011 10:56:00 +0300

Государственный музейно-выставочный центр РОСФОТО при поддержке Министерства культуры Российской Федерации со 2 февраля по 3 марта представляет выставку «Современный петербургский пикториализм».

Заруцкая Наталья. Корзина и холодильник

Участники выставки используют в своем творчестве опыт мастеров прошлого века и продолжают их поиски. Здесь показаны разнообразные примеры современного пикториализма — уникального явления, существующего в эпоху стремительно развивающихся технологий. Произведения, объединенные эстетикой «живописной» фотографии, указывают на то, что старинные способы печати не исчерпаны сегодня как с технической, так и с художественной точки зрения. В то же время эти работы, собранные в пространстве одной экспозиции, представляют индивидуальные и подчас антогонистичные интерпретации «пикториального» метода, обусловленные разностью авторских позиций в понимании фотографии как вида искусства.

Алла Полетаева. Сети

Понятие «пикториальная» («живописная») фотография было введено в мировую практику в самом конце XIX века. Некоторые эстетические концепции построения изображения и сам термин были заимствованы из программной книги английского фотографа Генри Пича Робинсона «Художественный эффект в фотографии», опубликованной в 1869 году. «Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа <...> Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное», - писал Робинсон. Используя специальные позитивные процессы печати (технический пикториализм), фотографы добивались особой выразительности изображения. Мягкорисущие объективы позволяли cнижать детализацию. Излюбленный пикториалистами монокль (простейший объектив, состоящий из одной вогнуто-выпуклой линзы) сделал возможным создание обобщенных, расплывчатых образов при сохранении резкости контуров изображения (оптический пикториализм). Для приверженцев этого направления фотография стала творчеством, базирующимся на законах живописи, на ее традициях и опыте; они подняли светопись до уровня высокого искусства. Этим обусловлен довольно узкий круг сюжетов, к которым обращались пикториалисты. Сознательно уходя от документальности, характерной для бытовой фотографии, они запечатлевали пейзажи, натюрморты, незамысловатые жанровые сцены. Упрощая композицию и обращаясь к привычным сюжетам, мастера пикториализма утвердили первостепенное значение художественного приема.

Людмила Тоболина. Визит дамы

Государственный центр фотографии РОСФОТО: Санкт-Петербург, Б. Морская, д.35

«Феллини. Гранд-парад»

Tue, 01 Feb 2011 17:31:00 +0300

Мультимедиа Арт Музей (Москва) и Московский Дом Фотографии в рамках Года России-Италии-2011 представляют выставку «Феллини. Гранд-парад» с 22 февраля по 24 апреля 2011.

Выставка «Феллини. Гранд-парад» - уникальный выставочный проект, впервые представленный в Париже в 2009 году, включает более 500 экспонатов, связанных с творчеством Федерико Феллини: рисунки, фотографии, документы, сопровождается показом фильмов великого режиссера.

Как говорят организаторы, «его Гранд-парад - это смотр всем искусствам, которыми он когда-либо увлекался, философия и юмор, гротеск и карикатура, это знаменитый итальянский неореализм и уход от него».

Потрясающее сочетание оригинальной графики и фотографий, сделанных во время съемок, призвано показать многообразие планов и интересов художника и актера, режиссера, сценариста и продюссер (именно в этом перечислении – вся многоплановость маэстро Феллини). Его Гранд-парад – это смотр всем искусствам, которыми он когда-либо увлекался, философия и юмор, гротеск и карикатура, это знаменитый итальянский неореализм и уход от него.

Куратором выставки является Сэм Стордзе, директор музея Лозанны, собравший экспонаты государственных и частных фондов, архивов и коллекций в едином уникальном дизайнерском пространстве.

Адрес: «Московский Дом фотографии» (ул. Остоженка, 16).

Фотографии Чарли Чаплина переехали в Лозанну

Thu, 27 Jan 2011 12:25:00 +0300

10 тысяч уникальных снимков Великого Бродяги – на сцене и в жизни – были переданы его семьей Музею фотографии Elysée.

«Я счастлива, что фотоархив моего отца отправляется в Музей Elysée. От имени моих братьев, сестер и моего собственного, я доверяю Лозаннскому музею фотографии коллекции, столь дорогой нашему сердцу», - с такими словами Жозефина Чаплин, одна из пяти дочерей легенды немого кино, передала в Elysée уникальные снимки и негативы. 10 тысяч фотографий представляют собой документальные свидетельства творчества Чарли Чаплина как актера и режиссера.

Чаплин позирует в костюме своего любимого персонажа, ок.1915 г. (Courtesy Roy Export Co. Est. / Musée de l’Elysée)

Съемки каждого фильма Великого Немого с конца 1910-х годов сопровождала группа профессиональных фотографов: они запечатлевали происходящее на площадке по заказу Studios Chaplin, собственной киностудии Чаплина. Архивы находились в собственности актера, а затем перешли к его наследникам. Помимо фоторепортажей со съемочной площадки, коллекция, переданная лозаннскому музею, содержит множество личных фотографий Чаплина из семейного архива.

Историческая и эстетическая ценность коллекции неоспорима. Достаточно сказать, что в нее входят такие уникальные свидетельства эпохи, как две фотографии Чаплина, сделанные в 1925 году для журнала Vogue легендарным Эдвардом Штайхеном, или альбом агентства Keystone. Выпущенный в 1914 году специально для киностудии Чаплина, он содержит 750 снимков со съемок 35 первых фильмов «Бродяги».

Чарли Чаплин на «Катке» (Courtesy Roy Export Co. Est. / Musée de l’Elysée)

«Передача музею фотоархива Чаплина – грандиозная новость», - прокомментировал событие директор Elysée Сэм Штурдзе, благодаря которому Великий Немой уже однажды побывал в Лозаннском музее фотографии. По стечению обстоятельств, именно Сэм Штурдзе в 2006 году организовал выставку «Чаплин и фотографии» в музее, директором которого стал четыре года спустя, и в дар которому семья актера теперь передала свою коллекцию. Тогда в рамках экспозиции была показана лишь малая часть уникального архива – 350 снимков. Получив столь редкостный дар, лозаннский музей фотографии обогащает свою коллекцию наследием универсального значения, что в очередной раз подтверждает репутацию Elysée как компетентного центра работы с изображениями и архивными снимками.

Кадр из «Огней большого города», 1931 год (Courtesy Roy Export Co. Est. / Musée de l’Elysée)

В интервью агентству swissinfo директор Elysée признался, что если подарок наследников Чаплина теперь кажется «упавшим с неба», то для получения согласия семьи актера необходимо было много работы – убедить, сделать достойное предложение, найти финансовые средства. Ибо если приобретение архива не стоило музею ничего - он был подарком потомков Чаплина, - то на хранение и будущие выставки требуются средства.

Благодаря поддержке кантона Во, Конфедерации и частных фондов, музей собрал капитал в один миллион франков, которого должно хватить на реализацию проектов вокруг архива Чаплина в ближайшие три года. Один из них - перевести в цифровой вид изображения великого актера и создать электронную базу данных, доступную в Интернете. Планируются в Elysée и многочисленные выставки, как тематические, так и монографические, которые будут показаны в Швейцарии и за границей.

Фотоархив увидит свет не только в выставочных залах, но и в рамках «Школы взгляда» – обширного педагогического проекта, запланированного на 2012 год. Цель образовательной программы «Чаплин в школах» - передать молодому поколению интерес к визуальным искусствам и опыт расшифровки изображения, а также осветить исторические и социальные проблемы, затронутые в фильмах «Бродяги», через призму кинематографа.

Чаплин на съемках фильма «Новые времена», 1936г. (Courtesy Roy Export Co. Est. / Musée de l’Elysée)

Интересно, что с переездом архива в Лозанну, столица кантона Во и Водуазская Ривьера становятся музейным полюсом европейского уровня, организованным вокруг творчества великого актера и режиссера. Бумажные архивы Чаплина, который провел последние двадцать пять лет жизни в Корзье-сюр-Веве со своей женой Уной О’Нил и их восемью детьми, хранятся в Монтрё, фильмы и афиши Великого Немого нашли пристанище в Швейцарской фильмотеке в Лозанне. В 2012 году планируется открыть большой музей Чаплина в Мануар де Бан - том самом поместье, где жил актер.

Со всеми этими учреждениями Музей Elysée планирует сотрудничать и разрабатывать совместные проекты и выставки, открывая все более широкой публике богатое художественное наследие Чарли Чаплина, как того пожелали его потомки. По словам Сэма Штурдзе, это было единственным условием передачи архива в лозаннский музей.

В «Гараже» до 8 февраля проходит фотовыставка «Когда наступает сейчас»

Tue, 25 Jan 2011 16:17:00 +0300

В Центре современной культуры «Гараж» до 8 февраля проходит международная фотовыставка «КОГДА НАСТУПАЕТ СЕЙЧАС. Фотография глазами художников», на которой представлены 15 самых значительных современных художников, работающих в технике фотографии.

Taryn Simon Troy Webb. Scene of the crime, The Pines, Virginia Beach, Virginia 2002

Их выбрали пять ведущих в мире художников и кураторов – Том Эклс, Лиам Гиллик, Ханс Ульрих Обрист, Филипп Паррено и Беатрикс Руф. Эта групповая выставка призвана представить развернутую кураторскую перспективу современной мировой фотографии и «моментальный снимок» каждого из художников.

Одни работы, представленные в проекте «КОГДА НАСТУПАЕТ СЕЙЧАС» воплощают персональный и частный опыт художника, другие - фильтруют и документируют рутинный опыт или слова, переводя их в другую неожиданную плоскость; а некоторые из представленных здесь художников придают фотографии материальную осязаемость физического объекта, добиваясь тем самым большего эффекта беспристрастной отстраненности.

Многие из представленных художников исследуют проблемы восприятия, иллюзии и подлинности, или легитимируют до этого нелегитимные формы творчества, такие, например, как любительская фотография или фотографический альбом. Другие художники своими работами отсылают зрителя к самым разным стилям и жанрам в искусстве, в фотографии, в массовой культуре.

Anne Collier. Developing Tray #2 (Grey), 2009

Основная идея проекта состоит в расширении восприятия фотографии в ее традиционном смысле – на выставке представлены, помимо работ знаменитых Фишли и Вайса, использующих бытовой язык, приближенный по стилистке к фильмам мокьюментари, произведения, выполненные в смешанной технике, с использованием языка видео и элементами поп-культуры. Художница Марло Паскаль включает «найденные объекты» в том числе, кинематографические фетиши с свои работы, или Гилад Ратман, исследующий феномен восприятия изображения, столько актуальный для сегодняшнего визуального текста, заигрывающего порой с возможностями изображения и разрушением так называемой третьей стены.

Кинематографическая стилистика пронизывает большинство работ, представленных на выставке, даже проект выдающегося немецкого художника Ханса-Петера Фельдмана, осуществившего съемку людей в возрастной промежуток, начиная от самого рождения, заканчивая представителем века. Здесь художник демонстрирует практику стоп-кадра, который исключает любой монтаж и любое заигрывание со временем, становящееся абсолютно не актуальным в условиях нового кинематографа. На симпозиуме, в котором примет участие почти весь состав кураторов, подготовивших выставочный проект, один из вопросов будет касаться расширения возможностей фотографии, в том числе, в пространстве кинематографа.

Художники, представленные на выставке: Aнн Кольер, Лиз Дешен, Ро Этридж, выдвинутые Томом Эклс Марло Паскуаль, Гилад Ратман, Солмаз Шахбази, выдвинутые Лиам Гиллик Триша Доннелли, Шаннон Эбнер, Ханс-Петер Фельдман, Дариус Хонджи, Кацуо Шинохара, Тарин Саймон, Аннет Кельм, Илад Ласри, Ли Ледар.

Elad Lassry. Two British Short Hair Cats (BSH), 2009

Выставка представлена совместно с Rencontres d'Arles 2010 и LUMA Foundation. Выставка содержит материалы, не рекомендованные к просмотру лицам до 16 лет.

В рамках выставки «Когда наступает сейчас» 5 февраля проходит симпозиум, цель которого представить фотографию в условиях постоянно обновляющегося визуального языка.

Беседы, дебаты и дискуссии помогут разобраться в концепции выставки, понять задумку пяти выдающихся кураторов, представить себе фотографию как средство самовыражения современных художников, и таким образом открыть новые границы понимания современной фотографии. Открывают симпозиум основатель благотворительного Фонд развития и поддержки искусства «Айрис» Дарья Жукова и Майя Хоффман, основатель благотворительного Фонда поддержки независимых и начинающих художников «LUMA», благодаря которым последние достижения в области фотографии и современного искусства- выставка «Когда наступает сейчас» стали доступны российскому зрителю.

Darius Khondji. Night Suite Dakhla, 2008

«Искусство против нацизма» в московском метро

Wed, 12 Jan 2011 05:55:00 +0300

3 января в московском метро стартовала выставка «Искусство против нацизма», инициированная «Комитетом 19 января». В этой выставке принимают участие известные на международном уровне художники, которые предоставили Комитету свои работы в жанре стрит-арт в форме стикеров и плакатов с ясным антифашистским смыслом.

Эмори Дуглас. «Афроамериканская солидарность с угнетенными народами мира»

Стикеры и постеры уже появились в вагонах, в переходах и на балюстрадах эскалаторов московского метрополитена и будут расклеиваться вплоть до 19 января 2011 года. Цель этой выставки – заявить о солидарности художников-интернационалистов с антифашистской повесткой Комитета 19 января, об острой необходимости борьбы с неонацизмом здесь и сейчас. Так же Комитет надеется, что появление в метро этих работ спровоцирует активность людей, еще не вовлеченных ни в какие инициативы.

Работы участников выставки выложены в Интернете на официальном сайте Комитета для скачивания и распространения, художникам и активистам предложено подключиться к акции, создавать и распространять собственные произведения антифашистского характера с призывом выйти на демонстрацию 19 января 2011 года.

В выставке принимает участие классик политического графического искусства ХХ века, знаменитый американский художник Эмори Дуглас – министр культуры леворадикальной партии «Черные пантеры» (1967-1980), бессменный иллюстратор еженедельной партийной газеты с одноименным названием. Эмори Дуглас вошел в историю искусства как бескомпромиссный левый активист, борец за права афро-американцев в США. В 2000-х в крупнейших американских музеях состоялись ретроспективные выставки этого живого классика. Участие в выставке «Искусство против нацизма» будет первым выступлением этого художника в России. Дуглас предоставил организаторам акции право на репринт его знаменитого постера 1969 года «Афроамериканская солидарность с угнетенными народами мира».

На данный момент среди участников выставки:

Баби Бадалов (Азербайджан, США, Британия, Франция)
Баби Бадалов, художник, главной темой которго является его собственная судьба, характерная впрочем не только для него. Баби родился в Азейрбайджане и вынужден был эмигрировать. Он жил в Нью-Йоркских сквотах, британских лагерях для беженцев, парижских художественных мастерских, на складах и в отелях. При этом его невероятная любовь к жизни, искрометная ирония придают его «автоматическому рисованию» невероятную силу. Он рисует и пишет с ошибками, свойственными любому мигранту. Который впитывает язык и культуру каждого нового места жительства и через его работы все эти культуры мутируют в манифест стойкости и жизнелюбия.

Баби Бадалов. Из серии «Стой, фашисть!»

Росселла Бискотти (Италия, Нидерланды)
Росселла Бискотти молодая художница родом из Южной Италии. Как многие художники, она не живет там где родилась. Она имигрировала в Нидерланды, где у нее есть больше возможностей осуществлять свою основную деятельность - быть художником. С Италией ее, тем не менее, связывает все. Основная тема Росселлы - историческая память и манипуляции этим хрупким конструктом со стороны государства, которое всегда определяет какой должна быть официальная память. Политическое становление художницы произошло в ранней юности, Росселла известный европейский художник остается верной принципам анархизма и антифашизма.

Росселла Бискотти. «Свобода»

ETC (Аргентина)
Аргентинская группа ETC (этсетера) объединились много лет назад вокруг Манифеста «Эррориста» (от англ. error - ошибка). Они считают, что ошибка - это привелегия угнетенных и художников, которая, если научиться ей пользоваться может стать ярким выразительным средством и эффективным орудием борьбы. Большинство художников, участников акции-выставки «Искусство простив нацизма» предпочли сделать свои работы на неродном для них русском языке, потому что политичекое искусство должно быть ясным и лаконичным. В этом смысле ошибки, допущенные в русском языке стоит рассматривать как осуществленное право любого человека говорить на любом языке и быть понятным не смотря на неточности, точнее, принимая эти неточности как часть отношений.

ЕТС. «Все правовые?»

Affinity Group (Россия)
Societe Realiste (Франция)
Александра Галкина (Россия)
Зампа ди Леоне (Сербия)
Риго 23 (Мадейра, США)
Николай Олейников (Россия)

Николай Олейников.

Даринка Поп-Митич (Сербия)
Р.Э.П. (Украина)
Давид Тер-Оганьян (Россия)
Дмитрий Виленский (Россия)

Дмитрий Виленский. «Почему нацизм всегда коричневый?»

Комитет 19 января надеется, что выставка поможет вывести жителей Москвы на мирное шествие против нацистского террора, и что в акции примут участие и другие города России. Комитет приглашает 19 января 2011 года в 19-00 прийти к памятнику Тимирязеву в начале Тверского бульвара и принять участие в демонстрации.

По материалам сайта Комитет 19 января и ЖЖ Комитета 19 января

Выставка киноафиш — в Праге

Sun, 09 Jan 2011 20:50:00 +0300

Чешская академия кино и телевидения (Česká filmová a televizní akademie) открыла в кофейне пражского кинотеатра Lucerna выставку афиш, рекламировавших лучше игровые и документальные фильмы, снятые в стране за последнее время и претендующие на премию «Чешский лев» (ČESKÝ LEV). Так, 21 плакат представляет художественные ленты, 15 — документальные.

Фрагмент плаката фильма Román pro muže, участвующего в выставке

Выставка будет проходить до 16 января.

Джон Балдессари в музее Метрополитен

Tue, 21 Dec 2010 10:54:00 +0300

Персональная выставка работ пионера концептуализма — американского художника Джона Балдессари (John Baldessari) открылась в нью-йоркском музее Метрополитен (The Metropolitan Museum of Art), многие арт-критики уже включили ее в лучшие экспозиции года.

Эта выставка — крупнейшая в творческой карьере Балдессари. Она называется «Чистая красота» — по ранней работе мастера поп-арта, где на чистом холсте выведены шрифтом слова: «Чистая красота» (Pure Beauty). В Метрополитен также проходят лекции и беседы, демонстрируются два документальных фильма, посвященные творчеству художника.

Летом будущего года одному из основателей поп-арта, пообещавшего — «Больше не буду создавать скучное!» — исполнится 80 лет. Тяжелые раздумья о смысле творчества он превратил в шутку. На ранних этапах художник комбинировал изображения и текст, используя клише рекламы и кино. Это были парадоксальные и ироничные композиции, сделавшие Балдессари имя в 60-е годы, эру хиппи. Стиль концептуалиста отличался использованием каламбуров на основе образов массовой культуры.

Tips for artists Who Want to Sell, 1966-68

«Все вычищено с этой картины, кроме искусства, никакие идеи не посетили», — типичный образец ироничного творчества Балдессари, ограничившего все изображение на холсте собственной цитатой. Уже известный художник в 1970 году сжег все свои работы, созданные с 1953 по 1966 годы.

«Если бы я видел вокруг себя искусство, которое мне нравится, я бы не стал художником», — сказал однажды Балдессари. Возможно, отвечая на вопрос своего отца о коммерческой составляющей творческого успеха, Балдессари создал свою инструкцию «Советы художникам, которые хотят продаваться», рекомендуя писать «светленькое», мадонн с младенцами, пейзажи и цветы.

В 80-е годы Балдессари начал использовать изображения без текста. Он придумал использовать цветную клейкую пленку поверх фото, чтобы обезличить объект изображения.

В 2009 году художник был удостоен награды Золотой лев Венецианской биеннале за вклад в искусство.

Planets, 1987